Discografía de Gentle Giant

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     Hilo oficial de todas las reseñas de los discos publicados por Gentle Giant. Para realizar las valoraciones sobre estas revisiones hay que entrar en los diferentes hilos creados para cada una de ellos.

     Estos son los discos a revisar y sus fechas de publicación:

Discografía básica:

Gentle Giant

29/01/09    * Gentle Giant: Biografía Grimble Publicado
24/01/09    * Gentle Giant (1970) Simkim Publicado
31/01/09    * Acquiring The Taste (1971) icrp1961 Publicado
07/02/09    * Three Friends (1972) Hoodoo Man Publicado
14/02/09    * Octopus (1972) Anin Jadas Publicado
21/02/09    * In A Glass House (1973) Josep Publicado
28/02/09    * The Power And The Glory (1974) Pantagruel Publicado
24/05/18    * Free Hand (1975) Pantagruel Publicado
14/03/09    * Interview (1976) Edu Senogul Publicado
21/03/09    * Playing the Fool (1977) Hoodoo Man Publicado
28/03/09    * The Missing Piece (1977) Edu Senogul Publicado
26/05/18    * Giant For A Day (1978) Pantagruel Publicado
11/04/09    * Civilian (1980) Edu Senogul Publicado

[Simkim]

Gentle Giant

Temas:
01. Giant
02. Funny Ways
03. Alucard
04. Isn't it Quiet and Cold?
05. Nothing at all
06. Why not?
07. The Queen

Personal:
Derek Shulman -  Voz solista, voces y algo de bajo
Ray Shulman -  La mayoría del bajo, violín, algo de guitarra, percusión y voces
Phil Shulman -  Saxo, trompeta, flauta dulce, voz solista y voces
Kerry Minnear - Teclados, algo de bajo, violonchelo, voz solista, voces y percusión
Gary Green - Guitarra solista, guitarra de 12 cuerdas
Martin Smith - Batería y percusión

El rock progresivo existe para crear canciones complejas con las cuales los menos talentosos ensayamos para aprender a tocar.
Mike Patton.

Una aspiración recurrente en cada melómano es la de aprender a tocar un instrumento. No tiene por qué contener la idea más precisa de llegar a tocar en una banda o aun alcanzar un mínimo nivel exigible; se trata del prurito de quien dedica buena parte de su tiempo a idolatrar y deleitarse con unos tipos que sacan música de ciertos objetos. En ocasiones, va acompañado de la dosis necesaria de voluntad y se materializa, con más o menos persistencia. Las más de las veces, la idea es arrojada al desván de los anhelos perdidos. Con mayor o menor convencimiento, yo me planteé esta idea varias veces. El objeto de mis querencias osciló en ese tiempo al compás de la evolución de mis gustos como oyente; desde la guitarra al saxofón, del bajo al violín. La falta de decisión y el paso inexorable del tiempo me fueron disuadiendo de tales pensamientos, con la resignación creciente que da el hecho de que a medida que se ensanchaba la cuenta de mis años, más difícil se tornaba iniciarse en un aprendizaje.

Así, un día cualquiera, uno tiene noticia de tres hermanos. Dos apenas rondan la veintena, el tercero es una década más longevo. Aparentemente, se llevan bien. Bueno, tal vez no se soporten, pero pasan bastante tiempo juntos, haciendo algo que debía de gustarles al mismo tiempo que tratan de ganarse la vida. Oriundos de Glasgow salvo el menor, nacido en Portsmouth, ciudad portuaria del sur de Inglaterra adonde se trasladó su familia… Ah, y tocan instrumentos. Varios instrumentos. Cada uno.

Ellos tocan y yo escribo el pie de foto.

De “Kites” a “Giant” y tiro porque me toca.
Un interesante y baldío ejercicio es tratar de dilucidar cuál es el proceso creativo que conduce a estos muchachos desde un single del grupo fraternal que antecede al Gigante, Simon Dupree and the Big Sound, tema de cándido pop-rock psicodélico con unos orientalistas motivos percusivos de lo más kitsch; a la potente majestuosidad del opus que inaugura el disco objeto de este comentario. El interés se suscita con la escucha de apenas unos segundos de ambas piezas, que se asemejan tanto como un huevo a una castaña. La inoperancia es automática puesto que este limitado cronista trampea: de “Kites” a “Giant” van casi tres años del turbulento (en muchas cosas, pero también en lo musical) final de década; la adición de Kerry Minnear, multiinstrumentista de formación clásica; y la convicción que otorga la libertad creativa al trabajar sobre material propio. “Kites” representaba el rumbo que a la compañía discográfica placía, con los arreglos que los Shulman, descontentos con la situación, pudieron añadir; “Giant”, el que los músicos sentían como propio en ese momento. Cada cual tiene su papel en el juego… y los Shulman jamás emularon el éxito comercial de aquel single en los más de diez años de existencia de Gentle Giant.

El grafista asegura haber limitado su trabajo al fondo

El disco.
Ya estamos en 1970, Simon Dupree es historia y a los Shulman y Minnear se han unido un guitarrista de raíces blueseras, Gary Green, y el baterista Martin Smith. Con esa formación firmarán por el sello Vertigo, dispuestos a lanzar un primer larga duración con el nombre de la banda.

De izquierda a derecha: Gary Green, Phil Shulman, Ray Shulman, Kerry Minnear, Derek Shulman y Martin Smith.
Según parece, no había un escenario más cutre para la foto

Las notas que acompañaban al plástico optaban, en lugar de por resumir los orígenes del grupo de una manera ortodoxa, por narrar un relato en el que un gigante, emparentado políticamente con Gargantúa y Pantagruel, abandona su plácido trabajo hortícola para investigar un extraño sonido traído por el viento; el viaje le llevará hasta Portsmouth, a tiempo para descubrir que la solución del enigma no era otra que un ensayo de la banda que nos ocupa, que terminará deleitando al gigante con un improvisado recital. Ignoramos si intercambiaron los teléfonos.

Sea como fuere, hay al inicio “Gigante”, que se abre paso desde el silencio en la forma de un sonido de órgano creciente, reforzado en su punto álgido por una incisiva línea de bajo, inmediatamente acompañada por los platillos y, finalmente, una batería que dibuja imbricados ritmos; Derek Shulman aparece con voz áspera anunciando la llegada del Gigante, al tiempo que guitarra y órgano construyen un riff poderoso. La intensidad se mantiene hasta desembocar en un pasaje más calmo, de atmósferas perfiladas por Minnear; bajo y batería ocupan un gran espacio pese a su contención. Esta sección concluirá con un retorno al riff inicial, no sin haber perfilado un par de momentos de majestuosidad, coros épicos incluidos. Tras la repetición, el tema concluye abruptamente.

Este tema inicial nos permite apreciar, en lo que es una constante del disco, el peso preponderante de Minnear y Ray Shulman, quedando Green y Phil en un nada despreciable segundo plano. De hecho, los dos primeros fueron los compositores principales de la banda. Phil se encargaba de las letras, tarea en la que fue sustituido tras su marcha por su hermano Derek, que contribuía, además, con diversas ideas. Muchas de las características señeras de la banda lo son ab initio, y el paso del tiempo permite verlas madurar sin las interrupciones que producen los cambios de personal: en toda la historia de la banda, únicamente se produjo una baja (Phil Shulman) y un cambio de instrumentista en la batería, que pasó de Martin Smith a John Weathers, Malcolm Mortimore mediante. Tal vez porque no era suficiente para esta banda que un tipo se limitara a tocar su instrumento, o quizás por una cuestión de imagen.

Weathers es el de las gafas

El rock poderoso retornará en otras piezas, pero el segundo corte nos regala uno de los grandes clásicos de la banda, “Funny Ways” superviviente en los repertorios durante años. Ray coge el violín y se combina con la guitarra acústica, mientras Kerry Minnear apuntala con el violonchelo (¿ah, pero éstos no tocaban antes…? Sí, hijo, sí). Phil toma la voz cantante con un registro más delicado y los demás hacen los coros, durante un par de estrofas, intercaladas con algo parecido a un estribillo, a cargo de Derek. Un vivaracho piano, con algo de percusión por vez primera y unas rápidas líneas vocales dan paso a una sección instrumental compuesta de un fraseo de órgano que da paso a un buen solo de guitarra, mientras la trompeta de Phil fortalece el fondo y el bajo cobra protagonismo. Después, retorno al principio y rápida conclusión entre suave percusión.

El contraste de pieza a pieza es grande, tanto como dentro de las mismas, y naturalmente los buenos muchachos tienen más registros: vocales, por ejemplo, pues en “Alucard” cantan todos al unísono; también tecnológicos, dados el número de overdubs, digno de Zappa, y los efectos digitales que matizan instrumentos y voces, y que añaden un toque un tanto siniestro, cuando se canta, como en un eco, las penurias del buen Conde. Minnear tiene espacio para un buen solo de órgano que, paradójicamente, suena casi en segundo plano, arrinconado por la potencia del riff. En la parte final, tras la última estrofa, se repite una especie de diálogo contrapuntístico entre instrumentos que anuncia futuros devaneos, mucho más precisos que las descripciones de este impostado cronista. Entre repeticiones del riff, amagos de finalización y todos saturando como al final de un concierto, se llega a la conclusión. Unas cuantas notas de moog, que en realidad corresponden al riff del primer tema, modificadas, hacen las veces de puente hacia “Isn’t it Quiet and Cold”, una de mis piezas fetiche de la banda. Con Claire Denis como violonchelista invitada, prima la sutileza y un cierto aroma centroeuropeo, si bien es muy posible que uno padezca de anosmia. Violín y violonchelo se combinan para tocar la melodía, hasta que Phil empieza a contar la forma en que se dispara la imaginación cuando uno ha de caminar en solitario a horas intempestivas y aun los adoquines parecen cobrar vida, al tiempo que la imperturbable quietud devuelve el eco de las propias pisadas. Las cuerdas son tocadas en pizzicato en algunas partes y el conjunto instrumental se completa con la guitarra acústica, el trabajo de Smith con lo que me parecen las escobillas y Minnear con la marimba, a la que termina sacando un simpático solo y del que terminamos por deducir que las actividades deportivas no ocupaban demasiado espacio en su agenda infantil. En calma, damos por finalizada la Cara A del álbum, no sin antes haber escuchado la última pieza un par de veces más.

La canción más extensa del álbum, “Nothing at all”, se inicia con una melodía de guitarra y piano, apenas respaldada por unas distantes notas de bajo, hasta que Phil y Derek, éste en su registro más contenido, comienza a cantar sobre una mujer desengañada, que recuerda, al observar a las parejas, que se ha quedado sin nada; los demás instrumentos se van sumando, con particular protagonismo el bajo, creando música de una belleza melancólica tal, que la principal preocupación del que esto escribe es no caer en el amaneramiento. Por fortuna para este plumilla, Gary Green acude al rescate en forma de un potente riff, mientras el ambiente cuasi pastoril deviene enérgico rock, con Derek gritando y las guitarras dobladas desarrollando un intenso solo. A continuación viene un solo de batería, que suena un tanto “espacial” por el uso de efectos, al que se añade un Minnear que muestra su faceta más clásica al piano, con una cita de Liszt que deviene sombría improvisación de corte jazzístico; la tensión y el contraste alcanzados es superlativo, desembocando en la melodía principal, de la que se vocaliza una última estrofa.

Alcanzando el final aparece una pieza de puro hard rock, sólo interrumpido por un breve interludio con flauta y la voz de Minnear. Green cobra protagonismo con un par de solos con regusto a blues-rock, especialmente el segundo, con la banda derrochando (“Why not?”) una furia inédita en siguientes trabajos. Es esta concreta vertiente, además de la muestra incipiente de una serie de elementos que sublimaron en posteriores entregas, lo que dota a este disco de una atmósfera especial, de un peculiar carácter que no habría de repetirse y que es enormemente apreciado por quien suscribe estas líneas.

A modo de coda, una versión roquera del himno nacional británico, con Green llevando la batuta. Y fin.

[icrp1961]

Gentle Giant – Acquiring the Taste

01 – "Pantagruel's Nativity" – 6:50
02 – "Edge of Twilight" – 3:47
03 – "The House, The Street, The Room" – 6:01
04 – "Acquiring the Taste" – 1:36
05 – "Wreck" – 4:36
06 – "The Moon Is Down" – 4:45
07 – "Black Cat" – 3:51
08 – "Plain Truth" – 7:36

Todas las canciones escritas por Derek Shulman, Phil Shulman, Ray Shulman y Kerry Minnear; y arregladas por Gentle Giant. Álbum grabado entre enero y abril de 1971, en los estudios Advision (ingenieros: Martin Rushent, Big A y Garybaldi) y A.I.R. (ingeniero: Bill Price). Producido por Tony Visconti. La primera edición se puso a la venta en el Reino Unido el 16 de julio del mismo año.

Gary Green – guitarra eléctrica, de doce cuerdas, y de doce cuerdas con wah-wah, y voz.
Kerry Minnear – piano eléctrico, órgano, mellotron, vibráfono, sintetizador Moog, piano, celesta, clavicordio, percusión y voz solista.
Derek Shulman – saxo alto, clavicordio, percusión y voz solista.
Phil Shulman – saxos alto y tenor, clarinete, trompeta, piano, percusión y voz solista.
Ray Shulman – bajo, violín, viola, violín eléctrico, guitarra española, pandereta, guitarra de doce cuerdas, pedales de bajo de órgano, y voz.
Martin Smith – batería y percusión.

Con:
Paul Cosh – trompeta, órgano.
Tony Visconti – flautín, tambor bajo, triangulo.
Chris Thomas – programación del sintetizador Moog.

Inevitablemente hay que explicar algo. Elegí este disco de este grupo porque su título recoge mi propia relación con la obra de éste. Sí, es así. Gentle Giant no fue para mí un amor a primera oída sino algo que aprendí a apreciar con el tiempo. No se han convertido para mí en uno de “mis” grupos, aquellos de los cuales soy un “militante”, pero ¿quién sabe lo que deparará el futuro?
Hace mucho tiempo (a finales de los setenta), después de haber leído sobre ellos, adquirí una copia en vinilo de Interview. La verdad es que no me gustó demasiado, por no decir que, simplemente, no me gustó nada. Bien, pasarían unos veinte años y en el programa de radio de Antonio Escalante El Mellotron, en Radio Vallekas, éste puso uno de los temas de Acquiring the Taste y aquello me pareció más interesante que aquel recuerdo mío de Interview. En una gran superficie donde solía hacer la compra semanal encontré una recopilación barata centrada en sus últimos discos –salvo Civilian– con la que aprendí a reconocer las virtudes del grupo, curiosamente a través de obras menores pero algo ya se podía entrever. Pasado un tiempo conseguí sus dos primeros álbumes y aquello fue algo así como decir aquello de ¡Ábrete Sésamo!
Aquello sí era el “famoso –en ambientes progresivos– Gentle Giant” y comprendí el porqué de este amor profundo que algunos sienten por esta banda, porque desde luego, se la ama o se la odia.
Me gustan. No sé cuál es el motivo, pero estas cosas son así desde un punto de vista emocional. A mí, desde una perspectiva más analítica me gusta lo heterodoxos que eran, rompiendo con cualquier cliché de su época o de la actual. Canciones “breves”, ausencia de suites, complejidad entendida por un trabajo extraordinario de escritura, no por tener una pieza larga dividida en varias secciones. Podrían haber sido un precedente importante de los aspectos más camerísticos del R.I.O. si sus influencias clásicas hubieran sido de la música clásica moderna en adelante. Ellos prefirieron indagar en la música antigua, del Medioevo al Renacimiento y el Barroco; para facturar rock con ello.
La verdad es que 1971, año de la grabación de este disco, representa una era muy diferente de la actual. Como ellos afirmaban en un texto incluido en este disco “nuestra meta es expandir las fronteras de la música popular contemporánea aun a riesgo de ser muy impopulares. Hemos grabado cada composición con un único pensamiento –que debería ser única, aventurera y fascinante–. Hemos precisado de cada jirón de nuestro conocimiento técnico y musical combinados para conseguirlo”.
Este impulso se mantuvo durante los primeros cinco discos del grupo, pero a partir de ahí, cada disco fue algo más simple que el anterior, hasta que atravesaron la “frontera” tras la cual Gentle Giant ya no se diferenció tanto de otros grupos contemporáneos.
La riqueza del lenguaje musical, de los diversos recursos estilísticos utilizados y el multinstrumentalismo del conjunto hacen de estas canciones un legado impresionante, que crece con cada escucha al descubrir versos que aparecen en varias canciones, motivos melódicos que también lo hacen, y los mil y un detalles que se descubren con una escucha atenta. Conocer este álbum adentrarse en un mundo prodigioso al que hay que cogerle gusto. Hagámoslo.

“Pantagruel’s Nativity”
Unas notas delicadas de sintetizador introducen la pieza y el álbum. Se incorporan voz y guitarra, bajo y mellotrón buscando un clímax con la guitarra eléctrica y batería. Vuelve a repetirse el esquema con detalles de teclado y trompeta. Se difumina esto y se da paso a un riff rockero sobre el que entran voces “tristes” en polifonía. Aparece después un groove sobre el que se desarrolla un solo de vibráfono al que da luego la réplica la guitarra eléctrica. Vuelven las voces para dar paso a un breve pasaje de trompeta sobre teclados que se repite dos veces. Vuelve la estructura de voz y guitarra del principio, enriquecida con una segunda voz. Termina con suavidad.

“Edge of Twilight”
Es un tema que se inicia tranquilo con la voz apoyada por vientos. Tras un interludio breve se repite la estrofa con la batería en reversa y detalles de guitarra española. Vuelve el interludio para dar paso a una sección vocal a coro. En una sección instrumental mesmerizante se van sucediendo instrumentos melódicos hasta dar paso a una parte ejecutada por instrumentos de percusión. Vuelve la pieza a una repetición de la segunda estrofa con la batería en reversa

“The House, The Street, The Room”
El riff inicial no hubiera desentonado en un disco de Hugh Hopper de los setenta. Se suman las voces sobre el riff. Sigue la música con un aire italianizante hasta la vuelta del riff inicial y todo se repite de nuevo. Sigue una sección “libre” con intercambios fugaces de varios instrumentos entre sí. Va creciendo en densidad sonora hasta la irrupción de una guitarra rockera que devuelve la música al territorio del riff, apoyado por órgano eléctrico y bajo. Este pasaje es bastante largo. En el clímax vuelven las voces de la estrofa inicial repitiéndose todo el esquema con el interludio italianizante. Finaliza con una nueva sección “libre”.

“Acquiring the Taste”
Es una deliciosa miniatura interpretada con el Moog. Instrumentada de otra forma sería una espléndida pieza de cámara. Recuerda el ambiente de la introducción de “Pantagruel’s Nativity” en cierta forma. Me gusta mucho.

“Wreck”
Esta canción directa tiene reminiscencias de canciones de marineros. Es de una construcción en apariencia mucho más convencional que todo lo previo. Pero esto es algo que se desmiente enseguida. El ambiente cambia con la irrupción de voz solista sobre teclado y clavicordio. Toma el relevo la guitarra eléctrica para llegar a un pasaje de intensidad emotiva con la que vuelven las voces “marineras”. El grupo es sustituido por un conjunto de flautas dulces y clavicordio que repiten las melodías, para volver a la misma parte de guitarra eléctrica emotivas de antes y las voces “marineras”. Termina en fade-out.

“The Moon is Down”
Se escucha un saxo, luego aparece un riff interpretado por los vientos. Aparece la voz apoyada sobre un teclado. Luego la segunda estrofa es diferente hasta la irrupción de la sección rítmica, que repite la primera estrofa. Cambia el ritmo que se hace mucho más vivo en una sección instrumental que acaba dando protagonismo a los saxos entre otros instrumentos. Se retarda el pulso rítmico para dar lugar a una sección más solemne que da paso a las voces.

“Black Cat”
Se inicia sobre un pizzicato del violín antes de que vayan entrando las voces. Como es habitual en este disco el esquema se repite dos veces antes de variarse. Hay un cambio abrupto a una sección interpretada por cuerdas a la que se suman percusiones. Se vuelve a la aparte cantada para terminar en fade-out.

“Plain Truth”
Es la canción más directa y larga del álbum, que se inicia con un sonido punzante de violín eléctrico. Que da paso a todo el grupo al completo, tanto de forma instrumental como vocal. Tras un verso y estribillo, que da paso a un interludio instrumental sobre el que se desarrolla un solo. Vuelve el violín para reintroducir la fase cantada. Sigue una fase legato, con guitarra y violín. Aparece el bajo primero y la batería después. Se sube en intensidad lentamente buscando un clímax que se resuelve con la reintroducción de la fase vocal del tema. Vuelve el violín eléctrico solo en una especie de coda para finalizar el tema y el álbum.

Esta reseña está dedicada a Antonio Escalante y su programa El Mellotron, ya que gracias a éste y aquél pude conocer este disco y empezar a apreciar este grupo.

Hay una biografía del grupo que se llama como éste álbum. Es un título muy apropiado.

Carlos Romeo.

[Hoodoo Man]

GENTLE GIANT  -  Three Friends

Portada europea

 

Editado en 1972

Listado de temas:
1. Prologue (6:12)
2. Schooldays (7:33)
3. Working All Day (5:07)
4. Peel The Paint (7:25)
5. Mister Class And Quality? (5:51)
6. Three Friends (3:00)

Músicos:
Gary Green - guitarras, percusión
Kerry Minnear - teclados, vibráfono, percusión, Moog, voz
Malcolm Mortimore - Batería
Derek Shulman - voz principal
Phil Schulman - saxo, voz
Ray Shulman - bajo, violín, guitarra de 12 cuerdas, voz
Calvin Shulman, el hijo de Ray (la voz de niño en la escuela).

Créditos:
Ingeniero - Martin Rushkent
Productor - Gentle Giant
Portada Europa - Rick Breach
Portada Usa - George Underwood
Sello - Vertigo / Columbia (1972)

Todas las canciones están compuestas por: Schulman, Schulman, Schulman y Minnear.

Gentle Giant

INTRODUCCIÓN

  El hecho de tener que escribir sobre este álbum me ha servido para prestarle más atención de lo que nunca había hecho antes. Tampoco tenía el menor conocimiento del contenido de las letras y sin embargo las ideas que me inspiraba cuando lo escuchaba resultaron ser bastante acertadas. Sobre todo en temas como Schooldays, Working All Day o Peel The Paint. Esto me dice mucho de la capacidad que tiene el grupo para dibujar historias y situaciones solo con su música. Y también para transmitir sentimientos que, al fin y al cabo, es lo que realmente importa cuando escuchamos una buena canción. Se que el tema del 'feeling' está demasiado sobre tratado, pero todos hemos escuchado músicos enormemente virtuosos capaces de realizar acrobacias de todo tipo con sus instrumentos y que después de un rato resultan de lo más aburrido. Esta capacidad de transmitir es lo que diferencia a los grandes del resto y Gentle Giant está sin duda en el lado de los grandes. Si a ésto añadimos el enorme virtuosismo de sus componentes, tenemos como resultado una de las mejores bandas del rock progresivo británico de todos los tiempos.

Poster promocional del 72 en una revista alemana

  En 1970 el sello Vertigo editó su primer disco titulado simplemente Gentle Giant; por aquel entonces la escena del rock sinfónico estaba liderada por King Crimson y comenzaban a aparecer Yes y Emerson, Lake & Palmer. En el año 1971 editan Acquiring the taste, un álbum que superó en calidad al anterior, logrando un trabajo de mayor experimentación y mucho más arriesgado. Después llegaron las deserciones, Martin Smith abandona el barco y es sustituido por Malcolm Mortimore, un batería con una clara inclinación hacia el jazz.

  Three Friends se grabó en el mes de diciembre de 1971 y se editó a principios de 1972. Es una obra conceptual acerca de los sueños y las esperanzas de tres  antiguos amigos de la infancia, tal como se menciona en las notas del disco:
  "La idea de este álbum surgió de conversaciones en el seno del grupo. ¿Sabes como la gente suele recordar viejos amigos de la escuela y se preguntan que fué ellos, de sus éxitos o fracasos. Este álbum se basa en tres personas  - amigos en la escuela, pero inevitablemente separados por casualidad, habilidad y suerte."

  Los tres amigos crecen hasta convertirse en un obrero (Working All Day), un artista (Peel The Paint) y un ejecutivo (Mister Class and Quality) que ya no entienden otros estilos de vida que no sea el suyo. Pero independientemente de la historia, la música es increíble, desde el hard rock pasando por orquestaciones de tipo clásico y con bellas melodías. El grupo tiene un estilo musical complejo, una combinación de jazz, rock y música clásica, con letras épicas y una instrumentación muy completa en la que caben desde guitarras eléctricas y teclados hasta laudes, saxos, flautas, vibráfonos y un largo etcétera. Momentos suaves que se alternan con otros más fuertes. Un sonido fresco y distinto donde la música retrata perfectamente una historia y describe tanto los momentos más alegres de la infancia como los más tristes de la vida adulta.

  Este disco resulta más accesible que los anteriores y se dulcifica un poco en un intento por alcanzar el mercado americano, donde aún no se habían publicado sus primeros trabajos. Aparece con distintas portadas en Europa y en EEUU, la americana es la misma que utilizaron para su primer álbum (un poco más clara) y la razón me parece evidente, es su sello de identidad y por tanto más apropiada como carta de presentación.

  Cuando escuché por primera vez Three Friends me sorprendió su calidad. Al principio no me convenció mucho la forma de cantar de Derek Schulman, sin embargo ahora no me podría imaginar una voz mejor para Gentle Giant. La complejidad de los pasajes que componen y la habilidad con que los ejecutan son las principales características en todos sus discos. Estas características son  las que hacen que el grupo sea bastante desconocido y resulte un poco difícil de asimilar en las primeras escuchas. Y la razón también de que no alcancen la fama de bandas como Emerson, Lake & Palmer, Yes o Genesis e incluso se ganen el sobrenombre a "la más desconocida banda inglesa". 

Portada de la edición americana

LOS TEMAS

1. Prologue
   El álbum comienza con un redoble de batería para dar paso a un ritmo pegadizo en el que tanto la guitarra como los teclados se alzan con el protagonismo. El peso de la melodía lo lleva principalmente la guitarra, dejando al resto de los instrumentos el ritmo. Las voces y coros van entrando con un cambio total del tempo y el tema se desarrolla de tal forma que se crean dos partes bien diferentes. Destacaría también la precisión de Ray Schulman al bajo, sobre todo en las pasajes más lentos que dividen la canción.
  En cuanto a la letra, nos presenta a los tres amigos de la historia que se irán distanciando con el paso de los años.
 
2. Schooldays
  Desde las primeras notas del vibráfono se percibe la alegría que transmite el tema. Nos narra los días felices y de amistad en la infancia que algún día el tiempo se encargará de borrar. Toda esta ensoñación infantil se desarrolla durante los primeros tres minutos hasta llegar a unos fuertes acordes de piano que derivan en otra melodía totalmente distinta. Aquí, tanto las voces como el piano resuenan tristes, misteriosas e incluso nostálgicas. Seguidamente viene una breve improvisación jazzística para terminar volviendo al ritmo del inicio.
  Las voces de Kerry Minnear y Phil Schulman cantan suavemente, casi susurrando a veces, contribuyendo a dar el aire nostálgico y misterioso que la música busca transmitir.

3. Working all day
  Esta es la historia del primero de nuestros tres amigos, que está hasta las narices de pasarse el día trabajando y harto de un trabajo monótono y aburrido. Hasta el momento es el tema más rockero y destila la fuerza y el enfado que se supone que tiene el protagonista. Al principio me recuerda un tanto a algunos desarrollos de Yes, aunque con un sonido más duro. Me gusta como suena el saxo de Phil a media canción y mucho más aún las improvisaciones al órgano de Kerry, un ejercicio hard rock que resulta fascinante. Aunque en los créditos no se mencione, estos alardes parecen ejecutados con un Hammond. Llegamos al final con un breve regreso al estribillo inicial.

4. Peel the paint
  Es el plato fuerte del disco. El inicio consta de dos partes, una primera parte rítmica cantada y conducida por unas líneas de bajo y percusión, y la segunda parte melódica compuesta también por el bajo y unos violines dulces de corte clásico. El inicio se repite durante los dos primeros minutos hasta desembocar en un riff de guitarra que transforma la canción por completo. Ahora lo que escuchamos es un excelente hard rock dominado por la guitarra de Gary Green y seguido por el resto del grupo. La guitarra se alza como líder total, el solo me recuerda bastante a Jimi Hendrix, y continúa con un monólogo donde los pasajes se van repitiendo con efectos echo y delay hasta que el grupo al completo vuelve para poner punto final al tema. Simplemente genial, desde la voz de Derek que varía desde la suavidad del inicio a la explosión hard posterior, pasando por la habilidad de la sección rítmica y destacando a todo el grupo en general. Además de Gary, sobresalen las genialidades de Kerry Minnear al teclado y de Ray Schulman al bajo. Es una gozada escuchar como el bajo de Ray conduce y enlaza todas las partes en que se divide el tema.
  La letra es un tanto críptica y trata del segundo de los amigos convertido en pintor. Libre y despreocupado en su arte al tiempo que retrata el lado más oscuro de la personalidad del hombre, una bestia salvaje con ojos de loco y afilados dientes.

5. Mister class and quality
  El tercero de los compañeros es un ejecutivo que mira desde arriba al  perezoso trabajador y  al artista en que se han convertido sus antiguos amigos. La amistad es cosa del pasado, pues deja bien claro que para él ésta es solo un medio para lograr sus fines.
  Comienza con un suave diálogo entre el órgano, el bajo y la guitarra eléctrica. Al principio cada instrumento improvisa sobre el mismo patrón, para, posteriormente, crear el ritmo principal del tema todos al unísono. En este ritmo destacan el violín y la guitarra a cada lado y también los cambios que ejecutan el bajo, la batería y los teclados. El dúo que se marcan el órgano wah de Minnear y la guitarra de Green a mitad de tema, los dos con un sonido sucio y distorsionado, suenan sencillamente geniales. Como geniales suenan también los cambios que se van sucediendo hasta llegar al final, creando una continuidad con la canción Three Friends.
  Llama la atención el contraste entre la complejidad instrumental y la sencillez vocal con la que canta Derek, que no varía la canción en ningún momento. Junto con Peel The Paint, es mi favorita del disco.
 
6. Three friends
  Nada más finalizar el tema anterior comienza éste sin ninguna separación entre ellos. No sé si es algo premeditado o un error en la impresión. En la edición americana de Columbia (que desgraciadamente es la que yo tengo) el inicio está puesto en la mitad del tema anterior. Este error otorga a Mister class and quality una duración de 3' 23" y a Three Friends de 5' 27", cuando la duración correcta de ambos es de 5' 51" y 3'  respectivamente.
  Es el final del disco y no podía ser más adecuado. Comienza al estilo de una sinfonía coral y tanto las melodías principales de coros, guitarras, teclados y violines, como las líneas rítmicas de bajo y batería se van repitiendo continuamente hasta terminar.
  La letra es triste, tres hombres que habían sido amigos en la infancia y que ya no tienen nada en común en su vida adulta.

Gentle Giant en concierto

                                       
                                       

DE GIRA JUNTO A JETHRO TULL

A principios de 1972, en enero y febrero,  Gentle Giant iniciaron una gran gira europea abriendo conciertos para Jethro Tull. La gira con los Tull fué su primer gran tour organizado y la gran oportunidad que estaban esperando. Los dos grupos funcionaban muy bien juntos y el Gigante no desaprovechó la ocasión de seguir dándose a conocer en los paises nórdicos, Alemania, Italia, Suiza y Francia, países en los que ya tenían una buena aceptación.

  Hacia finales de marzo las cosas se tuercen un tanto. Malcolm Mortimore resulta herido en un accidente de moto con tan mala suerte que se rompe un brazo, una pierna y la pelvis. La banda se ve obligada a buscar otro batería rápidamente para sustituirle. Contactaron con Mike Giles, ex King Crimson, pero por una u otra razón este plan no funcionó. Finalmente contrataron de forma temporal a John Weathers, que hacía poco había dejado The Grease Band y había estado trabajando en una fábrica de alfombras. Con John Weathers como batería temporal iniciaron una gira por el Reino Unido en abril. Desgraciadamente para Malcolm, su recuperación lleva más tiempo del previsto, así que deciden ofrecer permanentemente el puesto a Weathers y éste acepta. Lógicamente esto molestó a Malcolm pero nada pudo hacer para evitarlo.
  Esta gira en en el Reino Unido resultó un tanto humillante para el grupo, según Kerry Minnear, ya que en realidad servía como acto de apertura en una película de Jimi Hendrix. Esto nos dá una idea del poco nombre que tenían por entonces y del poco terreno que estaban ganando entre el público británico.

  El mes de mayo regresan a Alemania e Italia, pero esta vez acompañando a Chicken Shack y Man. El apoyo que reciben en el continente sigue siendo mucho mayor que el que estaban recibiendo en el Reino Unido, donde aún siguen siendo unos grandes desconocidos.
  Y por fin en la segunda mitad del año el grupo consigue irse de gira a Norte América. Abren para Black Sabbath entre los meses de agosto y septiembre y en estos conciertos se ven obligados a tocar en ocasiones un estilo mas heavy para agradar también a los fans de Sabbath. Poco a poco van logrando lo que desean, darse a conocer en el panorama musical americano. También tocan algunas fechas con Yes y Edgar Winter entre finales de septiembre y primeros de octubre.

  A mediados de octubre se unen de nuevo a Jethro Tull, que está resultando ser el mayor patrocinador de la banda, esta vez en la gira de promoción del Thick As A Brick. Este fué un momento muy importante para Jethro Tull, el TAAB estaba siendo un gran éxito y los conciertos eran ante auténticas multitudes. Tocar en la gira americana del TAAB resultó enormemente positivo para Gentle Giant. Al contrario que lo que ocurrió cuando abrieron para Black Sabbath, a los fans de Jethro Tull les gustaba su estilo. La música de las dos bandas tiene mucho en común y esto permitió al Gigante recoger un buen número de fans, además de consolidarse como una de las mejores bandas de rock progresivo del momento.
 

Gentle Giant en vivo (Knots, 1972)

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LETRAS DEL ÁLBUM

Prologue
voz: Phil

Three friends are made, three lives are laughs and tears
Through years of school and play they share
As time stands still the days change into years
And future comes without a care.
But fate and skill and chances play their part
The wind of change leaves no good-bye
Three boys are men their ways have drawn apart
They tell their tales to justify.


Schooldays
voces: Kerry/Phil

The bell rings
And all things
Are calling
The days past
The play's cast
Remember
September
When we were
Together
Together
Together
Schooldays the happy days when we were going nowhere
Schooldays the happy time when we were feeling no care
Schooldays when three said that we'd better be friends forever
How long is ever isn't it strange
Schooldays together why do they change.
Did kites fly
And I spy
And you cry
To run fast
Or come last
You know how
We made vows
They're gone now
We made friends
We broke friends
No more friends
Remember,
Remember when we
Together
Went to the sea
Was it real or did we dream. The days of children gone.
Seagull's scream and pink ice cream and the deep blue sky
And the waves seem high and golden sand and the town
brass band play on.
Wait for me
Wait for us always
Wait for me
Wait for us to come
Homework's dull. It's worth the pain to go out when I want
Mister Watson wants to see you in the master's room. It's
about the work you should have done and I think you
must go now.


Working All Day
voz: Derek

Working all day, I'm digging up the roads, just working all day
Dig for my pay and spend it where I like. I've nothing to say
Drown in my sweat but money buys escape. I've got no regrets
Working all day
Working all day
When I was young I used to have illusions - Dreams ain't enough.
Papa was rough. He didn't care for learning. Hell life is tough.
Easy to say that everybody's equal then look around and
see it ain't true.
Working all day
I eat the dust. The boss gets all the money. Life ain't just.
I'm still the same as all the other people - who can I trust
Working all day and never getting nowhere, what can I
say working all day
Working all day.



Peel The Paint
voces: Phil (Parte 1), Derek (Parte 2)

Free from the start -
Left to depart -
Finding the pleasure and the pain in his art.
Lost in the hush -
No need to rush -
Time waits for him, him who creates with the
brush.
Colour the brush.
High in the air -
His dreams are there -
Searching for answers he will look everywhere.
Thinks he has won -
A place in the sun
Free from the worries and the ways of everyone.
Peel the paint
Look underneath
You'll see the same, the same old savage beast.
Strip the coats
The coats of time
And find mad eyes and see those sharpened
teeth.
Nothing's been learned -
No nothing at all.
Don't be fooled, get up before you fall.
Carnal grave
Crawling smooth
Open flesh and you must let him in.
Glass reflects
What you are
It shows the face, the evil face of sin.



Mister Class And Quality?
voz: Derek

Look around my rooms and see the prizes I have showing
Working hard to build my life and plan the way I'm going
House and car and pretty wife - they've all been won by knowing
                                    All been won by knowing
                                    All been won by knowing.
Paperwork, white collared shirts - where would we be without
them
Man of class and quality - I never shout about them
Choose my friends for my own ends.
                             You can't succeed without them
                                 Can't succeed without them
                                 Can't succeed without them.
Middleman sees straight ahead and never crosses borders
Never understood the artist or the lazy workers
The world needs steady men like me to give and take the orders
                                  Give and take the orders
                                  Give and take the orders.



Three Friends
voces: conjunto

Once three friends
Sweet in sadness
Now part of their past.
In the end
Full of gladness
Went from class to class.

[Anin Jadas]

    Octopus (Vertigo, 1972)

           
    

The Boys In The Band :

Derek Shulman - voz, saxo tenor
Phil Shulman - saxo, trompeta, mellotron, voz
Ray Shulman - bajo, violín, guitarra, voz
Kerry Minnear - teclados, vibráfono, percusión, cello, moog, voz
Gary Green - guitarra, percusión
John Weathers - batería, percusión, xilófono

Productor - Gentle Giant
Ingeniero - Martin Rushant

Todos los temas compuestos por Minnear, Shulman, Shulman y Shulman.

Enfrentarse a un disco de estas características es siempre un reto y una experiencia nueva. Cada nueva escucha, cada fragmento que se descubre, maravilla al oyente,hasta que se acaba de comprender que estamos ante una de los discos más increíbles y maravillosos que una banda de Rock haya podido concebir.
Nada más y nada menos que 37 años nos contemplan desde que Gentle Giant sacaran a la luz esta obra maestra del Rock Progresivo y muchas cosas han cambiado desde entonces en las maneras de hacer música, pero ni los últimos avances tecnólogicos,ni la globalización e Internet, ni las mejores máquinas del mundo, son capaces de emular a unos músicos haciendo bien su trabajo, sintiendo la música, desbaratando ideas preconcebidas y amalgamando estilos tan alejados, en principio, como la música clásica y el rock. Cosa que en Octopus es patente y notorio.
Octopus (nombre que según la propia banda fue ideado por la esposa de Phil Shulman y que hace referencia a los ocho cortes del disco: octo opus) es el cuarto trabajo de Gentle Giant y sería el último realizado como sexteto, ya que Phil abandonaría la formación tras su publicación. También es el disco que vio la incorporación de John Weathers a la batería, lo que le dio más fuerza a la sección rítmica.
Más sinfónico y rockero que sus antecesores, Octopus es una apabullante cascada de armonías vocales múltiples perfectamente construidas, un dechado de virtuosismo instrumental, con una emsambladura de una precisión casi mágica de los muy variados y diversos instrumentos que la banda toca; y aún así su sonido es limpio, inteligible, claro, luminoso. Perfecto.
En Octopus encontramos, por supuesto, Rock, pero también destellos de música clásica, Jazz, Folk británico, elementos medievales… Todo ello envuelto en unas letras inteligentes inspiradas en la literatura clásica y la filosofía.
Por cierto, si alguien está buscando una comparación para este disco en concreto y para la música de Gentle Giant en general, que desista: Gentle Giant suenan a Gentle Giant. Son los creadores de un sonido y de una manera de entender el Rock Prgresivo, única e inigualable. Para bien o para mal.
En mi opinión estamos ante uno de los discos más importantes del Progresivo y del Rock sin apellidos. Una “octo opus” de poco más de 30 minutos que deja sin aliento al oyente. Un disco maravilloso que ningún aficionado a la buena música debería dejar de escuchar.
Según he leído por ahí, el crítico D. Fisherman dijo que Gentle Giant compusieron la música que crearía un genial maestro clásico si decidiera hacer rock.
No se hable más. Escuchemos Octopus.

The Advent of Panurge
El primer tema de Octopus empieza con una sencillez y suavidad de terciopelo. Las voces de los Shulman componen una de las tantas armonías vocales que vamos a disfrutar en este disco para darnos la bienvenida. Casi a capella, tan sólo acompañados por notas aisladas de guitarra, bajo o teclados.
Luego entrarán el resto de los músicos y el tema se enrosca en una combinación impresionante de instrumentos y coros, con pasajes jazzísticos y unas estructuras sonoras típicamente Giant.
La melodía principal de este tema es de las que no se olvidan.
Según las notas explicativas de mi CD, en este tema se narra el encuentro entre el fabuloso gigante rabelaisiano Pantagruel y un viejo amigo y compañero llamado Panurge.

Raconteur, Troubadour
Los chicos de Gentle decidieron darnos un paseo por el medievo y vaya si lo consiguen. En este tema desarrollan unos ritmos y cadencias musicales que nos introducen con gran acierto en el espíritu trovadoresco de la Inglaterra medieval. Instrumentación, arreglos y letras están pensados y dispuestos para ello.
Esta canción tiene una sección central de violín y órgano que es digna de cualquier compositor clásico. Grandioso y maravilloso pasaje de verdad, que pena que no lo alargaran, qué se yo, unos veinte minutillos más... Luego se van añadiendo vientos y las voces y la cadencia particular de este tema de nuevo se hacen protagonistas.

A Cry for Everyone
Según las notas del CD, “la letra está basada en los pensamientos de uno o dos miembros de la banda, y está inspirada en la litetarura y filosofía de Albert Camus”.
Para muchos una de las mejores piezas del álbum, comienza con un potente riff gitarrero. Una típica canción de Rock Progresivo con una poderosa instrumentación y unos pasajes sonoros deliciosos en los que alternativamente cobran protagonismo los teclados y la guitarra, siempre apoyados en una impecable y fuerte base rítmica con un fibroso y rotundo bajo.

Knots
Este tema es un precioso madrigal inspirado por los juegos poéticos del eminente psicólogo R.D. Laing.
Un juego musical en el que los divertimentos vocales cobran protagonismo mientras un xilófono puntea notas aquí y allá. Por momentos también tiene su toque de Jazz, pero lo que destaca realmente en este tema son las voces, perfectamente articuladas y moduladas en unos impresionantes coros.
A veces me pregunto si Freddie Mercury no se inspiró en estos juegos vocales para desarrollar, tres años más tarde, los coros de temas como Bohemian Rhapsody o The Prophet Song, ambos en el gran A Night at the Opera.

The Boys in the Band
Una risa y el sonido de una moneda girando sobre si misma sobre lo que parece una superficie de madera (ambos obra del ingeniero Rushant) dan paso a un tremendo instrumental en el que de nuevo aflora la potencia rockera de los Gentle.
Según el libreto “un tema para Gentle Giant como un todo, nuestro ingeniero Martin Rushant incluido”.
En este tema, con esos sonidos iniciales y unos buenos cascos, es posible apreciar la excelencia de la grabación de este disco, tiene un sonido maravilloso y la producción es magnífica.
Una canción para valorar en su máximo esplendor la prodigiosa calidad de estos músicos.

Dog’s Life
De nuevo la temática musical vuelve a ser de corte medieval, y digo musical porque la letrística está dedicada a la “vida de perros” de los roadies de la banda, en tono de comedia por supuesto.
La melodía es maravillosa, arropada por unos arreglos de cuerda y un órgano medieval espectaculares, y, de nuevo, unos coros para disfrutar una y otra vez.
Una canción sencilla y preciosa que desearías que se alargara un poco más, como casi todo en este disco.

Think of Me with Kindness
Son sonar las primeras notas de piano y se me pone carne de gallina. Siempre.
Esta canción es una de las más emocionantes y bellas que he escuchado nunca, de verdad. Íntima, conmovedora y, a la vez, potente.
La voz es sublime. La instrumentalización delicada y perfecta. La sección de viento magnífica.
Mi favorita de este disco.
Cuenta la situación vivida por el autor tras una ruptura amorosa.

River
Quizá el tema más auténticamente progresivo del disco, Gentle Giant trataron de “crear diversas atmósferas usando los diferentes aparatos electrónicos a nuestra disposición en el estudio de grabación”.
Les quedó un tema fuerte y muy rockero, con una sobresaliente guitarra y, como decía al principio, una clara orientación rock-progresiva en el sentido de experimentación, avance y creatividad.

Por cierto la portada original de la edición inglesa es obra de Roger Dean, el creador, como muy bien sabéis, de las portadas de Yes.
Nada más que decir, salvo que si no has escuchado este disco, no sabes lo que te estás perdiendo…

[Josep]

Gentle Giant - In A Glass House

Tras la salida de Phil Shulman del grupo para poder dedicarse a la docencia  el grupo quedó reducido a quinteto, recogiendo Derek toda la responsabilidad en la voz solista sobretodo en directo y haciéndose cargo también del saxofón.  Debido a la partida del mayor de los Shulman  la banda arregló los temas para ser interpretados por el quinteto resultante  y prosiguió con su segunda gira por los Estados Unidos de América del Norte y Canadá  en la que de nuevo fueron banda de apoyo para diferentes cabezas de cartel (Wishbone Ash, King Crimson o Foghat, entre otros…). Después de una segunda vuelta por los States decidieron entrar a gravar su quinto disco.

En Julio del 73 pues, el grupo, ya sin Phil, entra al estudio,  quedando la siguiente plantilla de músicos para el disco:


-Derek Shulman: Voces, saxo  alto y soprano y flauta dulce.
-Gary Green: Guitarras de 6 y 12 cuerdas, mandolina, percusión y flauta dulce alto.
-Kerry Minnear: Teclados, percusión (Vibráfono, xilófono), flauta dulce y voces.
-Ray Shulman: Bajo eléctrico, violín, guitarra acústica, percusión y voces.
-John Weathers: Batería y percusión.
Toda la música compuesta por Derek Shulman, Ray Shulman y Kerry  Minnear.

Producido por Gentle Giant.
Ingeniero de sonido: Gary Martin.
Registrado en los estudios Advision de Londres en Julio de 1973.
Fué lanzado al mercado en Septiembre en el Reino Unido por WWA y en Alemania por Vertigo.  No hubo edición Americana, cosa que propició una gran demanda por importación.

"The Runaway" - 7:15
"An Inmates Lullaby" - 4:39
"Way Of Life" - 7:52
"Experience" - 7:50
"A Reunion" - 2:11
"In A Glass House" - 8:26

La banda, en cierta medida, estuvo estresada para la grabación de este disco. La partida de Phil supuso un shock suficientemente fuerte para afectar en lo emocional y en lo musical al grupo, y es recordada por los miembros, vagamente, como un paso complicado que al final resultó en una evolución natural y lógica en la trayectoria de los Gigantes. Perdieron a Phil, pero por otra parte ganaron más implicación por parte de John Weathers, que en este disco pudo aportar más que en el anterior.
 


La sonoridad de este disco es más suave y enigmática en comparación con su predecesor. Las partes con vientos metálicos, por ejemplo,  ya no son tan llamativas en una primera instancia, son suaves, y la batería puede llegar a sonar apagada pero con la excelente cualidad de atar toda la música del grupo aunque esta sea muy enrevesada. Los altibajos en cuanto a partes rockeras y a otras más clasicas o pausadas son más notorios también.

La misma portada nos refleja una austeridad poco típica en el grupo, que venía usando otro tipo de ilustraciones en sus portadas, más llamativas.  En este caso, lo primero que nos sugiere la portada es parte la esencia del grupo,  su versatilidad a la hora de tocar diferentes instrumentos en muchas de sus vertientes. Y usando dos imágenes superpuestas nos encontramos con la faceta “acústica” del grupo y con la “eléctrica”, una encima de la otra, creando una amalgama imaginaria donde las imágenes  se mezclan.
Y es también la música la que se mezcla en este álbum,  haciendo esta mezcolanza poco notoria en primeras escuchas, algo que hace que parezca un disco algo disperso en música. Con un poco de atención iremos entreviendo todas estas capas sonoras, familiarizándonos con el disco.

"The Runaway"

Aun a día de hoy me sorprende este inicio de tema, un tanto chocante. De hecho, no deja de sorprender también a mi madre, que siempre pregunta si se ha roto algo. Y es que la canción empieza con el sonido de cristales rompiéndose constantemente  y formando un ritmo sobre el que se va solapando el órgano. Este inicio es roto por el grupo al completo  con un primer riff introductorio y una forma de cantar de Derek que parece apagada, algo vacía de sentimiento. El sintetizador va adornando e intercalándose con la base rítmica y la guitarra, y entonces entran en escena las flautas y las voces suenan fantasmales y profundas, como si vinieran de un sueño. En la parte central del tema canta Kerry en su línea característica, muy reposado, acompañado por el bajo y la guitarra y seguido por un brutal solo de vibráfono de aquellos que tan bien sabía hacer. Y de allí regresamos al inicio para terminar con la estrofa principal y unos acordes rítmicos repitiéndose.

"An Inmates Lullaby"

De un tema que habla sobre evadirse, sobre huir, pasamos a otro que habla sobre un interno en un hospital psiquiátrico.
Aun con ecos de los acordes finales del tema anterior empieza a sonar una extraña melodía ejecutada por los percusionistas del grupo, con vibráfono, xilófono  y tambores. Es así como tejen una base muy alienante  que nos sugiere calma y tensión a la vez. Sobre esto aparece Derek con la voz en un tono apagado y algo bobo, añadiéndose también Kerry, mismamente en frases muy robotizadas y condicionadas por la melodía de la voz principal. El tema en general es magnífico y muy original, ya que las voces van por un lado y la base instrumental (ejecutada solamente con elementos de percusión) por otro, consiguiendo una  atmosfera  muy inquietante que nos transmite exactamente lo que cuenta la letra, el sentimiento de reclusión y monotonía por parte de un enfermo mental dentro de su celda acolchada, sus vivencias en soledad y sus pensamientos sobre libertad.

"Way Of Life"

Tras el grito inicial de GO!  de Gary Green entra la banda a todo trapo con una línea de bajo juguetona y los sintes siguiéndole. Cuando empieza a cantar Derek a veces me da la risa, entona la voz como sin ganas, haciendo monótona  la melodía, una sensación extraña y a la vez interesante.  El sintetizador cierra cada verso con una melodía modulada que hace referencia al riff anterior. La parte central cambia totalmente la tónica del tema y el órgano nos va sugiriendo algo de paz, sobre la cual canta Kerry con su melodiosa voz. Pero luego vuelven a coger tensión para estallar de nuevo en el riff inicial del tema. La parte en la que el bajo  y los teclados marcan la base rítmica es fantástica, con solo dos notas Ray nos deja claro que  no era un bajista cualquiera. El final del tema es de lo que menos nos podríamos esperar; la base formada por el órgano se va repitiendo hasta la saciedad llegando al final del tiempo marcado en el reproductor…

Ray Shulman            Derek Shulman             John Weathers              Gary Green           Kerry Minnear

"Experience"

Y de nuevo el órgano aparece al fondo de nuestros auriculares, acompañado por el bajo en una melodía un tanto antigua que va subiendo de volumen. Kerry empieza a cantar con cierto aire de juglar, y se añaden algo que parece una mandolina y la batería al conjunto, todos ellos espectaculares. En el siguiente cambio el violín marca la melodía principal apoyado por el bajo y la guitarra y con los teclados tomando otra dirección, algo típico de los gigantes .Tras parar en seco el bajo nos sugiere una extraño motivo y la voz y el teclado entonan una melodía muy coral, muy reposada,  el bajo, de todos modos,  sigue con su idea hasta que entran la batería y la guitarra con una base mucho mas rockera recordando tal vez a sus primeros tiempos, algo mas blueseros , y ahora canta Derek con su voz más potente acompañado por  los solos de Gary a la guitarra.  Aparece de nuevo  la melodía central más reposada y de nuevo regresa el riff potente como si uno quisiera suplantar al otro,  pero ninguno de los dos se queda;  regresan a la melodía inicial (la medieval)  dominada por Kerry a la voz y teclados y apoyada por el bajo, y el tema termina con un bucle que acaba en fade out…

"Reunion"

En este tema nos damos cuenta de la sencillez que a veces envolvía a  estos genios, en una base muy bien ensamblada y una formula más acústica y algo directa sin dejar de lado ese aire académico.
Las cuerdas y el bajo diseñan el ritmo a seguir y el piano eléctrico y la guitarra se atreven a ir dibujando ciertas melodías aparte, acompañados de la voz de Kerry en un tono muy evocador. En tan solo dos minutos Kerry nos cuenta la historia de dos viejos conocidos que se reencuentran en un lugar inesperado después de mucho tiempo por caminos diferentes.
Se repite un verso más de nuevo y el tema termina como ha empezado. Es una de esas canciones que se quedan pegadas en la mente, repitiéndose. A mí me encanta.

"In a Glass House"

El tema entra con una melodía en armónicos y mandolina muy trabajada, apoyada por otra melodía con el violín. En esta canción podemos escuchar el sonido de la mandolina mezclado entre la línea de bajo y los sintetizadores, que marcan la melodía principal con un toque renacentista. Esta melodía es entonada por Derek de una forma muy inspirada, y es, a la vez, rota por un riff entre lo rockero y lo juguetón que define la línea de la primera parte del tema, donde se intercala la mandolina, el órgano, la guitarra y los estupendos saxos, todos apoyándose y solapándose seguidos de el estribillo.
Entonces rompen la estructura original de nuevo para deleitarnos con uno de los pocos momentos reminiscentes de ese sonido que tenían en su primer disco, un poco más duro en cuanto a riff y con algo más de blues. Con las voces compartidas por Derek y Kerry, de la parte rockera a la acústica, a la cual sigue otra vez el riff apoyado por la contundente batería. La mandolina traza un solo de raíz bluesera para estallar otra vez todos juntos y desvanecerse en la repetición del bucle-riff hardrockero.
El disco termina con fragmentos de todas las canciones anteriores y la casa de cristal acaba rompiéndose en mil pedazos.

Entretanto, el grupo tuvo tiempo para realizar algunas sesiones para la BBC que años después fueron recogidos en discos como Out Of The Woods o Totally Out Of The Woods. Este último contiene música recogida en estudio, justo después de la grabación del disco.
Otra grabación, también realizada por la BBC contiene un recital realizado en el Hipódromo de Londres, editado en el disco Out Of The Fire.
Una vez editado el disco vino la consiguiente gira de presentación, por el Reino Unido, Italia, Suiza y Alemania. Fueron apoyados por grupos como Wild Turkey en Reino Unido o Aqcua Fragile en Italia. En Alemania abrieron algunas fechas para Procol Harum. Tocaron por primera vez en Bélgica.
Los conciertos se abrían con el sonido inicial del álbum, esos cristales rotos, seguidos de "The Runnaway". El grupo tocaba "Way Of Life", "Funny Ways" y empezaron a presentar el famoso medley "Excerpts From Octopus", que contenia partes de "Raconteur Trobadour","The Advent Of Panourge", "Knots" y un dueto de guitarras acústicas con melodías procedentes de "Acquiring The Taste" y "The Boys In The Band". El set-list solía proseguir con "Nothing At All", "Plain Truth" y "In a Glass House", terminando de nuevo con los cristales rompiéndose.

Bibliografía: Aparte de diversos sitios web y del propio Cd de DRT gran parte de la información no subjetiva ha sido contrastada en la web oficial del grupo, Blazemonger.com, donde hay un gran archivo que recopila información relativa al grupo, giras y material editado.




Salud!!

[Pantagruel]

The Power and The Glory

Proclamation
So Sincere
Aspirations
Playing the Game
Cogs in Cogs
No Gods a Man
The Face
Valedictory

Bonus Tracks de la edición 35 Aniversario:
Proclamation (LIve)
The Power and the Glory

Créditos:
Kerry Minnear: Teclados, Cello, Vocales
Ray Shulman: Bajo, Violin, Vocales
Derek Shulman: Vocalista líder, Saxofones
Gary Green: Guitarras
John Weathers: Tambores, Percusiones, vocales

Todos los tracks bajo licencia de Polygram Special Products
 
  Agradecimiento especial al ingenero: Gary Martin
  Todos los títulos compuestos por: Shulman, Shulman and Minnear
  Publicado por Alucard Music, Ltd.
  Album producidd y arreglado por Gentle Giant para Alucard Productions, Ltd.
  Grabado en los Estudios Advision , Londres.
  Diciembre '73 hasta Enero '74.
  Tiempo de Estudio, reservas de Hotel y otras necesidades por nuestra secretaria Joanna y nuestro amigo Glen.
  diseño de portada producido por Cream.
  Diseño de edición en CD: Phil Smee en Waldo's Design
  Co-ordinación: David G. Hemmings
  Album dirigido por Pat Meehan Snr.

El grupo que grabó el séptimo LP de Gentle Giant se alejaba cada vez más del que había grabado su primer album cuatro años antes. Los cambios de personal no fueron demasiados pero la actitud de la música sí que era distinta. Ahora el grupo tenía el compromiso de hacer un album que vendiera bien. Su trabajo previo, "In a Glass House", pimero album para WWA no fue distribuido en USA debido a la negativa de CBS. Entonces algo curioso sucedió, el album se vendió importado de Inglaterra, algo poco usual pues cada disco valía el doble. Aun así llegaron a vender 150,000 de esas unidades importadas y eso sirvió para que Capitol aceptara publicar el siguiente album. Así que antes de grabarlo tenían ya el compromiso de hacer algo que se vendiera bien, incluso hubo un intento por hacerlos publicar un sencillo (la pieza que aparece como bonus) por primera vez, como lo cuenta Ray Shulman en una entrevista de 1976:


"WWA nos dijo: chicos, teneis que ser comerciales, teneis que editar sencillos, corred y escribíd uno para nosotros. Así que grabamos tres canciones atroces. Esta era la peor con diferencia -- ahi la teneis ! Fuimos al estudio y las entregamos a la salida. La pusieron, gritaron un poco, y nos la devolvieron -- la sacaron del mercado."


A la luz de esto se entiende que hicieran un album conceptual con más gancho que la visión personal de "In a Glass House", y el hecho de dedicarlo al mundo de la política justo el año en que el escándalo de Watergate alcanzaba su punto ´culminante puede parecer incluso un poco oportunista (Nixon fue obligado a dimitir un mes después de la publicación de este disco en USA y para entonces su famosa declaración: "I'm not a crook" era motivo de burla en todo el mundo, de ahi que muchos piensen que el disco habla en realidad del Watergate, algo que ellos siempre han negado). Sin embargo, en cuanto a lo musical no solo no dieron conseción alguna, sino que presentaron la música más angulosa y difícil hasta entonces, llena de ritmos sincopados, piezas imposibles de tocar sin contrar compaces, y siempre apoyando las letras de diferentes maneras. No en vano el 'crítico musical' Alan Niester lo describió en The Rolling Stone Record Guide como "el album más irritante, el menos escuchable de la banda". Visto asi y tomando en cuenta que el tema central del album más que la política viene a ser la hipocrecía como parte de la condición humana, creo que  sus idéas no podían expresarse de mejor manera, todo desde su persepectiva de un grupo de músicos veteranos viviendo en su casa de cristal que ahora eran presionados para convertirse en estrellas de rock y vender sus discos en masa.

¿Cómo hacer estrellas a un grupo de músicos que no era capáz ni de tirar una foto promocional decente?

La historia cuenta la vida de un político cualquiera, puede ser Jose María Aznar, puede ser Hugo Chavez, y su relación de codependencia con la gente. A medida que cambia de hacer promesas de cambio a establecer que "no puede haber cambio", la gente cambia también de vitorearlo a exigirle que se vaya. Así, el disco comienza con el rugido de una multitud (análogo al redoble que comienza en "Three Friends" y al ruido de cristales quebrados en "In a Glass House") tras el cual se abre paso el teclado de "Proclamation" donde el protagonista expresa sus buenas intenciones por medio de frases que se contradicen de un verso al siguiente mientras la multitud grita el motivo principal del disco: Hail to Power and to Glory's Way (en un pasaje abiertamente disonante). La segunda "So Sincere" establece la apreciación ambígua de la gente repitiendo la frase "cada palabra es tan sincera" enmedio de un ritmo verdaderamente obtuso que parece expresar todo lo contrario.

"Aspirations" hace referencia a las dos canciones anteriores (...make your claim realy so sincere), pero en lo musical después de los guitarrazos en 'So Sincere' los toques suaves del piano eléctrico y la voz dulce de Kerry Minnear contrastan llamativamente como si se tratara de personas distintas (el agresivo hombre público con el aspirante altruista) tras la cual el mismo personaje cambia completamente de opinión mostrando su intención de hacer lo que se tenga que hacer en "Playing the Game", que abre con el ritmo marcado por un xilófono y un sintetizador bajo para dar paso a la guitarra y a la melodía principal de la voz con la marca de la casa, el uso del contrapunto.

El lado B del vinilo comienza con "Cogs in Cogs" en la que las frases hacen círculos de diferente medida, como los engranes de una maquinaria. En la parte vocal una frase está en 6/4 y la otra en 15/8 de manera que los versos coinciden cada 60 notas (este dato lo saqué de la página para-oficial de GG, no soy lo bastante friky para ponerme a contar compaces). En la subsiguiente gira utilizaban esta canción para abrir sus conciertos, como por ejemplo el aparecido en el DVD "Giant on the Box".

Tras esto, en la historia la gente da la espalda al político quien tras justificar sus acciones en "No God's a man" (After all things are said no God's a man) convierte el incipiente orgullo de "Playing the Game" en la convicción de ser él y nadie más quien arregle lo que está mal en "The Face" (Time to confess, clean up the mess).

Finalmente "Valedictory" cierra el círculo, repitiendo las mismas notas de "Proclamation" pero de forma más agresiva con la guitarra eléctrica y un mensaje por completo opuesto. El disco termina con el sonido de una cinta que se sale del carrete, a pesar de todos los esfuerzos del personaje la situación está completamente fuera de control.





Aunque los créditos indican que se terminó de grabar en Enero de 1974 se sabe que estuvieron en los estudios en Mayo y Junio. El disco se publicó oficialmente hasta Septiembre, pero unas 20 mil copias ya se habían vendido en UK desde Julio sin permiso del grupo.

El disco se vendió bien aunque solo llegó a un modesto puesto 78 en la lista de Billboard de USA. El grupo entonces se embarcó nuevamente en una gira mundial ('el mundo' en ese entonces para los grupos de rock consistía en Europa Occidental y USA, excepconalmente incluyendo España y Canada), la cual incluyó una corta residencia en el Wiskey-a-Go-Go de Los Angeles en Octubre del '74. La gira abarcó desde principios de Octubre de 1974 hasta Marzo de 1975, siendo interrumpida solo hasta Abril para la grabación de "Free Hand".
 
Las letras completas pueden verse en este enlace

[Gil]

GENTLE GIANT
FREE HAND
Por Pantagruel

Músicos:
Gary Green
Kerry Minear
Derek Shulman
Ray Shulman
John Weathers

Todas las canciones compuestas por Ray y Derek Shulman y Kerry Minear

Grabado en Advision Studios, Londres, Abril '75
Ingeniero: Gary Martin asistido por Paul Northfield
Diseño de portada por Gentle Giant
Imagen por Richard Evans
Producido por Gentle Giant 

Canciones:
1.- Just The Same (5:34)
2.- On Reflection (5:41)
3.- Free Hand (6:14)
4.- Time To Kill (5:08)
5.- His Last Voyage (6:27)
6.- Talybont (2:43)
7.- Mobile (5:05)

Tras grabar el album anterior y su respectiva gira la relación del grupo con WWA que nunca fue satisfacoria del todo a pesar de haberles permitido grabar un par de buenos albums -"In a Glass House" y "The Power and the Glory"- se deterioró aún más. No sin problemas terminaron con ese contrato y como el único manager con quien alguna vez habían simpatizado era Terry Ellis de Jethro Tull con quien habían coincidido en una gira un par de años antes, hablaron con él y este los enchufó con Crysalis Records. Firmaron con ellos para UK y la distribución en USA se siguió haciendo a través de Capitol Records. Este es el origen del aire más optimista de las canciones, por primera vez la disquera les dejó manos libres para grabar el disco tanto en tiempo como en temática y ellos decidieron basar las canciones en su situación más inmediata con un lenguaje sencillo pero a la vez lo bastante ambiguo para que tuviera más de un nivel de lectura. Prácticamente todas las canciones del disco hablan de una u otra forma sobre situaciones de ruptura, pero leyéndolas con atención vemos que en realidad se refieren a la liberación que supuso dejar a su antiguo sello. La música también aparenta ser más amable, no porque tenga un tono más festivo o porque usen una menor profusión de contrapuntos en la composición o instrumentos en la ejecución o música menos compleja en general sino porque estos recursos son ahora usados con más mesura y parecen encajar de un modo más natural. Por ejemplo, en la pieza que abre el disco titulada "Just the Same" comienzan con chasquidos de los dedos en ambos altavoces de la mezcla en estéreo, pero al entrar el piano y la guitarra esos chasquidos se van desfasando de manera que cada verso es en realidad distinto del anterior y lo mismo pasa con el piano y la guitarra. Al final la música no es nunca "just the same". Esos chasquidos sirven además para abrir la siguiente canción "On Reflection". Esta expresión en inglés significa 'reflexionando' o 'pensándolo bien' pero por supuesto tiene la misma raíz del verbo reflejar. Para acentuar la segunda asepción usan una estructura que aparenta ser una ronda pero no lo es porque la primera voz no se repite por las demás voces en el mismo tono aunque sí tiene forma de canon. Y si esto fuera poco en "Talybont" agregan eco a los instrumentos como si fueran reflejos en un estanque y en "Free Hand" repiten los versos finales como si fueran reflejados en un espejo con el fin de enfatizarlos en cada estrofa. Y esto a su vez deriva en el sonido del ping pong electrónico (el primer videojuego de la historia) que abre la cara B del vinilo en "Time to Kill".     

Además de gran variedad de instrumentos acústicos ( guitarras, saxofones, violoncello, violín, xilófono, flauta dulce, etc. ) en "Free Hand" usan una variedad de sintetizadores analógicos y otras rarezas como el clavicordio que suena en "Talybont" o un harpa en "On Reflection". Y sin embargo los instrumentos eléctricos de rock son más prominentes que en los anteriores discos del grupo además que la batería tiene un beat mucho más marcado. Y hablando de emociones básicas ya me gustaría encontrarme a algunos ex-patrones o ex-novias para espetarles a la cara frases como:

"Now that my life's my own leaving you behind, leaving you behind
What ever made you think that I'd change my mind, THAT I'D CHANGE MY MIND!"

contrastado esto con canciones como "His Last Voyage", una de las canciones más tristes del progresivo sobe un pescador que no vuelve a puerto. A su vez contrastado con "Mobile", uno de los retos de Ray Shulman. John Weathers comenta: "Ray siempre llegaba con alguna canción y nos decía 'este sí es un reto'. Para "Mobile" nos trajo una demo que se escuchaba imposible de tocar, así que el primer paso fue averiguar cómo cojones hacerlo". Esta canción nunca fue tocada en vivo probablemente por esta razón pero para las que terminaron siendo más populares, "Free Hand" "On Reflection" y "Just the Same" tuvieron que escribir arreglos que les permitieran tocar mientras cantaban, lo que puede atestiguarse en algunos bonus tracks de ciertas ediciones.

Y ya que hablamos de eso este es un álbum que a pesar de ser de los mejores valorados por sus fans las ediciones existentes nunca le han hecho plena justicia. Hay de hecho una, la primera en CD de One Way Records que fue retirada del mercado ante las numerosas quejas. Las ediciones mejor valoradas en CD son la de Terrapin Trucking y la más reciente japonesa en SHM. Hay también una edición reciente en DVD de EMI con la mezcla quadrafónica que se creía perdida, mezclada en Canadá por Paul Northfiled, el mismo ingeniero de los álbumes de Rush.

"Free Hand" terminó siendo el album que escaló más alto en las listas de USA llegando al puesto 48. El contrato con Chrysalis continuó por varios años más en los que grabaron los siguientes cuatro discos de estudio y uno en directo.

[Edu Senogul]

Gentle Giant – Interview (1976)

01 – Interview
02 – Give it back
03 – Design
04 – Another show
05 – Empty city
06 – Timing
07 – I lost my head

John Weathers: drums
Derek Shulman: vocals, saxes
Ray Shulman: bass, violin
Gary Green: guitars
Kerry Minnear: keyboards

 Alrededor de diez meses separan esta nueva producción discográfica de Gentle Giant de su inmediato predecesor, Free hand. Y aquí, con este álbum, se evidencia muy bien la propia evolución llevada a cabo por los grupos de rock progresivo en la segunda mitad de la década de los 70, con respecto a su estilo años atrás. En líneas generales, las extensas composiciones pasan a abreviarse, enfatizándose el componente más rítmico en detrimento de las secciones más atmosféricas o envolventes. Hay un mayor peso del carácter jazz-rockero de base consistente en el resultado final. Esto se evidenciará, también (y a su modo), en un grupo tan poco al uso como Gentle Giant. A partir de In a glass house (1973), y, sobre todo, con The power and the glory (1974), estos elementos se volvieron predominantes, perfilando su muy merecida fama de música altamente compleja a nivel interpretativa, con multitud de líneas en actitud contrapuntística (no sólo mostrando un alto grado de destreza instrumental y vocal, sino también en el aspecto de la alternancia tímbrica o de combinación de diferentes métricas).

 El motor estructural del disco resulta ser los diferentes extractos de una entrevista realizada al grupo por el periodista Phil Sutcliffe, utilizando algunas de sus preguntas como introducción a determinadas piezas (como en el caso de “Design”, al que le antecede una superposición de diferentes respuestas del grupo en una especie de contrapunto hablado ante la inevitable pregunta “¿Cómo definiríais vuestro estilo?”). Gran parte de las letras, además, tratan aspectos relacionados con el mundo de la prensa, los conciertos o el mercado discográfico, por lo que este motivo conductor resulta más que apropiado. Las intervenciones del periodista coinciden con el inicio del disco (presentación), dos puntos intermedios (comentarios en relación a la crítica y el aspecto estilístico) y la conclusión (despedida).



 Interview suele estar considerado un trabajo realizado a la sombra de Free hand, sobre todo teniendo en cuenta que sigue insistiendo en fórmulas ya muy explotadas en otras obras, tales como su alta paronamización de secuencias en juego contrapuntístico, unificadas por los sencillos (aparentemente) patrones percusivos de Weathers y los registros agresivos de las líneas vocales de Shulman, que en ocasiones parecen estar ligeramente fuera de tono. Esto se puede comprobar muy bien en la construcción del tema homónimo, que también presenta matices más propios del rock americano de finales de los 70 (con su contundencia en las guitarras y los revistimientos épicos de los teclados). En la re-edición del 35 aniversario se incluye, como bonus track, una versión en directo de esta pieza ¿Alguien la ha escuchado?

 “Give it back” es el registro más comercial del álbum, con esos pequeños guiños al reggae y a la new wave que, de alguna manera, se verán más desarrollados en su siguiente trabajo de estudio. A destacar aquí la interacción de las pequeñas secuencias instrumentales (con destacados colores propiciados por instrumentos de pequeña percusión y diversos efectos de la guitarra). Tampoco podían faltar los desarrollos vocales tan característicos de la banda. El tema estrella del disco, en ese sentido, es “Design”, el cual se basa en la facilidad y permeabilidad para realizar variaciones corales y canónicas sobre diferentes motivos. Está complementado con un intrincado trabajo de acompañamiento a base de percusiones diversas.

 El inicio directo de “Another show” me remite al espíritu de “Cogs in cogs” (The Power and the glory), plagado de pasajes de gran intensidad y de registros expresivos de breve duración, sin casi concesión al oyente. “Empty city”, por su parte, me resulta una de las piezas más redondas y equilibradas del álbum, con su inicio acústico y su posterior tono rock de oscura sobriedad. Con “Timing” y “I lost my head”, la recta final del disco, se insiste en esa línea eminentemente rockera, con largos riffs de matiz algo funk, interludios más folkies y la alternancia de los registros vocales desgarradores de Shulman y los más dulcificados de Minnear.

 Creo que, en cierto sentido, con este álbum se reflejan muy notoriamente todos aquellos parámetros que marcaron, en primer lugar, la confirmación estilística de Gentle Giant como uno de los discursos más originales y versátiles de la escena progresiva británica, y en segundo, su camino hacia una mayor estandarización en su sonido (algo que ya venía, en cierto modo, de atrás), lo que fue produciendo desiguales resultados en posteriores entregas discográficas. Irremediablemente, le tengo mucho cariño a este disco. Lo compré en la tienda “Melocotón” de Madrid, la mañana del día en que Yes tocaron en el Conde Duque. Allí conocí, por primera vez, a gente de La Caja De Música y, en aquel momento, ver una tienda con tantos discos de los 70 como “Melocotón” me dejó boquiabierto. Mi ejemplar es la edición conjunta con Free hand.



Un abrazo para todos.
Edu

[Hoodoo Man]

Playing the Fool

LISTADO DE TEMAS:
01. Just The Same / Proclamation (11:13)
02. On Reflection (6:24)
03. Excerpts From Octopus (15:35)
04. Funny Ways (8:35)
05. The Runaway / Experience (9:31)
06. So Sincere (10:22)
07. Free Hand (7:40)
08. Sweet Georgia Brown (Breakdown in Brussels) (1:15)
09. Peel The Paint / I Lost My Head (7:35)

FECHAS Y LUGARES:
*  Intro - Düsseldorf, 23 SEP 1976
* Just the Same - Düsseldorf, 23 SEP 1976
* Proclamation - Düsseldorf, 23 SEP 1976
* On Reflection - Düsseldorf, 23 SEP 1976
* Excerpts From Octopus - Paris, 5 OCT 1976
* Funny Ways - Munich 25 SEP 1976
* The Runaway/Experience - Paris, 5 OCT 1976
* So Sincere - Paris, 5 OCT 1976
* Free Hand - Brussels, 7 OCT 1976
* Sweet Georgia Brown - Brussels, 7 OCT 1976
* Peel the Paint/I Lost My Head - Paris, 5 OCT 1976

MUSICOS:
Gary Green – Guitarra eléctrica, guitarra acústica, guitarra de 12 cuerdas, voces, percusión
Kerry Minnear - Teclados, Violoncelo, Vibráfono, voces, percusión
Derek Shulman - Voces, saxo alto, bajo, percusión
Ray Shulman - Bajo, violín, guitarra acústica, trompeta, voces, percusión
John Weathers – Batería, vibráfono, tambor, voces, percusión



  Cuando empezaba a comprar música, hace ya bastantes años, recuerdo que prefería las grabaciones en estudio. Mi idea era que en el estudio se lograba una mayor perfección en el sonido y en la interpretación musical. Hasta cierto punto esto es cierto, pero hoy aprecio los discos en vivo por lo que son, la expresión de los músicos en su hábitat natural.
   Tal vez Playing the Fool no sea tan conocido como otros grandes discos en directo de los 70 y a pesar de que cuando se publicó no tuvo mucha aceptación, no me cabe la menor duda de que está entre los mejores discos de la época. Y tanto la calidad del sonido  como la actuación del grupo (que son casi perfectas) son testigos de ello.
  Este disco se grabó durante una gira por Europa, tras la publicación de interview, entre los meses de septiembre y octubre del 76 y es una muestra de lo que Gentle Giant eran capaces de hacer en escena.
 La aclaración OFFICIAL LIVE ALBUM se debía a la existencia de un disco pirata de gran circulación entre los fans, con el mismo nombre.

Gentle Giant

 



  El tema que abre el álbum y el primer disco es una combinación de Just The Same/Proclamation, pertenecientes a los álbumes Free Hand y The Power & The Glory respectivamente. La coordinación resulta perfecta, como es habitual en Gentle Giant, y el virtuosismo de los músicos resulta más patente aún al tratarse de una grabación en directo. On Reflection nos introduce en un ambiente más bucólico y medieval, tan del gusto de la banda. Los juegos vocales acompañados de vibráfonos y teclados se componen de cuatro voces, cada una con una melodía y una letra diferente, a las que luego se suman cuatro instrumentos, siguiendo cada uno a una de las voces, y resultando lo más interesante de este tema del álbum Free Hand.
  La explosión musical con que comienza el tercer tema, Excerpts from Octopus, da paso a uno de los momentos más grandiosos del disco. Destilando más fuerza y garra aún que en el propio Octopus, con el grupo dando lo máximo de si mismos y con preciosas improvisaciones llenas de matices.
  Llegamos al final del primer disco con Funny Ways, belleza y dulzura extraída del  primer trabajo, en la que tan poco faltan momentos del más puro jazz rock.
  El segundo disco comienza con The Runaway, donde escuchamos el característico sonido de vidrios rotos del álbum In a Glass House, buen rock para continuar después con Experience, también del mismo álbum y también con un sonido más orientado al hard rock. En So sincere la banda se luce al completo y continúa mostrándonos su cara más fuerte tras un titubeante comienzo a dúo interpretado por la voz y el cello. Destacan especialmente los magníficos solos de Gary Green (guitarra) y John Weathers (batería) tan típicos de los conciertos de la época.  La interpretación de Free Hand sigue mostrándonos un segundo disco bastante más enérgico que el primero. Sweet Georgia Brown supone una alegre y divertida interpretación a cargo del violín de Ray Shulman. Y para finalizar el álbum (y probablemente la gran mayoría de los conciertos de aquel año) un medley de Peel The Paint / I Lost My Head, el broche final y una de las mejores canciones compuestas por la banda a lo largo de su dilatada carrera. Un disco para escuchar y disfrutar del buen hacer de estos músicos, que no debería faltar en ninguna discografía que se precie.
 
 
 

I Lost My Head, 1976

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Más información del disco en http://www.blazemonger.com/GG/Playing_the_Fool:_The_Official_Live#About_the_Album


Saludos y disculpas por el retraso. 
Hoodoo Man

[Edu Senogul]

Gentle Giant – The missing piece (1977)



01 – Two weeks in Spain
02 – I'm turning around
03 – Betcha thought we couldn't do it
04 – Who do you think you are?
05 – Mountain time
06 – As old as you're young
07 – Memories of old days
08 – Winning
09 – For nobody

John Weathers: drums
Derek Shulman: vocals, saxes
Ray Shulman: bass, violin
Gary Green: guitars
Kerry Minnear: keyboards

 The missing piece, como su propio título parece sugerir, marca un significativo cambio en el cual ciertos elementos estilísticos se quedan atrás. Las concesiones a la comercialidad, ya presentes en algunas piezas de Interview (como “Give it back”) se concretan de forma más palpable. La música de Gentle Giant se simplifica en el aspecto estructural y a nivel instrumental se opta por una menor versatilidad tímbrica, sin salirse prácticamente de la instrumentación del rock (algo que ya se estaba perfilando también en anteriores entregas). Sin embargo, también hay una evolución en el enfoque compositivo de las piezas con respecto a Interview y en el que, en mi opinión, el grupo sale más airoso. Gentle Giant opta aquí por presentar 9 piezas orientadas a los nuevos ritmos y estilos que se cultivaban dentro del rock de la época, conservando varios de sus reconocibles rasgos estilísticos pero implicados en una escritura que avanza nuevos caminos “menos progresivos” (entendidos en su forma clásica) y que se define mejor, para mi gusto, que en Interview (me pregunto cómo habría resultado un disco que concentrase lo mejor de los dos álbumes  ).



Single "I'm turning around"/"Just the same (live)" - Netherlands - Chrysalis Records
 
 Por otro lado, siempre he encontrado ciertas analogías entre The missing piece y ...And then there were three, dentro de la trayectoria discográfica de Genesis. Conservan ambos un buen sonido, siendo de cronología muy cercana, con la presencia aún de varias de las pautas estilísticas personales de los grupos y una escritura más orientada al perfil radiofónico. Por ello, ambos discos suelen despertar relaciones contradictorias de amor-odio, en las que se percibe cierto potencial musical pero que da la impresión de que no ha sido desarrollado en su plenitud. En el caso de The missing piece, creo que se esconden aún momentos muy interesantes y resultones dentro del discurso de la banda, aunque realizados de una manera muy diferente. De los tres álbumes tradicionalmente más denostados de la discografía en estudio de Gentle Giant (éste y los dos siguientes), The missing piece me resulta el más dinámico y agraciado, frente a la mayor estandarización rockera y mediocridad compositiva de Giant for a day. Con Civilian, los cambios y el espíritu de renovación fueron más notables, mostrando nuevas facetas de la banda en las que no parecían encontrarse nada incómodos. Pero esa será otra historia sobre la que escribiremos otro día (concretamente dentro de dos semanas  ).



Single "I'm turning around"/"Just the same (live)" - Germany - Chrysalis Records

 “Two weeks in Spain”, “As old as you're young” y “For nobody” son, fácilmente tres de los pilares fuertes de este álbum y en los que se condensa a la perfección la fórmula renovada del grupo. Se apuesta por una mayor contundencia rítmica, sobre todo en los patrones de la batería, aunque una atenta escucha nos advierte del movimiento constante de los registros graves en los teclados de Minnear; se conservan también guiños a las secciones contrapuntísticas instrumentales de antaño, con un fuerte peso de las secuencias reminiscentes de la música medieval (como en “As old as you're young”, única pieza en la que aparece la suave y característica voz de Minnear en un rol solista, siendo contrastada en la recta final de la pieza por el propio Shulman). Hay una menor presencia de las interacciones vocales, aunque todavía aparecen en algún tema, ya sea a modo de canon (en la ya mencionada “As old as you're young”) o a través de pequeñas intervenciones corales (“For nobody”). “Two weeks in Spain” se convirtió en una de las grandes tarjetas de presentación del álbum, con su presencia en varios singles comercializados por toda Europa (en España apareció junto a “I'm turning around”), y cercano en maneras al estilo pegadizo del single de 1974 “The power and the glory”.



Single "Mountain time"/"Another show" - Germany - Chrysalis Records

 “Betcha thought we couldn't do it”, “Who do you think you are?”, “Mountain time” y “Winning” presentan una nueva vertiente del grupo, en la que el peso del rock es más evidente, con influencias del funk (en la base rítmica), el blues (en los fraseos de la guitarra) y la “New Wave” (muy patente en los desarrollos de “Winning”, el cual se inicia con un pequeño solo percusivo que recuerda ligeramente al principio del álbum In a glass house). En estas piezas, algunas más resultonas que otras, reside gran parte de la evolución que cristalizaría en su siguiente publicación. Sin embargo, tampoco resulta tan chocante encontrarse con una pieza tan primitiva y contundente como “Betcha thought we couldn't do it” (con un título sumamente provocativo), teniendo en cuenta, por ejemplo, las formas radicales con las que arrancan durante la primera mitad de “Way of life” (tercera pieza de In a glass house). “Mountain time” también fue otro de los singles más populares del álbum.

 Dejo para el final dos de mis piezas favoritas del álbum las cuales, a pesar de sus evidentes diferencias, resumen muy bien los polos opuestos que conviven dentro del álbum: “I'm turning around” es una bonita balada que nos presenta un sorprendente registro de Gentle Giant. El tratamiento armónico tiene algunos giros que me recuerdan a algunos artistas de la Motown, aunque también me vienen a la cabeza algunas de las creaciones más líricas e intimistas del Duke de Genesis, sobre todo a través de los pianos y la expresiva interpretación de Shulman, que demuestra defenderse muy bien en este tipo de piezas. Creo que podría resultar un buen ejemplo de lo que supone hacer una acertada canción con potencial comerciable. Por otro lado, “Memories of old days” es la pieza más larga del álbum, y la que siempre se ha asociado más a anteriores etapas del grupo (en simbolismo con su título). Efectivamente, aquí se muestra un trabajo muy enriquecedor en cuanto a composición e instrumentación, resultando un tema con mucho carácter acústico y un denso entramado armónico que se va generando in crescendo. Aunque mucha gente rescata de la quema únicamente esta pieza, yo la pongo en igualdad de condiciones como pieza esencial para valorar, comprender y disfrutar de este trabajo, junto a “I'm turning around” (de planteamientos diametralmente opuestos al tema anterior). Así, os invito a que escuchéis sin prejuicios un álbum que, sin suponer ningún cambio significativo en el rumbo estético de la música popular de los 70 o del rock progresivo, refleja un inteligente y agradable exponente de la conciliación del rock ambicioso y el espíritu comercial.



Un abrazo para todos 
Eduardo G. Salueña

[Davol]

GIANT FOR A DAY
Por Pantagruel

Musicos
Gary Green - Guitarras, vocales
Kerry Minnear - Vocales, teclados
Derek Shulman - Vocales
Ray Shulman - Bajo, vocales
John Weathers - Vocales, tambores

Todas las canciones compuestas por Ray, Derek y Kerry
excepto "Friends" escrita por John
y "Take Me" letras co-escritas por John y Derek
Publicado por Alucard Pub. Ltd./Chrysalis Music Ltd.

Producción de Gentle Giant
Ingeniero de sonido Paul Northfield en Ramport Studios, Battersea
asistido por Neil.
Maison Rouge, Fulham.
Scorpio Sound Studios, Euston
asistido por Steve.
Remix en Scorpio Sound Studios.
Grabado entre Abril y Mayo de 1978.
Copyright Alucard/Friday Music.

Concepto de portada: Ray, Tanner, Eve y Pils Lager
Illustration: Peter Owen
Fotos de contraportada: Gered Mankowitz
Equipo: Michael Ambrose
Guitarras acústicas courtesía de Norman Guitars, Quebec, Canada.

Temas:
1.- Words From The Wise (4:10)
2.- Thank You (4:45)
3.- Giant For A Day (song) (3:45)
4.- Spooky Boogie (3:31)
5.- Take Me (2:45)
6.- Little Brown Bag (3:32)
7.- Friends (1:58)
8.- No Stranger (2:27)
9.- It's Only Goodbye (4:16)
10.- Rock Climber (3:50)

Un año antes el grupo había cedido a las presiones de producir música más comercial con relativo éxito por lo que intentaron repetir la fórmula, solo que esto no resultó tan fácil esta vez. Cambiaron su imágen, se cortaron el pelo e intentaron promocionarlo con los seguidores del rock AOR en USA, pero tuvieron que pasar por el trago de ver fracasar este disco para darse cuenta que producir una canción con gancho no bastaba con repetir un estribillo de manera casi neurótica (la frase del título se repite 15 veces en "Words from the Wise", 11 en "Thank You" y 36 en "Giant for a Day"). Da la impresión de que una vez deshechando su manera de componer en anteriores discos más bien intentaron hacer lo opuesto, simplificando la estructura de las canciones al máximo, dejando atrás casi todos los instrumentos acústicos y casi cualquier atisbo de virtuosismo.

Y aunque algunas canciones no están tan mal y alguna promoción recibieron el asunto no pareció levantar tras la gira que pasó sin pena ni gloria y a punto estuvo de provocar el cierre definitivo de la banda. "Words from the Wise" fue radiada en USA y México y la única canción donde se aprecia algunas armonías ingeniosas como antaño es en "Giant for a Day", aunque arruinada por el arreglo New Wave que indicaba al tipo de público al que iba dirigido, publico para quienes Gentle Giant no eran más que unos advenidizos. Fuera de éstas dos solo cabe destacar "Friends", una canción muy corta que fue la única contribución de John Weathers a la composición en su carrera con el grupo. Realmente no vale la pena analizar en detalle el resto del disco, incluso la portada parece ahora una mala broma sin demasiada gracia. Los fans actuales de su música lo consideran en gran medida uno de sus peores discos pero la gente de la época, sobre todo en UK, simplemente lo ignoraron.

Tras la gira tardaron tres años en hacer un nuevo intento en esta vena con "Civilian" y sin quererlo se puede decir que de algún modo fueron también pioneros en este aspecto. Para 1980 prácticamente todos los grupos de los '70s habían pasado por el aro intentando generar un éxito comercial con surerte diversa.

[Edu Senogul]

Gentle Giant – Civilian (1980)



01 – Convenience (clean and easy)
02 – All through the night
03 – Shadows on the street
04 – Number one
05 – Underground
06 – I am a camera
07 – Inside out
08 – It's not imagination
09 – Heroes no more (bonus track)

Derek Shulman: vocals
Ray Shulman: bass, acoustic guitar, backing vocals
Kerry Minnear: keyboards, vocals
Gary Green: guitar
John Weathers: drums, backing vocals

 Con Civilian llegó el cierre de la discografía oficial en estudio del grupo Gentle Giant, lo que coincide a su vez con la conclusión de la década de los 70 (1979 como año de grabación y 1980 de edición). Y es que, a su manera, en cada álbum el grupo supo simbolizar muy bien el eclecticismo y la evolución llevada a cabo dentro del panorama del rock en los años 70. Denostado por muchos, Civilian supone un paso adelante en la puesta en firme llevada a cabo por las entregas anteriores de la agrupación (The missing piece y Giant for a day, sobre todo este último). Poco queda ya del rastro de su propuesta inicial, aunque sí persisten algunos elementos ya reconocibles y asociados a la peculiar personalidad del grupo, como una indiscutible marca de la casa (caso de la riqueza en las armonías vocales, la teatralidad lírica de Shulman y los contrapuntos instrumentales, muchas veces homogeneizados en bases rítmicas sencillas). Ya no aparecen instrumentos ajenos a la sección principal del rock. Ni violines, ni saxos, ni trompetas, ni vibráfonos. Sólo guitarra, bajo, teclado y batería.

 La raíz de Civilian se asemeja mucho al sonido de rock americano, como ya cultivaron en Giant for a day (con un acento más cercano al folk en ocasiones), aunque en este caso hay una presencia más consistente de Minnear y una vertiente más oscura en la composición que le aporta un carácter muy particular (aquí fue decisivo el papel y el enfoque de su productor Lee Abrams “Onward US”, toda una referencia en la industria musical del rock del momento). Las primeras piezas comercializadas del disco fueron la contundente “Convenience (clean and easy)”, aderezada con unas rápidas y futuristas secuencias de sintetizadores; “All through the night”, con un sabor radiofónico accesible y unos riffs muy pegadizos, y “Underground”, que se inicia con el sonido del metro (en el que uno ya evoca las inexpresivas figuras de la portada del disco) y que fluctúa con ritmos ligeramente disco (algo que siempre estuvo presente, de alguna forma, en los juegos rítmicos del grupo). Las tres aparecieron combinadas en diferentes singles de la época.


Single publicado en Alemania en 1980 (Chrysalis Records)

 Uno de los momentos más interesantes del álbum es la balada “Shadows on the street”, la cual aparece conectada de forma muy elegante con la cola de la pieza anterior “All through the night”. En dicha pieza, el peso de Minnear es decisivo, no sólo en los pianos (en una línea muy clásica) sino también en los arreglos vocales, consiguiendo uno de sus registros más expresivos. Asímismo, “Inside out” constituye otro de los puntos fuertes del álbum, un tema que va ganando en tensión dramática a medida que se va desarrollando gracias a unas atmósferas muy minimalistas y a los juegos vocales tan característicos de la banda (que brillan con especial intensidad en el segmento final). La voz de Derek Shulman se adapta con mucha naturalidad a estos nuevos registros, con tintes más modernistas. “Number one” puede ser otro buen ejemplo de la versatilidad y la fuerza de los registros de Shulman. Una de las canciones más rockeras del disco, junto con “All through the night”, y que presenta un muy buen equilibrio entre todos los elementos, además de resolver la pieza con clase y estilo. Resulta ser una de las favoritas de John Weathers, quien se refiere a ella como una de las mejores piezas que ha grabado el grupo (como se refleja en la web www.blazemonger.com). Gentle Giant parece encontrarse muy cómodo en este formato, y es algo que se refleja a lo largo de todo el álbum (recordándome en algunos momentos a pasajes del trabajo debut de Asia).



“I am a camera” comienza de una forma original, a partir de una entrada de compás de 4/4 realizada con sonidos de cámara fotográfica (1, 2, 1234), lo que conecta (en cierta manera) con el gusto del grupo por las secuencias rítmicas elaboradas a partir de sonidos no musicales. El desarrollo posterior del tema, muy alegre y dinámico, me recuerda a Supertramp o al Yes de los 80. La conclusión del álbum, salvando el bonus-track “Heroes no more” rescatado de las sesiones originales (presente en las ediciones del disco en CD), tiene lugar con “It's not imagination”, un tema movidito que me recuerda al cierre de The missing piece, aunque mucho menos efectivo. Como nota curiosa, al final del disco, y tras unos segundos, se puede escuchar la frase That's all there is construida con diferentes momentos aparecidos en el álbum:

I'm your security, that's what they say (de "I am a camera", 1:38).
All through the night" (del estribillo de "All through the night").
Now they're mine no more (de "Heroes no more", 1:29).
Everything is spinning 'round (de "Inside out", 4:27).
       
 En resumen, creo que se trata de una entrega equilibrada y muy acorde con el devenir estilístico del momento. Un trabajo agradable a descubrir y disfrutar que, sin suponer ningún pilar esencial ni novedoso en el panorama musical, supone una entrega fresca y hecha con buen gusto.



Un abrazo.
Eduardo G. Salueña