Discografía de Mike Oldfield

[Boqueroni di Málaga]

TUBULAR BELLS III (1998)

Duración: 46:38.
Composición: Mike Oldfield.
Producción e ingeniería: Mike Oldfield.

Voces.
Man In The Rain: Cara Dillon. Voces adicionales: Heather Burnett.
The Inner Child: Rosa Cedrón.
The Source Of Secrets, Jewel In The Crown, Secrets: Amar.
Far Above The Clouds: Clodagh Symonds y Francesca Robertson.

Grabado en el estudio de Ibiza, Diciembre de 1996-Marzo de 1998, y en el estudio de Londres, Abril 1998-Junio 1998.


La aparición de Tubular Bells(a partir de ahora TB) en la década de los 70 causó un enorme impacto entre los melómanos inquietos ávidos de nuevas experiencias sonoras,y desde luego TB lo fué.TB hízo de su creador toda una leyenda que hoy día casi todo el mundo conoce...ó ¿hay alguién en el planeta con un mínimo interés por la música que no haya escuchado en algún momento de su vida las clásicas repetitivas notas de piano que daban inicio a TB? Yo creo que no,seguro que alguna vez han escuchado en la radio,televisión ó en el film El Exorcista,incluso algún amiguete lo tiene de tono de llamada en el móvil...en fín que a unos más que otros seguro que les suena esa enigmática introducción.

Pasaron bastantes años y un buen puñado de buenos discos,Oldfield creyó oportuno que era la hora de una continuación de su magna primera obra,así que en 1992 apareció en el mercado TBII,y no le salió mal la cosa,fué un éxito rotundo e hízo que mucha gente se interesara por su discografía,lo cuál es bueno.Musicalmente en mí humilde opinión no superaba a la 1ª parte,ya que casi era un calco de aquella,pero más floja musicalmente hablando,aunque indudablemente contenía momentos muy brillantes e intensos,particularmente es el TB que menos me gusta.

Oldfield pensó:Si Tubular Bells II ha sido un rotundo éxito....¿por qué no un Tubular Bell III?.¿Realmente Mike sentía la necesidad imperiosa de una nueva entrega de las ''Campanas Tubulares''? ó por el contrario...¿quería exprimir a la gallina de los huevos de oro?.Probablemente sea la segunda opción...el dinero le gusta a todo el mundo y nuestro Oldfield no iba a ser menos.

De su estancia en Ibiza aparte de borracheras y algún otro incidente le hízo reflexionar y preguntarse:¿Y si compongo un nuevo Tubular Bells para el nuevo milenio?,Olfield no era ajeno al ambiente de Ibiza y esos sonidos quedan reflejados en los temas del disco bastante impregnado de esa atmósfera moderna que se refleja incluso en el diseño y fotografías del albúm.

El albúm se publica a lo largo de 1998 (del que ya había dado una muestra en el recopilatorio XXV).La presentación de TBIII tuvo lugar en Londres el 4 de septiembre de 1998 en el Horsewards Parade junto al palacio de Buckingham,un macroespectáculo que solo se vió empañado en parte por la lluvia y por un apagón en mitad del concierto,aún así fué un éxito rotundo.

The World Première of TUBULAR BELLS III (London, Horsewards Parade 4/9/98)

La estructura del albúm rompe con la de las partes precedentes,no es esa magna suite sinfónica dividida en dos partes,se pierde esa sensación de obra imponente,todo es simple y sencillo:11 temas con una duración media de entre 2 y 6 min,muchos temas vocales y otros que más que canciones son más bien interludios breves con pasajes vocales y ambientales que engarzan con el siguiente tema.

Unos sonidos de viento y un estruendo nos da la bienvenida a The Source of Secrets,a continuación una nueva variante de las clásicas notas de piano nos recibe como en los TB anteriores.Suena moderno,diferente sobre todo al incorporarse la base rítmica totalmente tecno,lineas de bajo,sintetizadores y a continuación la guitarra de Oldfield..¡inconfundible! arropada por la voz de Amar que recita una especie de canto arabesco que queda muy bien.El tema se termina de forma brusca enlazando directamente con The Watchful Eye que a su vez actua de interludio.
Unos bonitos susurros de viento acompañados por unos hermosa y delicada melodía tocada por Oldfield engarza con uno de los mejores temas del disco,Jewel In The Crown.Sobre una base...como decirlo...¿Chill Out? y bastante pegadiza,Oldfield nos regala unas melodías preciosas,simples pero muy efectivas.El tema tiene de todo,ligeras percusiones de tono tribal,algunas partes con sitar y acompañamiento de voces femeninas cantando en hindú.Un ambiente muy etéreo y relajante.
Por un momento abandonamos el relax,por que Outcast nos va a despegar el culo del sillón,primero unos acordes rápidos de guitarras acústica arropados por unos gruesos y  rockeros riffs de guitarra eléctrica,muy muy cañero,lo que más me gusta es la melodía que toca,imagino con pedal wah wah,...¡es buenísima y muy contagiosa! No sé cuantos tipos de guitarra utiliza para el tema,pero mínimo suenan 3 ó 4 diferentes.En algunas partes introduce sintetizador creando un sonido muy potente,una voz grave distorsionada dan un aire de modernidad a la pieza.

Despues de esto ¿a donde nos llevará Mike?...pues no muy lejos,aquí mismo...a España.Unos acordes de guitarra flamenca nos evocan a Andalucía y sonidos mediterráneos en Serpent Dream algunas percusiones y sonidos de palmas no dan lugar a dudas de donde nos quiere llevar Mike.Unos riffs y punteos de guitarra eléctrica casi al final rompen un poco la calma de la canción.El tema es corto,acaba bruscamente conectandose directamente con The Inner Child,una bella canción de cuna en la que Rosa Cedrón tararea una hermosa y melancólica melodía,arropada por unas suaves notas de piano esparcidas.A medida que avanza la canción esta va ganando en intensidad pero sin abandonar ese aire melancólico con la eléctrica de Oldfield doblando las melodías vocales de Rosa Cedrón,el tema acaba con unas notas de guitarra española dándole un final dulce.

Man In The Rain la única pista realmente cantada del disco,con letra,magistralmente interpretada por la cantante folk norirlandesa Cara Dillon.La pieza fiel deudora del otro temazo pop de Crises,Moonlight Shadow .La primera vez que oí esta canción siempre esperaba que de un momento a otro Cara soltara el estribillo de Moonlight Shadows por la similitud de ambos temas.Los arreglos y las armonías vocales son súblimes,yo le veo hasta un toquecillo celta.La típica canción que lo tiene todo para explotar en las listas de éxitos,estribillo enorme,voz preciosa,melodías pegadizas y un punteo de guitarras fantástico.Cuando escucho este disco siempre repito este tema por lo menos tres veces.

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Mike Oldfield & Pepsi Demacque interpretando Man In The Rain en le preview de TBIII

Llegamos a un punto del disco especialmente complicado para mí,debido al tema The Top Of The Morning del que incluso he llegado a leer que es la mejor canción del albúm...¡Madre mía!...Esta canción para mí sobra en el disco,jamás debería haber sido incluida en el albúm,durante cuatro minutos se nos tortura con unas interminables notas repetitivas de piano muy muy melosas...por decirlo de manera suave...pastelosas,malas,sin chicha ninguna...joder parecen sacadas directamente de un anuncio de mermeladas ó de unos tampax..¡por Dios! y encima agregan unas melodías celtas bastantes cutres.Lo siento pero no soporto esta canción.

A modo de interludio antes del final del disco llega Moonwatch.El tema es lento,relajante ejecutado con piano,guitarras acústicas y llegando al final un breve punteo de guitarra eléctrica arropado por los teclados.

Secrets nos devuelve al pasaje de apertura de Tubular Bells pero esta vez un poco más agitado y envuelto en samples y sintetizadores,muy eléctronico.De nuevo hace aparición la guitarra de Oldfield con sus clásicos e inconfundibles punteos,es una especie de regresión al tema de apertura The Source Of Secrets con algunas variaciones que nos va preparando para el tema final,Far Above The Clouds.Una niña nos habla y dice:And The Man in The Rain picked up his bag of secrets,and journeyed up the mountainside,far above the clouds,and nothing was ever heard from him again,except for the sound of Tubular Bells.(Y El hombre de la lluvia cogió su bolsa de secretos, y viajó hasta la ladera de la montaña, muy por encima de las nubes, y nada se volvió a saber de él, excepto por el sonido de Tubular Bells).Sin duda uno de los mejores temas del disco,que podía haberse titulado perfectamente The Bell III y es donde aparecen por fin las esperadas campanas tubulares.Antes de que aparezcan y justo cuando la niña acaba de hablar explotan todos los instrumentos de manera intensa y al mismo tiempo campanas,un momento espectacular que me pone los pelos de punta,mientra Oldfield acompaña con punteos de guitarra...¡buenísimo!
La canción termina de forma abrupta y nos deja con sonidos del bosque y canto de pájaros,un ambiente tranquilo...todo en calma...

Conclusión: El que para muchos es el mayor truñazo de la discografía de Mike Oldfield para mí resultó ser un disco magnífico,arriesgado y por el cuál le llovieron palos por todos lados. ¿Que no tendría que haberse llamado Tubular Bells? Posiblemente,pero como eso no podemos cambiarlo,tratemos de disfrutar de un excelente trabajo en mi opinión.

Espero que os guste.

Jose Manuel.

[Grimble]

(Próximamente)

[hemispheres]

GUITARS

1999

Productor: Mike Oldfield, Compositor: Mike Oldfield, Año: 1999
Listado de Pistas
1.Muse
2.Cochise
3.Embers
4.Summit Day
5.Out Of Sight
6.B. Blues
7.Four Winds
8.Enigmatism
9.Out Of Mind
10.From The Ashes

Siempre he sentido fascinación por el universo de las seis cuerdas, de hecho, me considero un guitarrista frustrado de esos que hacen solos en el aire y sueñan como sus dedos serpentean por el mástil de una guitarra. Esta pasión arranca desde mi añorada y lejana infancia en la que me deleitaba con la letra de los míticos Barón Rojo y su canción dedicada a la guitarra Cuerdas de acero ("y tú tormenta de truenos y luz, eres símbolo de libertad, yo nunca podría vivir sin tus cuerdas de acero tocar...") Da igual quien fuera, Paco de Lucía, Narciso Yepes, Steve Vai, West Montgomery, John Petrucci, Tomatito, Jimi Hendrix, Steve Hackett, Ritchie Blackmore, Andrés Segovia o... Mike Oldfield, mi consciencia caía embelesada, al igual que un marinero por el arrebatador canto de la sirenas, cuando me adentraba en el fastuoso firmamento sonoro de la guitarra, y es en honor a este instrumento, al que  Mike Oldfield en este disco le rinde tributo, por el que me decidí a escribir esta reseña, además de parecerme un álbum ciertamente atractivo y estimulante.

Nos encontramos en el año 1999, su disco anterior ha sido el Tubullar Bells III, estamos discográficamente hablando dentro de esa denominada etapa “menor” de Mike Oldfield, y el inglés quiere remontar el vuelo perdido con un disco que recupere la vitalidad musical perdida. De esta forma surge Guitars, un disco bastante experimental puesto que todos los instrumentos que intervienen en el álbum, veáse percusiones, vientos, sintetizadores... están “originados” por la guitarra. Esto fue posible gracias a la utilización de las pastillas MIDI. Estas pastillas traducen la vibración de la guitarra por las notas de cualquier instrumento que haya sido elegido en el MIDI. Todo, absolutamente todo lo que suena en el disco son guitarras. Igualmente resulta interesante la cantidad de matices y texturas sonoras que Oldfield extrae a la guitarra, desde las clásicas y acústicas a las eléctricas, con esos efectos sampleados o filtrados a través del sintetizador.

Las guitarras utilizadas en el disco son las siguientes:

(José Ramirez) Guitarra clásica
(1962) Fender Stratocaster, color salmón
Martin O-45 Parlour Guitar.
PRS (Paul Reed Smith) Custom 24 con Roland
(1962) Fender Stratocaster
(1989) PRS Custom 24
(José Ramirez) guitarra flamenca
Wal 4 string bass guitar
PRS McCarty Thinline

Guitars fue un disco que pasó sin pena ni gloria dentro de su vasta discografía. Cuando he departido con admiradores de Oldfield,  con amantes de la música o simplemente leyendo críticas sobre el disco en cuestión, las impresiones  que se han indicado y que he observado han sido las de considerar que se trata de un disco cansino, pesado y reiterativo. Bien es cierto que cuando escuchamos un disco, éste puede gustar o  no, pues la música es un arte, y el arte está sometido a la irrebatible apreciación subjetiva que se genera en nuestros sentidos, sin embargo, considero que hay un hecho que es indiscutible: Guitars suena a Oldfield, la identidad de su autor nos está aguardando en los entresijos del álbum. Guitars es un disco marcadamente heterogéneo, en el que Mike aborda diversos géneros musicales, como piezas clásico- acústicas, blues, folk, country, arranques rockeros... pero en todas ellas confecciona esas melodías tan propias, que parecen nacidas de un sueño, que están revestidas de magia y fabulaciones alquimistas...

MUSE

Muse es la primera incursión que hacemos en Guitars y ya profetiza una de las grandes cualidades del álbum: la inmensa intimidad que desborda este disco. Se trata de una pieza acústica, perfumada de recuerdos y pesadumbre, la guitarra de Oldfield parece sollozar en cada una de sus notas. Estamos ante un espléndido comienzo.

COCHISE

Unos tenues punteos acústicos hacen despuntar el tema, aunque poco después irrumpen las guitarras sampleadas que sirven de soporte rítmico a la canción. La guitarra acústica, no obstante, es la que nos “habla” en primera persona, para más tarde seguir hablándonos en lenguaje eléctrico. Una repetitiva melodía también está presente a lo largo de casi todo el tema. En la parte final, se observa como la guitarra eléctrica se va erizando sin llegar a distorsionarse y pero sí tomando un mayor protagonismo. Según diversas fuentes esta canción se inspira en Whole lotta love de Led Zeppelin.

Cochise es una canción dedicada a un guerrero indio. Cochise fue un jefe indio, un estratega, un defensor de su pueblo... Un símbolo del enfrentamiento entre los nativos indios y los intrusos hombres blancos.

EMBERS

Unos efectos que emulan a un sintetizador dotan al inicio de Embers de una atmósfera somnolienta, tranquila, relajada... y de esos efectos originales nos trasladamos a un pasaje acústico. Es un tema especialmente ambiental, lumínico... es como si estuviésemos pululando entre nubes espumosas y surcando cielos atemporales.

SUMMIT DAY

Otro tema decididamente sensual y arropado de belleza y misterio, en el tema retumba un eco que ahonda en un sentimiento de familiariedad y aislamiento... como si un anciano nos estuviera narrando un episodio que marcó su infancia. Basado en la novela "Into this Air" de John Krakauer sobre el Everest, que Mike leyó y le apasionó

.

OUT OF SIGHT

Uno de los temas más poderosos y vibrantes del disco. No obstante, esa distorsión tiene un sonido muy peculiar, es como si se tratara de un country eléctrico, el sonido va tomando una mayor contundencia a medida que transcurre el tema. Tiene un cierto abuso de los efectos sampleados y del midi, así como un uso del gua-gua hendrixiano. Por otro lado, el corte destila un ambiente de western crepuscular, da la sensación de encontrarse  en la cantina de un poblado del far west y entre lingotazo y lingotazo de whisky doble, vemos aparecer por las puertas de la taberna a Clint Eastwood con su poncho polvoriento, mascando y escupiendo tabaco.

B. BLUES

Tema dedicado a B.B. King, como su propio nombre indica se trata de un corte blusero a través del filtro Oldfield, y en el que imprime a dicho estilo musical su propia impronta. Lo que más me gusta de este tema es la distorsión de la guitarra eléctrica, resulta única, nunca había escuchado una guitarra eléctrica tocando blues con esa distorsión. Mike Oldfield en su mirada al Blues confecciona un tema descorazonado y triste, como la propia expresión inglesa indica: "I'm blue"... estoy triste..., respetando la languidez sonora de este estilo, pero logrando una sonoridad particular y atípica, intercalando algún punteo acústico con el eléctrico. Uno de los temas que más aprecio de Guitars sin duda alguna.

FOUR WINDS

Haciendo honor al nombre de la propia canción, estos “cuatro vientos” constituyen la estructura de la canción. El primero de los vientos, parece venir del norte,  abandonando el aspecto de intimidad y soledad que rodea a Guitars, siendo de tal  modo, en  mi modesta opinión, uno de los temas más optimistas del disco que estamos explorando, destila vitalismo, es un tema risueño, eléctrico, con varias pistas de guitarra, unas rítmicas y otras solistas, acentúan ese sentimiento jovial.
Poco más tarde nos acomete el viento del sur, un viento más relajado, más cercano al folk, este pasaje me hace imaginar un prado verde e infinito al final del cual nos aguarda un lago extenso y reluciente.
El viento del este es espiritual, hipnótico, unos leves punteos eléctricos, enfatizan ese denso ambiente celestial que nos intenta acercar a un estado de nirvana.
Por último, sentimos la brisa del viento del oeste, arropada de  una parte rítmica llena de guitarras clásicas y banjos nos hace recordar un cierto aroma de western, el ritmo parece recordar al trote solitario de un caballo cabalgando por llanuras rocosas. Los efectos de la guitarra, gracias al midi, nos hacen creer el sonido de una armónica, mientras el suave solo de la guitarra eléctrica termina de engalanar este corte y dotarle de una sensación de añoranza.

ENIGMATISM

Su propio nombre indica el carácter místico y extravagante del tema. Ello se adivina con la esotérica melodía de la guitarra del comienzo de la canción, parece que la guitarra se está debatiendo en la resolución de un enigma, las notas divagan buscando la clave del misterio que encierra el hechizo.

OUT OF MIND

Lo que primeramente parece un nuevo tema personal e íntimo, acaba en un riff distorsionado y lleno de sentimiento rockero. Está lleno de brío y energía por los cuatro costados, la percusión está también muy enraizada en el tema. Los efectos del gua-gua también aparecen constantemente. Es el tema más eléctrico y rockero de todo el disco, hay un bonito contraste en la parte final con unas notas acústicas que terminan de redondear musicalmente el tema.

FROM THE ASHES

Mike Oldfield se despide de nosotros, al igual que al principio, de una forma íntima y sugerente, con un tema, que es fiel reflejo de lo que nos ha estado mostrando a lo largo de todo el álbum, la soledad, la introspección ataviada de una especial melancolía y retraimiento.

   

Tras la edición del disco se embarcó en un tour que le llevó por toda Europa. Se llamó Live Then & Now Tour y en él tocó temas del álbum Guitars y Tubular Bells III, pero también dio un repaso a piezas anteriores, como algunos temas de Songs Of Distant Earth, y sus imprescindibles Shadow On The Wall y Moonlight Shadow, cantadas espéndidamente por Pepsi, que allá donde estuvo supo ganarse el calor del público.

Concibo este disco como un intento de recuperar la idiosincrasia del sonido perdido de Oldfield, una especie de mordisco a la magdalena proustiana, haciendo un paralelismo metafórico literario, en busca del tiempo perdido, ese tiempo perdido en el que la creatividad fluía de forma torrencial como la cascada de una catarata, en Guitars  Oldfield pretende parecer intentar reconciliarse con su pasado. En su favor indicaremos, que su sonido es plenamente reconocible, en cada nota, en cada acorde... ¡Oldfield está ahí!... pero, en detrimento, le encuentro cierta uniformidad y monotonía en la composición de los temas, lo que hace que notemos una carencia de ingenio y versatilidad. No obstante, mi impresión de Guitars es benevolente, ¿por qué? Porque el aire que se respira en el disco es netamente oldfieldiano, el sentimiento que desprende Guitars es taciturno, íntimo y solitario, buscando en la guitarra y en sus diferentes sonidos un nuevo camino, una nueva senda que le conduzca a esa estela musical de tiempos pretéritos. Cuando pienso en esto me vienen a la memoria las palabras del poeta Jorge Manrique que escuchaba cantar a Paco Ibañez en el radiocassette del coche de mi padre cuando era un ingenuo mozalbete y que decían algo así  "...como a nuestro parecer cualquiera tiempo pasado fue mejor... "

[Grimble]

Mike Oldfield – The Millenium Bell (1999)

Enorme fue la decepción que muchos tuvimos cuando en 1999 Mike editaba esta obra, ya no era solo que el contenido musical sonase mediocre, sino que, al menos en mi caso, me mosqueaba hasta la portada. ¿Millenium Bell? ¿Es que ya no compondría nunca nada que no llevase un “tubular” o un “bells”?
Si algo salva estos discos de Mike oldfield es sin duda su saber hacer, la experiencia, etc... The Millenium Bell es un disco que puede escucharse con agrado, pero nada más, y ese “nada más” es aplicable de forma tajante a la carrera del guitarrista. Es un disco en general flojo, pero dentro de su discografía, la calificación es de muy flojo. Pero hablemos un poco del porqué de este disco, etc...
Todo lo dicho antes cobra más sentido si atendemos a algo que al parecer comentó Mike en cierta entrevista; que el disco era tan solo un pretexto para realizar el concierto del cambio de milenio. Mike comentaba en el libreto del cd que “ tuve la idea en mi cabeza desde el show de TBIII en “Horseguard parade” en septiempbre del año pasado cuando sincronizamos las campanadas  del Big Ben con la música...”  Está claro que la entrada en el nuevo siglo vendía y todos querían apuntarse al carro de dicha celebración... tanto como para celebrarlo un año antes... bueno, no entraré ahora en la famosa discusión ;-) Célebres fueron ese año el concierto en las pirámides de Egipto por parte del sintetista Jean Michel Jarre y el que Mike dio en Berlín.



La idea conceptual del álbum no obstante, es muy interesante, intentar plasmar musicalmente 2000 años de historia. Inicialmente el disco iba a llamarse Saqsaywaman, cosa que de hacerse, al menos lo emparentaría con nombres curiosos de su discografía como Ommadawn o Amarok, pero solo puede entenderse el cambio de nombre como una maniobra comercial más que evidente. Saqsaywaman hace referencia a la casa del Sol, lugar de culto para los antiguos Incas; de aquí sale uno de los títulos del cd, “Pacha Mama”; el Inca brindaba con chicha, servida en dos aquillas o vasos de oro, uno para el Sol y otro vaso para el Inca, y otras veces un vaso para el Inca y el otro para la pacha mama o madre tierra.
Musicalmente el disco discurre por un montón de aguas sin decantarse por una travesía en concreto, cosa que en otras obras suyas era un acierto, aquí acaba convirtiéndose en todo lo contrario. Los momentos más interesantes se encuentran en aquellos sonidos Chill-out emparentados con algunos momentos de The songs of distant earth y en los sonidos orquestales  emparentados con “Mont St. Michel”, el resto, al menos personalmente, no suena a Mike Oldfield más que en algunos fraseos típicos de guitarra, habiendo temas que suenan incluso a la irlandesa Enya, y ojo, me gusta escuchar a Enya, pero si vas a copiarla, no copies sus últimos trabajos hiperpastelosos...

En la grabación participaron diversos músicos en cada tema que paso a enumerar a continuación. Además Mike compuso, arregló y escribió todas las piezas, algo que me cuesta creer en su totalidad, además de tocar la guitarra.
Las canciones:

·   Peace Of Earth: Es la pieza que representa el nacimiento de Cristo.
Voces: Camilla Darlow
Voces adicionales: The London Handel Choir
·   Pacha Mama: La madre tierra, como comentábamos.
Voces: Nicola Emmanuel, David Serame, Miriam Stockley
Voces adicionales: The London Handel Choir & The Grant Gospel Choir
·   Santa Maria: Se refiere a la carabela de colón y representa el descubrimiento de América.
Voces: Camilla Darlow
Voces adicionales: The London Handel Choir
·   Sunlight Shining Through Cloud: Pretende retratar la esclavitud en América; al parecer en la demo incluía un rap... sin comentarios.
Voces: Martay, Pepsi
Voces adicionales: The Grant Gospel Choir
·   The Doge's Palace: Símbolo de la ciudad de Venecia, construido en el s. IX
Orquesta: The London Session Orchestra
Voces: The London Handel Singers
·   Lake Constance: Situado en los alpes que tan bien conoce el de Reading.
Orquesta: The London Session Orchestra
·   Mastermind: Aquellos locos años 20...
Percusión: Gota Yashiki
·   Broad Sunlit Uplands
Orquesta: The London Session Orchestra
·   Liberation: Esta y la siguiente escenifican la II Guerra Mundial
Narración: Greta Hegerland-Oldfield
Voces: Miriam Stockley, Pepsi
Voces adicionales: The London Handel Choir, The Grant Gospel Choir
Percusión: Gota Yashiki
·   Amber Light
Voces: Nicola Emmanuel, David Serame, Miriam Stockley
Voces adicionales: The London Handel Choir, The Grant Gospel Choir, Andrew Johnson - St Paul Treble
Percusión: Gota Yashiki
·   The Millennium Bell: Como no, el tecno chungo también ha sido uno de los acontecimientos clave en estos dos mil años, y además un acontecimiento importante según Oldfield, porque nos lo cuenta en el tema más largo del cd, 7.36 minutos.
Voces: Nicola Emmanuel, David Sename, Miriam Stockley, Pepsi
Voces adicionales: The London Handel Choir, The Grant Gospel Choir
Orquesta: The London session orchestra
Sintetizadores y coro: Robin Smith
Percusión : Gota Yashiki
Arreglos: DJ Pippi

Y esto es lo que da de si The Millenium Bell, una escucha agradable (no para todo el mundo) y poco más.

[Enrique]

MIKE OLDFIELD – TR3S LUNAS (2002)

Antes que nada, quería aclarar que este disco nunca lo había escuchado hasta ahora y que las advertencias de precaución de los demás miembros del foro, no fueron suficientes. Vamos allá

Lista de Temas:
1. Misty
2. No Mans Land
3. Return To The Origin
4. Landfall
5. Viper
6. Turtle Island
7. To Be Free
8. Fire Fly
9. Tr3s Lunas
10. Daydream
11. Thou Art In Heaven
12. Sirius
13. No Mans Land Reprise
14. To Be Free – remix

Músicos:

Mike Oldfield: Guitarras eléctrica y española, bajo, sintetizadores, mandolina y piano
Jude Sim: Voz en “To be Free”
Amar: Voces
Sally Oldfield: Voz hablada
Philip Lewis & Thomas Süssmair: Percusión y programación

Este álbum fue grabado en el año 2002 y mas que un disco al uso, tal y como nos es común (por lo menos para mi) es realmente la banda sonora de un videojuego de ordenador y del cual una demo estaba contenida en un disco extra que venía con el álbum. Algo parecido a lo que en 1993 ya había realizado Peter Gabriel, denominado Xplora1.

El título del álbum es en castellano y con la grafía “3” en lugar de la “E” y está inspirado en un local de Ibiza llamado “Las Dos Lunas”. Este local y la isla son los que inspiraron a Oldfield a hacer un disco “chill out”. También este disco es el primero de Oldfied con Warner Music Spain. La presentación del disco se hizo ese año en la "Ciudad de las Artes y de las Ciencias" de la ciudad de Valencia.

Local Las Dos Lunas en Ibiza

Presentación del disco en Valencia

Etiquetado como un álbum “Chill Out” e incluso en algunos sitios lo encasillan como “música de ascensor” o “música de hotel de la costa”. Vamos a ver esto tema por tema:

1. Misty: En principio mucho teclado ambiental, una percusión de plástico y aparece la guitarra. Se escucha un saxofón pero no aparece (o no veo) en los créditos. Si sabes a lo que vas con este disco, no me parece mal tema para ir a la playa o en el coche con alguien a quien no le guste el progresivo.

2. No Mans Land:  A pesar de lo plástico que siguen sonando la percusión y la programación, hay guitarras, eléctrica y española, y suenan muy bien en esta canción, pero es muy plana. No hay muchas variaciones y las notas se van repitiendo una y otra vez. Si, destacables las guitarras, pero es un encefalograma plano.

3. Return to the Origin: Más plástico aunque con la voz de Sally Oldfield diciendo “Turn. Return”. Por momentos me recordó a una gente llamada “Enigma” que se puso de moda en mi época colegial y que causó furor en mi pueblo, aunque en el caso que nos ocupa, sin cantos gregorianos. Hay algo más de teclados y la mandolina. Parece un poco más fabricado que lo anterior ya que a mitad de tema entra una guitarra curiosa. Este tema no está mal.

4. Landfall: El inicio promete ya que me suena a auténtico Oldfield con pianos, guitarra y sintetizadores. Tras el intro, la guitarra parece establecerse. Tema corto y agradable de escuchar. De momento, el que más me gusta.

5. Viper: Intro de piano y esos sintetizadores tan “chunta-chún” repitiéndose hasta el infinito y más allá... es que no puedo con ello. Tal vez sea radical en mi apreciación. Pareciera que quiere ir a mas y entra una guitarra y variaciones de piano y consiguen que la cosa mejore metiendo voces y más guitarras. Lo reconozco, el tema va de menos a mas y consigue un último tercio bastante digno.

6. Turtle Island: Más plástico pero con una guitarra española de anuncio veraniego de marca de cerveza mediterránea, hasta que entra la batería programada. No está mal pero no puedo sacar de mi mente mientras suena la canción esa falsa felicidad despreocupada del anuncio antes referenciado. Reconozco que es un tema trabajado. Tal vez el más trabajado hasta este punto, pero no me termina de gustar del todo.

7. To Be Free: Sally Oldfield diciendo cosas sobre una base rítmica hasta que empieza a cantar con coros al fondo. Por momentos parece un tema muy radio fórmula y pareciera darle un toque fresco a un disco muy vestido de blanco impoluto.

8. Fire Fly: Con tanto plástico es normal que el petróleo se agote rápido. Un tema muy de ordenador, o soy incapaz de detectar algún instrumento musical de los de antaño... ah... si, suena un piano, pero no dura mucho. Prescindible.

9. Tr3s Lunas: Parece que la cosa mejora con el tema que da nombre al disco. Una guitarra española para empezar y continúa con una guitarra eléctrica muy de Oldfield. Este tema ya me agrada más. Mucho más, a pesar de la base rítmica. Tal vez lo mejor del disco.

10. Daydream: Intro de piano muy agradable de escuchar y vuelta de esa guitarra tan característica que se combinan de muy buena manera. Tema lento y delicado. Bueno.

11. Thou Art in Heaven: inicio con voces discotequeras y atmósfera. Me preparo para el “chunta-chún” que debería empezar a martillear en cualquier momento pero se demora en favor de un piano hasta que... en lugar de ello una base rítmica y vuelta al inicio con detalles sonoros momentáneos. Al final hay algo de guitarra y mis prejuicios muerden el polvo, pero no termina de convencerme a pesar de lo agradable que es que este tipo de prejuicios sean errados.

12. Sirius: La estrella más brillante del cielo después del Sol. Aparece una guitarra al final junto a los coros, lo que parece un saxo pero seguimos en un punto realmente plano. Paso a la siguiente.

13. No Mans Land Reprise: Intro de guitarra española muy bonito para dar paso a la guitarra eléctrica y a un saxo (que repito, no encuentro en los créditos). Suena muy al autor del disco.

14. To be Free (Remix): Normalmente la palabra “remix” me da escalofríos. No es tan malo como lo imaginaba. Opino lo mismo que con el original más arriba.

A decir verdad este disco no me gustó mucho. Es extremadamente plano. Casi más que un encefalograma totalmente plano. Salvaría de la quema los temas “Tr3s Lunas” y "Landfall" y un poco menos “Daydream” y “No Mans Land”. “To Be Free” es un tema que si pusieran mientras escucho la radio, no la quitaría.

No voy a negar que en su época tal vez fuera rompedor, especialmente por el mezclar música con videojuegos. Yo intento trasladarme a la época del disco para disfrutarlo sin los prejuicios de lo moderno, pero en el caso de este disco no vale, ya que no es un disco muy bueno para mis gustos musicales. Tal vez esté muy bien para conciliar el sueño, una barbacoa con amigos o ir en coche a la playa.

Para leer reseñas realmente crueles, ir a amazon.co.uk.

Las imágenes han sido tomadas de http://www.mike-oldfield.es/

[icrp1961]

Mike Oldfield - Tubular Bells 2003 (2003)

Primera Parte
01 – "Introduction" – 5:52
02 – "Fast Guitars" – 1:04
03 – "Basses" – 0:46
04 – "Latin" – 2:18
05 – "A Minor Tune" – 1:21
06 – "Blues" – 2:40
07 – "Thrash" – 0:44
08 – "Jazz" – 0:48
09 – "Ghost Bells" – 0:30
10 – "Russian" – 0:44
11 – "Finale" – 8:32

Segunda Parte
12 – "Harmonics" – 5:12
13 – "Peace" – 3:30
14 – "Bagpipe Guitars" – 3:08
15 – "Caveman" – 4:33
16 – "Ambient Guitars" – 5:10
17 – "The Sailor's Hornpipe" – 1:46

Todas la música fue escrita por Mike Oldfield excepto "Sailor's Hornpipe", tema tradicional arreglado por él.
Grabado entre agosto de 2002 y febrero de 2003 en Roughwood siendo el ingeniero de sonido Ben Darlow. El programador y productor fue Mike Oldfield.
El álbum fue publicado el 27 de mayo de 2003 –la versión original lo fue el 25 de mayo de 1973–.

Mike Oldfield: todos los instrumentos y voces:
Sally Oldfield – voces.
John Cleese – maestro de ceremonias.

John Cleese

Cuando supimos de la grabación y edición de este disco nos indignamos y sentimos un rechazo absoluto. No obstante, por fidelidad al artista, adquirimos el álbum cuando éste pasó a serie media. Lo cual ha sido nuestra práctica habitual desde Tubular Bells III hasta la aparición de The Music of the Spheres, primer disco del guitarrista que volvimos a adquirir de forma contemporánea a su edición. Se compró, se escuchó y se archivó. Ahora pensamos que actuamos de una forma un tanto precipitada debido a los prejuicios que soportábamos.

Mike Oldfield siempre quiso volver a Tubular Bells porque no estaba satisfecho con el resultado final. La WEA, que fue la editora de los Tubular Bells II y III, suponemos que también presionó para conseguir “su” Tubular Bells. Así pues, parece haber habido una conjunción de intereses artísticos y comerciales que justificaban esa edición en el trigésimo aniversario del álbum original.

Oldfield pudo acceder a la grabación de1973 en dieciséis pistas, la metió en el ProTools y le hizo unas cuantas “perrerías” más. En el original hubo problemas de afinación y de tempo, que se corrigieron aquí. Todo se regrabó, empezando por el glockenspiel del comienzo del disco y terminando por las voces de la sección “Caveman”. Esta vez todos los instrumentos fueron tocados por el guitarrista el cual contó con la asistencia de su hermana Sally para las voces femeninas. El Maestro de Ceremonias fue el actor John Cleese y lo hizo de una forma muy personal (compárese la sorpresa contenida del “Mandolin” original con la voz enfática del “Mandolin!”de 2003).

La música es la misma que la de Tubular Bells pese a algunas muy pequeñas pero apreciables diferencias y los arreglos son en la práctica iguales a los originales. Eso sí, al ser distintos instrumentos –modelos o marcas– y el nivel de los mismos en las mezclas ligeramente distintos, se aprecian algunos detalles que paso a explicar, como ejemplo. El órgano eléctrico en la entrada está ligeramente más alto y nos evoca el sonido y papel del mismo instrumento en las obras y discos de Philip Glass de comienzos de los setenta. Cada una de las secciones de las dos partes de la obra apareció indexada e identificada con nombres, a diferencia de la grabación de 1973.

Nuestra única objeción seria viene dada por el hecho de que en la sección “Caveman” las voces se reparten entre los hermanos Oldfield y el resultado no es tan bueno como en el original.

Lo fabuloso de este álbum es el sonido. Hemos vuelto a escuchar este disco con tranquilidad (y auriculares) y en este aspecto es una verdadera delicia. La mezcla es de gran nitidez y en la comparación con la grabación original, resulta que en este aspecto no hay color, ésta es mejor. Nos preguntamos como sonará la versión 5.1.

Nos estamos muy seguros de que este sea un disco realmente recomendable existiendo ya buenas y nuevas ediciones de la versión de 1973. Queda, eso es seguro, para el coleccionista acérrimo; para quién lo quiere todo. A nosotros nos gusta, aún más al redescubrirlo para revisarlo pero no lo consideramos como una adquisición esencial o necesaria.

Dedicamos esta revisión a John Cleese.

Carlos Romeo

[Grimble]

Light + Shade (2005)

Desde mi punto de vista, se me hace muy difícil hablar de este disco, creo que sería muy fácil, demasiado, limitarse a ponerlo a caer de un burro, y ciertamente Mike Oldfield se lo ganaba a pulso con la grabación de este trabajo. Sin embargo creo que no es justo para esta obra generalizar sobre su contenido. Para empezar, creo que pocas veces un título de una obra ha estado tan acertado.
Light + Shade se compone de dos cd´s donde el primero responde al nombre de Light, y que como nos indica su título, de una forma metafórica, encontramos una obra que al menos se sostiene musicalmente, con algunos destellos y lo más importante, escuchable de principio a fin pese a sus altibajos. El segundo cd, ciertamente se convierte se revela como “el oscuro tenebroso” ya veremos porqué...
En un principio se iba a llamar a este trabajo Quicksilver, y así llegó a anunciarlo el propio Mike a mediados del 2005. Esto ocurría durante el cambio de compañía de Warner Spain a Universal. En España el disco salía a la venta el 26 de septiembre alcanzando el puesto número 9 en las listas de más vendidos del momento. La novedad interactiva, recordemos que 3Lunas era parte de un videojuego, venía por la inclusión de un software llamado U-Myx que permitía al usuario crear nuevas mezclas de cuatro temas del disco: “Quicksilver”, “Our Father”, “Slipstream” y “Angelique”.

LIGHT:
Globalmente este primer cd nos recuerda a The songs of distant earth, pero si en aquel la gracia era escuchar el estilo Oldfield fusionado con algunos elementos chillout y electrónicos, aquí el elemento electrónico aparece en forma de elementos New Age, lo cual a priori no tiene porque ser malo, pero Oldfield utiliza fórmulas y sonidos demasiado trillados y ya no solo eso, sino la inexistencia de una carga musical emotiva, quedándose en una escucha agradable pero intrascendente.

1.   Angelique: Unos colchones de teclados “etéreos”, un sencillo motivo de piano y unas voces sampleadas en una estructura que no desentonaría en el mencionado Songs...
2.   Blackbird: Mike juega a pianista en plan minimalista via Nyman o Glass... pero Oldfield no es ni uno ni otro, agradable tema, pero que se queda a medio camino de nada. Los sintes que acompañan la pieza no hacen más que aumentar la sensación de efectismo.
3.   The Gate: Aquí Mike Oldfield destaca intentado crear una secuencia con veces que suenan de una forma “acuática”, me recuerda en cierta manera a aquel experimento fallido de Vangelis, que fue Oceanic... La verdad es que la pieza podría dar para algo más interesante, pero peca de lo mismo que el resto del disco, falta de desarrollo...
4.   First Steps: Quizá lo más interesante del disco como pieza en sí, Una larga introducción con dos guitarras alternándose sobre fondo atmosférico para dar paso a una sección más rítmica pero sin estridencias, donde al menos instrumentos como el bajo se permiten dar un poco más de chicha al asunto... pero sin pasarse. Mike hasta se permite unos guiños al Oxygen 7-13 de Jarre.
5.   Closer: En esta ocasión una melodía de corte celta que podría incluirse tranquilamente en Voyager.
6.   Our Father: Más ritmos chill con la guitarra y el piano alternando las partes melódicas, resulta también una de las piezas más interesantes, en fin, destellos que se pierden dado el contexto del que hablamos.
7.   Rocky: Vale lo dicho para “Blackbird”
8.   Sunset: Esta pieza cierra el disco de una forma solemne, con una batería de lo más simplona, con la guitarra acústica como protagonista desarrollando una serie de pegadizas melodías.

Si la cosa se hubiese quedado aquí podríamos hablar de un disco flojo pero pasable, agradable al oído... pero no...

Shade:
Cualquier cosa negativa que hayas leído seguramente sea cierta y creo que lo mejor es resumirlo aquí en plan “brainstorming”; Utilización por veces torpe, por veces desfasada de las nuevas tecnologías. Hemos hecho referencia a trabajos como Oceanic, Songs of distant earth, Oxygene 7-13... pero es que entre estos trabajos y el que nos ocupa media prácticamente una década, y el caso es que la “habilidad” en vez de ir a más ha sido todo lo contrario. Se ha hablado mucho de la utilización de Fruity loops (FL Studio) como algo negativo, etc... cosa errónea en mi opinión, ya que es una magnifica herramienta de creación y producción para el músico, desde luego Mike no ayuda a promocionar el software...


Con Christopher von Deylen(Schiller) quien colabora en "Nightshade"

Lo que en Light era falta de contenido aquí se convierte prácticamente en banal, no hay discurso,  y horrendo, con esa ¿versión? Del “romance anónimo” que popularizara el gran Narciso Yepes a la cabeza. Sería interesante saber el porqué hacer con esta pieza las cosas horrorosas que otros han hecho con las suyas...

En definitiva, la sombra y la luz, tampoco mucha, más bien una tarde nublada de sofá, peli y palomitas.

Ni el propio mike fue inmune al efecto Shade

[Grimble]

Music of the Spheres (2008)

No es difícil imaginar el porqué de un cambio musical tan radical en The music of the Spheres respecto a la anterior obra de Mike Oldfield Light + Shade, y es que el resultado en gran medida espantoso de este último era más que evidente a los ojos de cualquier aficcionado e incluso del propio músico. La excusa para la realización de TMOTS era el cansancio en la utilización de samplers y demás tecnologías, queriendo hacer algo más “orgánico”, si bien no le quito razón añadiría que algo de vergüenza debió también sentir al escuchar o reescuchar su anterior trabajo, darse cuenta, al fin, de que aquello no estaba a la altura del creador de Tubular bells, Ommadawn o Crises.
En cualquier caso sabemos que Mike Oldfield pretendía un cambio en su carrera, no sería hasta la minigira de The Night of the Proms tendría claro lo que quería hacer, un disco enteramente orquestal… En mi opinión creo que Mike por fin cayó en la cuenta o recordó que es lo que hacían grandes sus grandes obras; melodías trabajadas y concepción orquestal de la composición, la última tentativa en este sentido, la pieza “Mont St. Michel” contenida en Voyager le había salido muy bien, pero la distancia entre estas dos obras era ya de una década… no digamos ya respecto a sus primeras obras. El de Reading vió también la necesidad de contar con alguien diestro respecto al manejo de los entresijos musicales de la música académica, si en su día fue el gran David Bedford quien desempeñó este papel, el turno ahora fue para Karl Jenkins, viejo conocido de los días de Tubular Bells además de por los aficionados a Soft Machine. Esto puede dar una idea de que Mike tenía muy claro por donde irían los tiros ¿Por qué  aliarse con alguien relacionado con la escena Canterbury dentro de la cual Mike Oldfield parió sus obras épicas?
De este modo, Oldfield fue componiendo las piezas que conformarían TMOTS mientras Jenkins iba dando forma orquestal al asunto. Desde un principio tenía claro que no iba a utilizar instrumentos eléctricos, ni tan siquiera la guitarra, interpretando él mismo la guitarra clásica y el piano, aunque este último lo delegó finalmente en el joven  pero talentoso pianista chino Lang Lang. Aún contaría con la colaboración de otra excepcional intérprete, la soprano neozelandesa Hayley Westenra, que dota con su voz los momentos más emotivos de la obra del compositor inglés en la pieza “On my heart”.

Karl Jenkins & Hayley Westenra

Se grabó en los célebres Abbey Road Studios y para finales de 2007 ya estaba listo, sin embargo la inminente “nueva” paternidad de Mike Oldfield, así como su deseo de darle una buena promoción retrasaron su salida hasta el 17 de marzo del año siguiente.
Musicalmente Oldfield nos ofrecía efectivamente una obra de corte clásico, cuyo referente más inmediato en su obra podría ser Incantations por el uso de la Orquesta, si bien musicalmente se aleja sustancialmente de ella pues utilizan conceptos musicales muy distintos. Yo la relacionaría más bien con la mencionada pieza, “Mont St Michel”.

Lang Lang

Como en los viejos buenos tiempos Mike divide la obra en dos partes, si bien cada parte lleva una serie de cortes cada uno con su título, dos suites que pretenden evocar lo que Oldfield entiende por la música de las esferas, ese sonido que nadie puede oír; basándose en la idea de “Musica Universalis”, el concepto de que todos los cuerpos celestes contienen su propia música.
La obra realmente cumple las expectativas, si bien no llega a la altura de sus cuatro primeras obras, aunque quizá sea demasiado pronto para discutir esto y solo el paso del tiempo dirá. Se le criticó también el parecido de la pieza que abre el disco, “Harbinger” con el celebre motivo inicial de Tubular Bells, lo cual no deja de ser cierto, pero no creo que sea justo juzgar el trabajo solo por este pequeño detalle que enseguida se disuelve en el discurrir de la música. Lo que si es más discutible es la “enjundia” clásico/académica que puede tener el disco como para haber sido número uno en ventas dentro de la categoría de música clásica; aquí si que hay que dejar claro que Mike Oldfield no es un compositor “académico” y eso se nota pese a que el músico se rodee de importantes intérpretes clásicos.

En cualquier caso Mike compone una obra bella, sin estridencias, con la consecuente falta de riesgo, lo cual conlleva sus críticas, pero que en contrapartida suena sincera y lo que es más importante, levanta mucho, muchísimo, el respeto y la dignidad que un músico de su talla estaba prácticamente perdiendo. Ojalá haya aprendido la lección, pues no solo recobra un status perdido sino que además se acompaña de unas ventas superiores a las que dieron sus últimos discos, llegando al número 7 en España y al 9 en las listas Británicas.
Siguiendo su relación con nuestro país, Mike Oldfield realizó la premiere el 7 de marzo de 2008 en el atrio del Museo Guggenheim de Bilbao. Este concierto, en el que tocó junto a la Orquesta Sinfónica de Euskadi y la Sociedad Coral de Bilbao, fue el estreno mundial de Music of the Spheres, diez días antes de su puesta a la venta. El concierto, cerrado al público, se grabó y estuvo disponible en internet, a partir de la siguiente semana a su presentación, a través del iTunes de Apple. Mas tarde se reeditó el disco añadiendo un segundo cd con esta grabación en directo.
Poco más que añadir. Es hora de escuchar la obra y juzgar la posición que ocupa dentro de la discografía de uno de los grandes músicos populares de los últimos 50 años…

Javier Feijoo

Mike Oldfield - Music of the Spheres Premiere - Part 1

Mike Oldfield - Music of the Spheres Premiere - Part 2

Mike Oldfield, On My Heart - Music Of The Spheres-Con letra

Solo por escuchar esa voz ya merece la pena el disco...

[Davol]

MIKE OLDFIELD
MAN ON THE ROCKS(2014)
Por jolubur

Temas:
1."Sailing" - 4:44
2."Moonshine" - 5:48
3."Man On The Rocks" - 6:11
4."Castaway" - 6:35
5."Minutes" - 4:50
6."Dreaming In The Wind" - 5:28
7."Nuclear" - 5:02
8."Chariots" - 4:43
9."Following The Angels" - 7:04
10."Irene" - 3:57
11."I Give Myself Away" - 5:12

Todos los temas compuestos  por Mike Oldfield, excepto I Give Myself Away, compuesto por William McDowell

Personal:
Mike Oldfield: Guitarras eléctricas, guitarras acústicas, bajo, voces, teclados, ingeniero de grabación y producción.
Luke Spiller: Voz líder.
John Robinson: Batería.
Leland "Lee" Sklar: Bajo.
Michael Thompson: Guitarras eléctricas y acústicas.
Stephen Lipson: Guitarras eléctricas y acústicas, ingeniero de grabación y producción.
Matt Rollings: Piano y B-3.
Davy Spillane: Silbatos (en "Moonshine").
Paul Dooley: Violín (en "Moonshine").
Bill Champlain; Alfie Silas Durio; Carmen Echols; Rochelle Gilliard; Judith Gill; Kirsten Joy; Jason Morales; Louis Price y Tiffany Smith: Coro (en "Following The Angels").

Producido y grabado por  Stephen Lipson y Mike Oldfield

Grabado en estudios de  Nassau, Bahamas, Los Angeles y Londres

El 3 de marzo de 2014 vio la luz el nuevo disco de Mike Oldfield. Primero tras un largo paréntesis de 6 años, cuando presentara the Music of Spheres. Si no me equivoco este lapso de tiempo entre disco y disco ha sido el más largo de toda su carrera hasta este momento.

A esas alturas, las expectativas que podía generar un disco de Mike Oldfield eran más bien escasas, habida cuenta de la baja calidad de la mayor parte de sus últimos álbumes, especialmente a partir de Millenium Bell. Si bien, debería exceptuar aquí la cierta recuperación que supuso Music of Spheres, aunque, en este caso, personalmente, tengo serias dudas sobre el porcentaje de participación de Oldfield en la composición final del álbum.

Desde que Oldfield diera el pelotazo comercial con Moonlight Shadow, su carrera ha deambulado sinuosamente entre la búsqueda de un nuevo éxito comercial, a través de canciones de formato pop similares a aquella, y la recuperación del prestigio (y también del éxito, claro) que supuso Tubular Bells y sus primeros álbumes. La fortuna, en esta búsqueda, ha sido desigual aunque con clara tendencia a la mediocridad. En estos últimos años, Oldfield parecía dispuesto a dejarse de ambajes y apostar directamente por la exacerbación de aquellos elementos que caracterizaban tanto Moonlight Shadow como Tubular Bells.

En ese sentido, The Music of Spheres era el disco más sinfónico que ha producido Oldfield, llevando las reconocibles estructuras de sus primeros álbumes al ámbito de la música clásica, de un modo que superaba lo que, en su momento, hiciera con Incantations.

Ahora, parece optar por lo contrario y se vuelca en hacer un álbum completamente integrado por temas pop de 4 o 5 minutos, tal y como hiciera, años atrás con el fallido Earth Moving. Pero, si allí acudía a una pléyade de cantantes, aquí opta por fichar a una única voz. El elegido es el casi desconocido Luke Spiller, cantante del grupo inglés The Struts. Un tipo con un aire que recuerda marcadamente a Freddy Mercury, del que se declara ferviente seguidor.

Todos los temas del álbum están compuestos por el propio Oldfield, salvo el último, que es una versión del gospel de William McDowell, “I Guive Myself Away”.

El hecho de que sea un solo cantante el que interviene en el álbum dota a este de una mayor homogeneidad de la que tenía Earth Moving, aunque, particulamente, y puestos a elegir entre dos discos que me dicen más bien poco, me quedo con aquel, aunque sólo sea por la implicación de músicos como Adrian Belew o Maggie Reilly. Si Earth Moving fue un disco fallido,  este Man on the Rocks es, simplemente, innecesario. Francamente, no creo que a estas alturas ningún seguidor de Oldfield tuviera necesidad de una nueva colección de canciones pop, mientras que, como se vió, tampoco incluía material como para trascender las fronteras de su auditorio habitual.

No creo necesario hacer una reseña tema a tema, habida cuenta de la uniformidad del disco y de que, en realidad, ninguna canción me ha dejado una huella especial, navegando por ese terreno intermedio en el que el pop agradable y bien facturado casi nunca deja paso a algo verdaderamente trascendente.
La labor instrumental de Oldfield en el álbum es bastante reducida, adoptando el tradicional papel de acompañante y aportando algunos solos guitarrísticos marca de la casa que, igualmente, resultan ya demasiado trillados.

Si acaso, destacar la fuerte impronta de Queen que Spiller traslada a un tema como Nuclear, pero, si tuviera que quedarme con un sólo tema como representativo del álbum, quizás elegiría el que da título al disco, Man on the Rocks, por encima de los dos singles que se extrajeron: Sailing y Moonshine, un tema cuyo inicio recuerda poderosamente al comienzo del Cover my eyes de Marillion.

Y hablando de singles, no puedo dejar de hacer mención al horrible vídeo de presentación de Sailing, grabado en las Bahamas y con paseo en barco incluido.

El álbum se presentó en tres formatos: el sencillo, que incluía solamente los 11 temas; una versión deluxe, que incluía un segundo disco con los mismos temas, pero en versión instrumental; y una caja Super Deluxe Edition que incluía un tercer disco con diversas demos.

Hay que señalar que, en contra de lo que pudiera aventurarse, los 11 temas instrumentales de la versión Deluxe tampoco es que aporten demasiado a los cantados, ya que no se trata de versiones diferentes, con mayores desarrollos instrumentales o donde la voz es suplida por la guitarra u otros instrumentos sino que, en la mayor parte de las ocasiones, al menos, diera la impresión de ser simplemente el track de base, sin el añadido de la voz. Tratándose de canciones pop de poca complejidad musical, el disco sin las voces resulta especialmente aburrido. No obstante, digo esto con toda la prevención del mundo porque he de reconocer que no me he parado a hacer el ejercicio comparado de ir relacionando, tema a tema, la versión cantada con la instrumental.

Tampoco puedo aportar nada respecto del tercer disco de la versión Super Deluxe, ya que no lo he escuchado, aunque aventuraría a que, dado el material, tampoco es esperable ninguna maravilla aquí y, después de la experiencia de Heaven's Open, el hecho de que estas demos sean cantadas directamente por Oldfield tampoco parece garantizar nada.

En definitiva, un disco bastante insulso del bueno de Oldfield que, sin bajar a las profundidades que supuso la trilogía Millenium Bell-Tres Lunas- Light+Shade, tampoco es que le devuelva a especiales laureles.

Un disco de pop digno, con los tradicionales guitarreos del músico, algún que otro aire celta y los habituales ingredientes que vienen condimentando la música de Oldfield desde hace ya muchos años.