Autor Tema: Discografía de Rush  (Leído 22712 veces)

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Discografía de Rush
« en: 01 de Abril de 2016, 09:38:16 am »
Hilo oficial de todas las revisiones de los discos publicados por Rush. Para realizar comentarios hay que entrar en los hilos creados para cada una de ellos.

Primera Etapa (sector 1)
1974   Rush  MrBrain  01/04/2016
1975   Fly by Night  Edusenogul 08/04/2016
1975   Caress of Steel   zappamacias  15/04/2016
1976   2112 Hemispheres 22/04/2016
1976   All the World's a Stage  icrp1961 29/04/2016

Segunda Etapa (sector 2)
1977   A Farewell to Kings Hemispheres  06/05/2016
1978   Hemispheres Hemispheres  13/05/2016
1980   Permanent Waves  Hemispheres  20/05/2016 
1981   Moving Pictures  Mountain 27/05/2016 
1981   Exit...Stage Left  icrp1961   03/06/2016

Tercera etapa (sector 3)
1982   Signals  Nostromo   10/06/2016
1984   Grace Under Pressure  Ubik  17/06/2016
2006   Grace Under Pressure Tour  zappamacias  24/06/2016
1985   Power Windows   Sahagún 01/07/2016
1987   Hold Your Fire   Sahagún 08/07/2016
1989   A Show of Hands  icrp1961 15/07/2016

Cuarta etapa
1989   Presto  Patata_s  22/07/2016
1991   Roll the Bones  zappamacias 29/07/2016
1993   Counterparts  zappamacias  05/08/2016
1996   Test for Echo  Sin reseña  12/08/2016
1998   Different Stages  icrp1961 19/08/2016

Quinta etapa
2002   Vapor Trails  Pantagruel 26/08/2016
2003   Rush in Rio  Enrique  02/09/2016
2004   Feedback [E.P.]  Pantagruel  09/09/2016
2005   R30: 30th Anniversary World Tour  Sin reseña  23/05/2018
2007   Snakes & Arrows  Pantagruel  23/09/2016
2008   Snakes & Arrows Live  zappamacias  30/09/2016
2011   Time Machine: Live In Cleveland icrp1961  20/05/2018
2012   Clockwork Angels  Pantagruel  14/10/2016
2013   Clockwork Angels Tour  zappamacias 
2015   R40 Live  Sahagún  23/05/2018



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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #1 en: 02 de Abril de 2016, 11:29:26 am »
RUSH – RUSH (1974)


1. Finding My Way (5:06)
2. Need Some Love (2:19)
3. Take A Friend (4:24)
4. Here Again (7:35)
5. What You're Doing (4:22)
6. In The Mood (3:34)
7. Before and After (5:34)
8. Working Man (7:10)

Geddy Lee – Bajo y voz principal
Alex Lifeson – Guitarras y coros
John Rutsey – Batería y coros

•   Todos los temas compuestos por Alex Lifeson y Geddy Lee, excepto “In the mood” compuesto por Geddy Lee.
•   Productor: Terry Brown
•   Diseño de la portada: Paul Weldon
•   Moon Records, Marzo de 1974 ·  Mercury/Polygram, 10 de agosto de 1974

Durante los meses de marzo y abril de 1973 el grupo se encierra en Eastern Sound Studios para grabar el que sería su primer L.P., siendo el productor de estas grabaciones Dave Stock. Las canciones que iban a incluir este primer disco eran:
-   Not Fade Away
-   You Can’t Fight It
-   In the Mood
-   Take a Friend
-   What You’re Doing
-   Before and After
-   Working Man

Las letras de todos estos temas habían sido escritas en su día por John Rutsey, pero en el último momento renegó de las mismas, por lo que todas ellas tuvieron que ser reescritas de forma apresurada por Geddy Lee. Además de estas siete canciones se grabó otro tema, pero ni Alex Lifeson ni Geddy Lee recuerdan cual fue, y en cualquier caso, finalmente se desechó para su grabación final y publicación.

Sin embargo, una vez grabados todos los temas se encontraron con un grave problema y es que a pesar de los grandes esfuerzos de Ray Danniels para vender el disco a alguna discográfica, ninguna estaba interesada en publicarlo. Lo máximo que les ofrecían era publicar varios singles, y si se vendían bien ya les publicarían un disco completo. Sin embargo, esta no era la idea que ellos tenían por lo que declinaron todas las ofertas recibidas en ese sentido.
Finalmente, y ante la falta de respuesta, Ray Danniels decidió vender su agencia de representación (además de Rush, tenía en su cartera a otros artistas locales, y particularmente había obtenido éxito con un grupo que se dedicaba a versionear a los Beatles), y con ese dinero montó su propio sello discográfico Moon Records en el que se publicaría el primer disco de Rush, si bien previamente publican el 31 de agosto de 1973 un single cuya Cara A sería “Not Fade Away”, una versión que los canadienses harían de un tema de Buddy Holly, y que ya habían versionado The Rolling Stones en 1964. Se trata de un típico tema de rock and roll, que en esta nueva versión de Rush, pasa por el tamiz de sus fuertes influencias de ledzeppelianas, empezando por la forma de cantar de Geddy Lee, que lo hace imitando sin tapujos a Robert Plant. La segunda cara de este sencillo la ocupa  “You Can’t Fight It”, canción compuesta por Geddy Lee y John Rutsey y que se convierte en la primera grabación oficial de un tema propio de Rush. “You Can’t Fight It” es un boogie rock compuesto probablemente en 1971 y que era una pieza habitual en la segunda parte de sus conciertos en pubs y bares, pero que en su versión final se le nota la influencia reciente del hard rock que tanto escuchaban últimamente y en particular de Led Zeppelin. El motivo por el que fueron elegidos estas dos canciones es que su duración, que rondaba los tres minutos, era perfecta para que fueran pinchados en la radio. Finalmente llegaron a un acuerdo para su distribución con London Records, con una tirada de 1.000 ejemplares, pero el single apenas fue radiado y se colocó en el puesto 99 del Canadian Top 100 singles chart…


Por otra parte, los tres componentes no estaban contentos con el resultado de sus sesiones de grabación de marzo, por lo que en noviembre de ese mismo año se meten de nuevo en los estudios, en este caso Toronto Sound, y encargan a Terry Brown la  remezcla y regrabación de sus canciones, convirtiéndose desde ese momento en su productor que les iba a acompañar durante más de 10 años y en la grabación de los discos más importantes de su carrera discográfica. Finalmente regraban los temas “What You’re Doing”, “Before and After” y “Working Man”, pero desechan los dos temas que se habían publicado en su primer single, dado su escaso éxito, y el otro tema desconocido, y en su lugar se graban tres nuevos temas: “Finding My Way”, “Need Some Love” y “Here Again”.

Aunque la idea era publicar su primer disco en diciembre de ese mismo, finalmente se retrasa y se publica oficialmente el 1 de marzo de 1974 en Moon Records.

Una vez editado oficialmente, el grupo empieza a promocionarlo mediante sus habituales conciertos en los pubs locales. Y probablemente de aquí no hubieran pasado, si no llega a ser porque este primer disco llegó a las manos de Donna Halper, una DJ de una radio local de  Cleveland, y que quedó fascinada con el disco y en particular con el tema “Working man”, un tema que pinchó mucho pues se identificaba con toda la clase obrera de Cleveland. El caso es que  este tema fue todo un éxito y raíz del mismo Rush empezado a ser conocido, primero en Cleveland y luego en el resto de los Estados Unidos. Halper se pone en contacto directamente con Danniels y su socio Vic Wilson, y les informa que el disco está siendo todo un éxito en Cleveland y les pide que les envíe una caja con ejemplares del disco, siendo ella misma la encargada de ponerlos a disposición de una tienda de discos local, que los vendió todos en un solo día.


Rush con Donna Halper

Todo esto ocurre en abril de 1974, y tan sólo dos meses después, llega a manos de Cliff Burnstein, empleado  de Mercury Records, una copia del disco con una nota que decía que el grupo estaba buscando un sello discográfico en EEUU. Éste, tras escuchar el disco, consigue que ese mismo día los directivos de Mercury Records le den su aprobación para firmar un contrato Rush, de modo que el disco se publicó finalmente el 10 de agosto de 1974 bajo este sello, y cuatro días después el grupo iniciaría su gira por los Estados Unidos. Como curiosidad señalar que la portada del disco difería en ambas ediciones, pues en la portada original de Moon Records la tipografía de las letras era de color rojo o granate, mientras que en la posterior de Mercury Records se cambian a rosa, y así se mantendría para siempre en las  sucesivas ediciones.


El disco se inicia con “Finding my way”, en la que lo primero que escuchamos es un riff de guitarra electrizante que va in crescendo y que termina con Oh yeah! en uno de los tonos más agudos que ha cantado Geddy Lee. Creo que no hay mejor manera de comenzar un disco que con este canción, que es una perfecta carta de presentación de lo que en ese momento significaba Rush: riffs contundentes, estribillos pegadizos, en definitiva, tema que constituían auténticos latigazos de rock and roll. “Finding my way” es una de mis canciones favoritas de Rush, fue lo primero que escuche de ellos a través del recopilatorio Chronicles, que me dejó un amigo en tiempos de la Universidad (nunca te estaré lo suficientemente agradecido, Hugo), y recuerdo que escuchar ese riff inicial me dejó boquiabierto, llegué a estar completamente  obsesionado con estos primeros discos de Rush, y esa mezcla de hard rock y toques progresivos.

Luego vendrían “Need Some Love” y “Take A Friend” un par de canciones en los que Rush demuestran sin tapujos su amor incondicional a Led Zeppelin. Con “Here Again” demuestran que Rush también sabe tocar lento, y es que esta pieza de más de 7 minutos (la más larga del disco) es un magnífico ejemplo de blues rock, con un Alex Lifeson soberbio en su sólo de guitarra de la parte final del disco, demostrando que no tenía nada que envidiar a los  grandes guitarristas del momento. Se trata, sin duda de uno de los grandes momentos del disco, y es muy difícil no estremecerse ante tanta maestría. El disco continúa con “What You're Doing”, otra pieza que recuerda a los primeros Led Zeppelin, en su vertiente más Heavy Psych (toma ya…), y prosigue con “In The Mood”, probablemente la canción más antigua del disco (probablemente en 1970), a la que el grupo le tiene mucho cariño, y que prácticamente  ha tocado en todas sus giras.

El disco concluye con sus dos temas más “complejos”: por una parte “Before and after” que empieza con un desarrollo instrumental lento y misterioso de casi 3 minutos que desemboca en una pieza hard rock de clara inspiración zeppeliana. Y con esto llegamos a “Working Man”, compuesta en el verano de 1971, y que es probablemente el mejor tema de todo el disco y que les abrió las puertas del éxito, una canción caracterizada por un riff contundente y pesado, y cuya letra hace referencia a la triste vida del trabajador que dedica todas sus horas al trabajo por un mísero sueldo y termina sin tener vida propia. Como cuenta  Lifeson, para escribirla  se inspiraron en la vida de sus padres, ambos inmigrantes que se mataban a trabajar para intentar dar a sus hijos una vida mejor de la que ellos habían dejado tanto en Polonia (en el caso de Geddy Lee) como en la antigua Yugoslavia (Alex Lifeson)

A la hora de valorar este primer disco sería muy injusto hacerlo en comparación con sus obras posteriores. Este primer LP es el reflejo de una época concreta de un grupo, la de sus años tocando en bares, pero sobre todo es la de la gestación de un grupo, que cuando comienzan a tocar apenas tenían 15 años y cuando sacan su primer disco tenían tan solo 21 años. En este sentido, y a pesar de estar fuertemente influenciado por el sonido de los dos primeros discos de Led Zeppelin, el grupo demuestra una gran madurez compositiva en temas como “Finding my way, “In the Mood” o “Working Man” que han tocado en la mayoría de sus giras en estos más de 40 años de carrera discográfica.

Sin más, ya sólo queda disfrutar de este disco, y que como rezaba su portada hay que hacerlo al mayor volumen posible, porque esto es rock de alto voltaje y del bueno.


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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #2 en: 08 de Abril de 2016, 23:36:09 pm »
RUSH - FLY BY NIGHT (1975)


1. Anthem (Lee-Lifeson-Peart) 4:26
2. Best I can (Lee) 3:28
3. Beneath, between & behind (Lifeson-Peart) 3:05
4. By-Tor & The Snow Dog (Lee-Lifeson-Peart) 8:40
    I. At the Tobes of Hades
   II. Across the Styx
  III. Of the battle
        i. Challenge and defiance
        ii. 7/4 war furor
       iii. Aftermath
       iv. Hymn of triumph
  IV. Epilogue
5. Fly by night (Lee-Peart) 3:22
6. Making memories (Lee-Lifeson-Peart) 3:05
7. Rivendell (Lee-Peart) 5:00
8. In the end (Lee-Lifeson) 6:47

El trío canadiense Rush aparece constantemente como una de las referencias paradigmáticas del rock progresivo universal, pese a su tardío desarrollo en comparación con los nombres clásicos del rock británico surgidos en el contexto de la contracultura de finales de los 60; Rush es también considerada -y en ocasiones reivindicada- como una de las bandas más influyentes e inspiradoras para lo que luego fue denominado metal progresivo, y que comenzó a finales de los 80 en los Estados Unidos. Muchos de los parámetros estilísticos que caracterizaron la fórmula del trío ya se pueden entrever en Fly by night, su segundo disco de larga duración, publicado en febrero de 1975. Nuevamente, el disco se había grabado en los Toronto Sound Studios y ya cuentan oficialmente con Terry Brown como ingeniero principal y productor, circunstancia que se prolongó varios años.

Uno de los cambios más significativos con respecto a su disco debut fue la entrada de Neil Peart en la batería, sustituyendo a John Rutsey. Neil había tocado con distintas bandas como The Eternal Triangle, Mumblin’ Stumpthin’, The Majority, J. R. Flood, Seventh Wave o Hush. Según el completo reportaje sobre Neil que publica la revista Drum Lessons, hubo una conexión inmediata entre Geddy y Neil, lo que no ocurrió con Alex. Creo que eso es algo que se puede apreciar en el evidente cambio de sonido que se percibe en Fly by night: el bajo no sólo se dedica a ser el sustento rítmico-armónico, sino que en muchos pasajes pasa a realizar motivos más intrincados en conjunción con la batería, lo que enriquece visiblemente el discurso musical de un grupo que estaba conducido, hasta entonces, fundamentalmente por la guitarra. Ello se puede apreciar en el inicio instrumental de “Anthem”, 30 segundos que no vuelven a aparecer en toda la pieza y que abre el disco con toda una declaración de intenciones a muchos niveles. Precisamente Neil recuerda que en su audición para entrar en la banda estuvo haciendo con ellos una jam sobre una base que acabó derivando en esta pieza. Neil entra oficialmente en el grupo el 29 de julio de 1974, dos semanas antes de una gira norteamericana y su primer concierto fue en Pittsburgh, ante 11.000 personas, como teloneros de Uriah Heep y Manfred Mann.

<a href="http://www.youtube.com/watch?v=N5gg9ObM8uU" target="_blank" class="aeva_link bbc_link new_win">http://www.youtube.com/watch?v=N5gg9ObM8uU</a>

Precisamente es en “Anthem” donde se empieza a observar otro cambio significativo en la dinámica de trabajo del grupo, en este caso en las letras. Es Neil Peart quien asume su autoría principal, desarrollando distintas líneas temáticas relacionadas con la fantasía, la ciencia-ficción y la filosofía, que se alejaban de la visión más urbana y cotidiana que se reflejaba en el primer disco. Anthem es el título de una novela de la autora y pensadora de origen ruso Ayn Rand, madre de una corriente filosófica conocida como “Objetivismo” y cuyas premisas básicas generaban ciertas controversias, como su marcado carácter pro-capitalista o la idea que la autora define como “Egoísmo racional” (la búsqueda de la felicidad individual por encima de cualquier tipo de sacrificio social), lo que se alejaba, precisamente, de esa separación del ego que propugnaba la filosofía hippie. El influjo de Rand en las composiciones de Rush llega a su clímax, un año después, con "2112", una extensa suite alrededor de una sociedad distópica en la que el “héroe” alcanza su “felicidad” (o “liberación individual”) a través de la música de una guitarra.


Ayn Rand

“Rivendell” hace alusión al universo literario de J. R. R. Tolkien, un referente de la literatura fantástica que aparece como constante en el ideario musical y artístico del rock progresivo de los 70, desde los diseños de Roger Dean para los discos de Yes hasta su presencia directa en las composiciones de grupos como Camel o Bo Hansson. “Rivendell” es una pieza lenta, con aires melancólicos y una suave instrumentación marcada por la alternancia de guitarras acústicas y eléctricas. En el siguiente disco de estudio de Rush, Caress of steel (publicado siete meses después de Fly by night) se incluye la pieza “The Necromancer”, que sobrepasa los 12 minutos de duración y en la que también se puede apreciar la influencia de Tolkien.

Hay bastantes autores que profundizan en las líneas filosóficas de las letras de Rush, pero si tuviese que hacer una recomendación para alguien interesado en este tema sugeriría leer a Durrell S. Bowman, concretamente su artículo “Let them all make their own music: individualism, Rush and the progressive / hard rock alloy (1976-77)”, incluido en el estudio Progressive rock reconsidered, que edita Kevin Holm-Hudson (está en inglés), y donde analiza los textos de “2112”, “Xanadu” y “Cygnus X-1”. La Web de Bowman es bastante interesante y tiene colgados en pdf varios de sus artículos, incluyendo el que cito junto a otros de Rush.


Otro de los aspectos que avanza el disco Fly by night, es la tendencia del grupo a las composiciones multi-seccionales y al uso de códigos narrativos distribuidos a lo largo de varios discos. Esto se evidencia especialmente en la pieza más extensa y progresiva del álbum, “By-Tor & the Snow Dog”, que se erige como la más compleja de interpretar que el grupo había escrito hasta la fecha, incluyendo diversos cambios de ritmo y dinámica:

    1. La pieza se divide en cuatro secciones, estando a su vez dividida la tercera sección, la única instrumental, en cuatro sub-secciones.

    2. Hay dos personajes, aparentemente inspirados en dos perros que tenía Howard “Herns” Ungerleider (road manager del grupo), y que simbolizan al Bien ("Snow Dog", que sale victorioso de la batalla) y al Mal ("By-Tor"). En el siguiente disco, Caress of steel, este último personaje reaparece en “The Necromancer”, aunque en este caso luchando contra el Mal como "The Champion". Hay algunas versiones en directo en las que el grupo interpreta ambas composiciones juntas, subrayando esa conexión a través del personaje de "By-Tor".

    3. La parte de la batalla tiene tintes programáticos, incluyendo un duelo entre los sonidos agudos de la guitarra y los graves con distorsión (01:52-03:30). No en vano, en los créditos originales Alex Lifeson aparece caracterizado como “Snow Dog”, y Geddy Lee como “By-Tor”.

    4. En “7/4 war furor” (03:54-04:42), todo el grupo interpreta un intrincado riff en una métrica bastante compleja de sincronizar, incluyendo como cierre una más que precisa repetición sustractiva de ese mismo riff -en cada vuelta se va restando un pulso, comenzando en 6 y acabando en 1-. En cierto modo, se pueden trazar paralelismos entre este tipo de pasajes y otros patrones presentes en algunos de los grupos asociados al metal progresivo o incluso al math rock

La herencia hard rock del primer álbum se nota especialmente en piezas como “Beneath, between & behind”, “In the end” -con los característicos arpegios de Lifeson en la guitarra de 12 cuerdas, que serán más tarde marca de la casa- o “Best I can”, que ya el grupo interpretaba con Rutsey a la batería (forma parte del repertorio del concierto en el Laura Secord Secondary School, de St. Catharines - Ontario, en 1974). La batería de Peart está plagada de anticipaciones, síncopas y redobles, fruto de otras influencias menos rockeras como Gene Krupa o Buddy Rich. Estos elementos no están presentes con Rutsey, y eso se evidencia en su enfoque rítmico, más básico y repetitivo, aunque no por ello menos efectivo. 

<a href="http://www.youtube.com/watch?v=oqTOGurxtqw" target="_blank" class="aeva_link bbc_link new_win">http://www.youtube.com/watch?v=oqTOGurxtqw</a>

La pieza “Fly by night”, con un puente central en el que la voz de Geddy se procesa a través de un amplificador Leslie (02:06-02:34), se convirtió en el primer single del disco, publicado en mayo de 1975. La cara B fue “Anthem”, aunque en algunos países como Holanda vendría acompañado de “Best I can”. También “Making memories” -canción con una base rítmica liderada por la guitarra acústica, en la línea de otras posteriores como “Lessons”- se publica como single ese año, destacando una edición conjunta junto a “The temples of Syrinx” que resultará ser su primera publicación para el sello discográfico Anthem, en 1977. El sello fue fundado por su manager Ray Danniels y Vic Wilson, contando con los tres miembros del grupo como directores asociados. Entre otros objetivos, Anthem Records buscaba dar cobertura y redes de distribución a los artistas canadienses.


<a href="http://www.youtube.com/watch?v=nEVDZl5UvN4" target="_blank" class="aeva_link bbc_link new_win">http://www.youtube.com/watch?v=nEVDZl5UvN4</a>

La portada del disco también marca, en cierto modo, un distanciamiento con su álbum debut. El cuadro de Eraldo Carugati en el que aparece un búho de mirada penetrante sobrevolando un paisaje nevado, refuerza ese carácter evocador y épico que se evidenciaba en gran parte del disco. Además del interés de Peart por las aves, el diseño de portada guardaba una obvia relación con el título del disco (“Fly by night”) al igual que con la pieza marcadamente más épica del álbum (“By-Tor & The Snow Dog”). Curiosamente, Carugati fue también el autor de los cuatro cuadros que constituyeron las portadas de los cuatro discos en solitario de los miembros de Kiss, grupo que precisamente realizó una gira norteamericana conjunta con Rush en 1975. Para su siguiente disco, Rush comienza a trabajar con el diseñador Hugh Syme, con quien establecen una estrecha y fructífera colaboración creativa que continúa a día de hoy.

   


Kiss y Rush de gira en 1975

A nivel personal, Fly by night fue el segundo disco de estudio que escuché del grupo, después de 2112, y me gustó especialmente su combinación de frescura y naturalidad, herencia del primer disco, con sus dosis de sofisticación en los arreglos, preludiando los discos que vendrían después. Hoy día, tras conocer y apreciar los frutos que han ido dando los diferentes "sectores" de su discografía, Fly by night sigue sonando con la misma espontaneidad -no exenta de complejidad- de un grupo que se iba definiendo y que absorbía influencias sin prejuicios, aún lejos de ser conscientes -y presas- de su propia personalidad musical, que cada vez iba despuntando más dentro del panorama del rock americano de finales de los 70.

Eduardo G. Salueña
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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #3 en: 14 de Abril de 2016, 11:34:20 am »
Rush-Caress Of Steel (1975)


Cara A

-“Bastille Day” (4’37)

-“I Think I’m Going Bald” (3'43)

-“Lakeside Park” (4'12)

-“The Necromancer” (12.37)

     .Into The Darkness
     .Under The Shadow”
     .Return Of The Prince

Cara B

-“The Fountain Of Lamneth” (19’57)

      .In The Valley
      .Didacts and Narpets
      .No One at The Bridge
      .Panacea
      .Bacchus Plateau
      .The Fountain

Todas las letras están escritas por Neil Peart, y toda la música por Geedy Lee y Alex Lifeson, excepto “Panacea” y “Bacchus Plateau”, que están compuestas por Geddy Lee.

Formación:

-Geedy Lee: Bajo y voz
-Alex Lifeson: Guitarras eléctricas y acústicas de 6 y 12 cuerdas, guitarra clásica y Steel Guitar.
-Neil Peart:  Batería y percusión.


Grabado entre junio y julio de 1975 en los Toronto Sound Studios, bajo la producción de Terry Brown y Rush. Publicado por Mercury el 24 de septiembre de 1975.


La primera vez que escuché “Caress of Steel”, tercer álbum de los canadienses Rush, fue bastante después de haber exprimido al máximo su siguiente trabajo, “2112” (durante años, mi disco favorito de la banda). Recuerdo que me gustó mucho, y siempre lo he considerado como un lógico antecedente a tan magna obra. Después, escuché sus dos primeros trabajos, “Rush” y “Fly By Night”, y, naturalmente, me percaté de la constante evolución del trío en estos años de “crecimiento”, como en alguna ocasión los han llamado ellos mismos.

En “Caress Of Steel” los temas se alargan, existiendo una continuidad conceptual en algunos de ellos, más en las letras que en lo estrictamente musical, los ritmos se complican y se nota una mayor ambición, que a veces desemboca en ideas algo pretenciosas. Esto se suele identificar con la entrada del grupo en el campo del Rock Progresivo, aunque naturalmente Rush nunca ha pertenecido a este género de la misma forma que bandas como Yes, Genesis o King Crimson, por ejemplo. Sus inclinaciones “progresivas” se muestran en una época ya alejada de aquella maravillosa etapa que duró desde 1968 hasta 1973, y quizás en este hecho encontramos su mayor fortaleza y su verdadera importancia. En 1975, Rush es una formidable banda de rock duro, que sin haber inventado nada hasta el momento, consigue años tras año, por lo menos hasta 1981,sorprendernos con una complejización del hard rock, y una sofisticación del género nunca vista y nunca igualada por ninguna banda de los ’70. “Caress Of Steel” es prácticamente el comienzo de esta tendencia.

Su grabación duró unas tres semanas, que comparado con los 10 dias que el trío tuvo para grabar “Fly By Night”, era todo un logro, por lo que tuvieron tiempo para desarrollar bien las ideas que tenían, no sólo en el terreno musical. Sólo ver esa portada repleta de fantasía, diseñada por Hugh Syme (la primera de muchas, no solo para Rush, sino para bandas como Whitesnake,  Dream Theater, Arena, Tiles,etc…), con un título tan heavy como “Caricia de Acero”, engancha e invita a sumergirse en un mundo épico. Curiosamente, ese color cobrizo de la carátula, que tan bien le queda, fue un error de impresión, ya que la idea original era que el dibujo fuese plateado.



El disco comienza con “Bastille Day” (4’37), una de las canciones más duras de la banda. Un riff portentoso sobre una sólida sección rítmica, unas líneas vocales fantásticas que nos trasladan a los días de la revolución francesa, y una excelente parte central, con una base acústica, con el bajo muy presente, sobre la que Lifeson interpreta una preciosa melodía de guitarra, para dar paso después a un gran solo donde el trío demuestra su compenetración y su fuerza. Le sigue “I Think I’m Going Bald” (3’43), un rock and roll sin más complicación, con buenas percusiones, un buen solo de guitarra y un magnífico y contundente final. Parece ser que la idea de hacer una canción que se llamase “Creo que me estoy quedando calvo”, surgió de la obsesión que Alex Lifeson tenía con quedarse en algún momento sin pelo, y el título en sí se basó en una maravillosa canción de Kiss que me encanta, “Goin’Blind”, que interpretaban a menudo en los muchos conciertos que hicieron junto a Rush, y en cuyo estribillo se decía “I Think I’m Going Blind”. El tercer corte es “Lakeside Park” (4’12), una bonita canción, con cierto aire nostálgico, en la que Neil Peart recuerda lugares importantes en su adolescencia, y cuya parte central de guitarra me recuerda un poco a “Soliloquy”, una de las partes de la futura suite “2112”. Para terminar la primera cara del vinilo la elegida fue “Necromancer” (12’37), dividida en tres secciones, y que va un paso más allá que “By-Tor An The Snow Dog”, de su anterior álbum. La primera, “Into The Darkness” nos introduce mediante una narración sobre un ritmo hipnótico en el mundo onírico creado por Neil Peart al más puro estilo Tolkien, representado también por la guitarra de Lifeson. En las primeras líneas, “As grey traces of dawn tinge the eastern sky, the three travelers, men of Willowdale”, el trio se identifica con esos “tres viajeros”, “hombres de Willowdale”, que en realidad es el vecindario de Toronto donde se criaron Lifeson y Lee. Tras la introducción, Geedy Lee comienza a cantar sobre la misma misteriosa base, hasta llegar al solo de guitarra, que termina doblándose, creando un precioso efecto  de dos solistas. Con una nueva narración, da comienzo “Under The Shadow”, de una potencia apabullante. El riff inicial de guitarra, la voz, el solo de guitarra sobre un maravilloso riff de bajo, y sobre todo, el posterior solo de Lifeson, con Lee y Peart en estado de gracia, regalándonos uno de los momentos más duros y más interesantes de todo el disco y mostrándose como un power trio sobresaliente, hacen de esta segunda parte algo especial. Y con el príncipe llega la luz….”Return Of The Prince” , tercera y última parte de esta historia, nos presenta el retorno de By-Tor, convertido en héroe, con Geedy Lee cantando de maravilla sobre un precioso ritmo de guitarra, sospechosamente parecido al de “Sweet Jane” de Lou Reed, que nos lleva hasta un bonito solo y el final de la primera cara del disco.



La segunda cara del vinilo estaba ocupada por un solo tema, “The Fountain Of Lamneth” (19’57). Si “The Necromancer” era una pieza larga, pero no demasiado “avanzada”, “The Fountain…” si nos ofrece más matices y nos muestra la semilla de posteriores suites.  Dividida en séis partes, el tema nos narra el ciclo vital de un hombre y su búsqueda de la fuente de Lamneth. Su nacimiento tiene lugar en “In The Valley”, que se muestra como una preciosa canción acústica, aunque rápidamente entra la guitarra eléctrica y la sección rítmica. Es aquí donde encontramos algunos de los momentos más “progresivos” del disco, con Geedy Lee cantando con mucha energía, y Neil Peart introduciendo esos pequeños segmento de batería tan pegadizos que tanto le gustan, acompañado por la guitarra, combinando momentos duros con otros más calmados. Tras una pequeña pausa llega “Didacts And Narpets”, que es en realidad un corto solo de batería, que en mi opinión interrumpe un poco el desarrollo de la pieza. Le sigue “No One At The Bridge”, sección oscura y misteriosa, con una interpretación vocal de Geedy maravillosa, muy intensa, y un solo de guitarra que me encanta, con un sonido denso, muy profundo. El sonido del mar y de los pajaros nos lleva hasta “Panacea”, una bonita canción acústica, con Lifeson a la guitarra clásica, de aires medievales. Continuamos con “Bacchus Plateau”, la parte que menos me gusta del tema, que por desgracia termina con un “fade out” en pleno solo de guitarra. Para terminar, el ciclo se completa volviendo a las melodías iniciales con “The Fountain”, comenzando con los momentos más enérgicos y terminando con la preciosa melodía inicial. En general, “The Fountain Of Lamneth” me gusta bastante, pero nunca la he concebido como una verdadera suite. Los diferentes segmentos no me parecen bien ensamblados, y me da la sensación de varias piezas compuestas de forma independiente que se unen bajo una misma historia. Es verdad que eso no es raro en este tipo de composiciones tan largas, pero en este caso no me parece que esté bien conseguido. Aún así, tanto el tema como el disco en su totalidad me parecen notables, y sigo disfrutándolos.

Por desgracia, las ventas fueron mediocres y  la gira tuvo poca aceptación por parte del público, durando un mes menos que la de “Fly By Night”, y compartiendo escenario de nuevo con Kiss, Nazareth, Ted Nugent,etc…  . De hecho, en varias publicaciones se puede leer como la banda llegó a llamar a la gira “Down The Tubes Tour”, una expresión que en castellano puede traducirse como “fallar” o “caer bajo”. En enero del ’76 concluyó la serie de conciertos y la discográfica intentó presionar a la banda para que volviese a los temas cortos y más asequibles, pero por lo que vino después…parece que no les convencieron.



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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #4 en: 22 de Abril de 2016, 20:38:09 pm »
RUSH "2112"

Mi introducción en el universo RUSH, fue con CARESS OF STEEL, disco que compré a ciegas, pues por aquel entonces era un aguerrido seguidor de los metaleros progresivos estadounidenses DREAM THEATER y éstos siempre los citaban como notoria influencia en su música. Paulatinamente fui consiguiendo el resto de discos y "2112" fue el tercer o cuarto disco que escuché de la banda canadiense, causándome una gratísima sensación, pues eran tiempos en los que estaba descubriendo el maravilloso mundo del rock progresivo.
El preámbulo y las circunstancias que envuelven este disco se enmarcan dentro del año 1976, el grupo ha evolucionado de un incipiente hard rock, de resonancias zeppelianas, a un sonido más progresivo, más complejo, más rico en matices, pleno de destellos y detalles de una banda en la que, sin perder su arraigo original, ha tenido una evidente maduración en su universo musical, puesto que con 2112 estamos, posiblemente hablando, ante la primera gran obra en mayúsculas de RUSH.
La compañía MERCURY RISING, tras el fracaso comercial de "CARESS OF STEEL", pretendía que el grupo no realizara otro album conceptual, pero estos no hicieron caso a sus pretensiones, y el tiempo les dio la razón puesto que "2112 "consiguió figurar en los "Top Pop Albums" en Estados Unidos y alcanzar ventas de disco de oro el 16 de noviembre de 1977 (durante la promoción su siguiente álbum, "A FAREWELL TO KINGS"). El disco alcanzó ventas de platino el 25 de febrero de 1981, poco después del lanzamiento de su clásico "MOVING PICTURES". 2112 fue grabado en los Toronto Sound Studios en febrero de 1976 y lanzado el 1 de abril de 1976.
El disco, estructuralmente hablando, se halla dividido en dos partes, una primera con la suite 2112, de algo más de 20 minutos, a su vez subdividida en siete partes, de contenido futurista, y que abordaremos en breve, y un segundo bloque, compuesto por 5 canciones sin vinculación ni hilación temática entre ellas, ni tampoco con la suite principal.
La suite 2112, tal y como he manifestado anteriormente, en cuanto a su contenido letrístico nos cuenta una historia de ciencia ficción inspirada en la novela ANTHEM de Ayn Rand en la que se nos narra los avatares de una sociedad futura en la que en el año 2112  los seres humanos que  permanecen en la Tierra están bajo el yugo de una raza alienígena llamada Red Star of the Solar Federation que ha prohibido cualquier manifestación de libertad de pensamiento, imponiendo un totalitarismo absoluto a la ciudadanía, mitigando cualquier atisbo de expandir la individualidad y el libre desarrollo de las personas. Ante ello, un joven se erige en contestatario y antagonista de esta poder totalitario, reivindicando la idiosincrasia del ser humano, como ente pensante y libre, y abogando por la lucha contra los órdenes establecidos que resultan injustos.
Musicalmente hablando se aprecian todos esos giros musicales de los que hemos hablado, la energía, el vigor del hard rock primigenio de esos primerizos Rush junto a  esa nueva acentuación progresiva, que hacen de esta suite un corte portentoso, ornamentado y pulcro, envuelto en toda esa filosofía metafísica del individuo reclamando su “yo” contra el poder opresor. Overture empieza con un sonido suntuoso de sintetizadores dando paso a la contundencia del poderoso riff de Alex Lifeson, apoyado por el estruendo de Neil Peart a las baquetas, a continuación le sigue un pequeño solo de guitarra, pero ya podemos comprobar como la canción evoluciona adquiriendo diferentes sonoridades en su desarrollo, definiéndose como un tema decididamente progresivo en toda su extensión musical. Lee empieza a cantar con su peculiar y desgarrada voz... guitarra acústica, y sonido de un cauce de río fluyendo... la voz de Lee se relaja y se amalgama con los guitarrazos de Lifeson, alternando pasajes suaves con otros más vigorosos y con punzantes solos de guitarra hasta la finalización del tema.
La segunda parte del album, viene determinada por canciones de un minutaje standard y que nada tienen que ver con la suite inicial. El segundo corte es “Passage to Bangkok” que trata de una travesía iniciada en Colombia pasando por diversos lugares,entre ellos, Acapulco, Jamaica, Marruecos, Bangkok, haciendo algo así como de ruta de las drogas que entonces estaban de moda, musicalmente hablando es un tema hardrockero, con una melodía inicial de tinte oriental, pero que a pesar de su contenido, está narrada de una forma muy agradable y desinhibida.
Seguimos con “The Twilight Zone” está dedicada a un mítico programa de misterio del mismo nombre, en onda a Cuarto Milenio, donde Peart dedica parte de las letras a contar parte de alguno de estos misterios, es un tema un tanto más relajado, con mucha predominancia de las guitarras acústicas de Lifeson de fondo, y acompañada por un sutil solo de guitarra eléctrica y la voz de Lee que maneja diferentes texturas.
“Lessons” con Lee siguiendo con esa voz dicotómica, aguda en momentos y serena en otros, un estilo más clásicamente hardrockero, pero intercalando guitarras acústicas con eléctricas, siempre apuntalado por los maravillosos solos de Alex Lifeson.

“Tears” tema de calado marcadamente emotivo y melancólico, base de guitarra acústica y agradables sintetizadores que adornan y engalanan el fondo del tema.

Por último “Something for nothing”, último de los cortes del disco, que también empieza de forma tranquila y se intercala con los vigorosos guitarrazos de Alex Lifeson y en el que se también se puede apreciar los giros vocales de Geddy Lee.

Así se cierra uno de los álbumes más brillantes de la banda canadiense, donde su aproximación al rock progresivo es más que notable, y creando uno de los discos más representativos de la banda. En 2012 salió a la venta una edición deluxe, junto a un dvd y edición sorround muy recomendable, con libreto de lo más fastuoso, entrevistas y fotos muy interesantes.

En mi opinión, creo que con este disco se inicia el sonido netamente característico RUSH, esa simbiosis cuasiperfecta entre el hard rock típico de los setenta a la elegancia y pulcritud del rock progresivo, fusionando ambos universos musicales y destilando toda esa fuente inagotable e incandescente de torrencial energía.
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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #5 en: 28 de Abril de 2016, 09:32:54 am »
Rush – All the World’s a Stage (Anthem / Mercury, 1976)


Éste álbum fue editado como un doble elepé de vinilo el veintinueve de septiembre de 1976 con estas canciones:

Cara uno:
1. "Bastille Day" 4:57
2. "Anthem" 4:56
3. "Fly by Night/In the Mood" (Lee; Peart/Lee) 5:03
4. "Something for Nothing" (Lee, Peart) 4:02

Cara dos:
1. "Lakeside Park" 5:04
2. "2112" 15:45
I. Overture
II. The Temples of Syrinx
III. Presentation (Lifeson, Peart)
IV. Soliloquy
V. Grand Finale

Cara tres:
1.-"By-Tor & the Snow Dog" 11:57
I. At the Tobes of Hades
II. Across the Styx
III. Of the Battle
a. Challenge and Defiance
b. 7/4 War Furor
c. Aftermath
d. Hymn of Triumph
IV. Epilogue
2. "In the End" (Lifeson, Lee) 7:13

Cara cuatro:
1. "Working Man/Finding My Way/Drum solo" (Lifeson, Lee/Lifeson, Lee) 14:56
2. "What You're Doing" (Lifeson, Lee) 5:39

Todas las canciones compuestas por Alex Lifeson y Geddy Lee (con letra de Neil Peart) salvo que se haya indicado otra cosa.

A diferencia de los futuros discos en directo encargados de cerrar sectores de la obra del grupo, este doble álbum de vinilo recogía material de una misma gira, la del álbum 2112. En concreto fue registrado ente el once y el trece de junio de 1976 en la mítica sala Massey Hall de Toronto.

La formación y la instrumentación del trío fue la siguiente, por orden alfabético:
Geddy Lee - voz solista, bajo y sintetizador.
Alex Lifeson - guitarra.
Neil Peart - batería y percusión.

El disco fue producido por Terry Brown.

Éste fue el segundo disco de Rush que compramos. Igual que el primero, lo adquirimos en una famosa y subterránea tienda de discos de segunda mano de Madrid. Lo hicimos porque el primero que escuchamos, Exit… Stage Left, nos satisfizo en tal medida que se despertó la curiosidad por el antes y el después de este grupo. En este caso y como es sabido, All the World’s a Stage es el colofón del antes. Es como la reflexión sobre lo hecho antes de dar el siguiente paso, el segundo sector, como todos sabemos.

Debemos decir que no nos gustó tanto como lo ya conocido, pero lo hemos escuchado después de vez en cuando, más aún en fechas recientes, y nuestra apreciación ha ido “creciendo” con el tiempo. A fin de cuentas nos gusta el hard rock por sí mismo.

Decían los responsables de Artistas y Repertorio de los sellos discográficos en los años setenta que todo lo que necesitaba un grupo de rock para triunfar era un sencillo de gran “pegada” y un buen álbum en directo. Eso se decía, damos fe. Sobre lo primero no vamos a entrar. Sobre lo segundo, sí podemos decir cosas. Está claro. Las fórmulas de éxito se repiten. Tras Yessongs vino Welcome Back My Friends to the Show That Never Ends; tras Made in Japan, llegaron dobles discos en directo de grupos de hard rock. All the World’s a Stage pertenece a este universo maravilloso de los dobles vinilos.

Aunque lo que hemos tenido en las manos y hemos escuchado ha sido un disco compacto hemos ofrecido el listado de los temas tal y como aparecía en el doble álbum, cara a cara. Es evidente que éste disco es así, son cuatro caras de unos veinte minutos de duración con fade out y face in del sonido del público. Todas estas, excepto la primera, ofrecen una pieza “larga” que se complementa con otra más corta para la confección de ese lado del vinilo. No tenemos información sobre el repertorio de Rush en la gira de su obra 2112, pero se nos antoja que el doble en directo está estructurado más como obra que como documento. Por esto y por otro detalle. En los años setenta solía minimizarse el contenido del álbum en estudio previo al directo, para que las ventas del segundo no afectasen a las del primero. Será la gira de 2112, pero los dados están cargados hacia los dos primeros discos del grupo en detrimento, sobre todo, de Caress of Steel.

Sin duda habrá quien se lamente por lo que no “está” pero nosotros preferimos celebrar lo que “hay”. Hay que tener en cuenta que una obra, a diferencia de un documento, es una presentación deliberada. El fondo y la forma, el contenido, su exposición y desarrollo albergan un mensaje. “Esto es lo que sido Rush”, quizá. Como llamar This Was al primer álbum de Jethro Tull.

La primera cara empieza con fuerza inusitada con la canción “Bastille Day”. Si servía para iniciar su tercer álbum, también podía hacerlo en su primer directo. Acto seguido llega “Anthem”, de ritmos intrincados, trampa para baterías inhábiles, y para nuestro gusto una canción mucho más interesante que la primera del set, pese a venir del álbum previo, Fly by Night. Seguimos con material de la segunda obra del grupo con la interpretación de dos temas unidos, “Fly by Night”, de éste, e “In the Mood” con el que el trío vuelve a su primera grabación en formato elepé, Rush. Cierra la primera cara una pieza de 2112, “Something for Nothing”. Es relevante indicar aquí que estas mismas cuatro piezas formaron parte del repertorio de la gira siguiente, la del álbum progresivo A Farewell to Kings, tal y como lo podemos comprobar en el tercer CD del triple Different Stages. Ya nos encontramos hablando del siguiente sector al mencionar éste, pero es que había una clara continuidad entre los dos primeros. Si Rush es Rush y cada disco podía albergar el recuerdo del anterior y la semilla de aquello por llegar, el repertorio de las giras siguió la misma lógica, de evolución dentro de la permanencia en una cierta identidad hard rockera.

La segunda cara también se inicia en Caress of Steel y termina en 2112. La canción “Lakeside Park” , excelente pieza de rock ninguneada por algunos, precede a una versión de “bolsillo” de la suite “2112”. De nuevo deberemos remitirnos a Different Stages para poder escuchar, pero esta vez en 1997, esta suite al completo. Fue en la primera escucha de este disco compacto cuando oímos por primera vez a Geddy Lee cantar aquello de “We Are the Priests of the Temple of Syrinx”. Verso que quedó grabado en nuestra psique para siempre. No se resiente demasiado la pieza por el hecho de ser una versión abreviada.

La tercera cara está dedicada por completo a material de Fly by Night con espléndidas versiones de la larga y compleja “By-Tor & the Snow Dog” e “In the End”, ambas dotadas de la fuerza y la vivacidad que adquiere el rock duro en concierto. En el tercer CD de Different Stages encontraremos otra pervivencia de esta gira con una interpretación de “By-Tor & the Snow Dog” que se ligará a “Xanadu”, aunque decir esto es adelantarnos a reseñas futuras.

Con la cuarta cara del doble vinilo el viaje en el tiempo es hacia su primer álbum, Rush.
Lo primero que encontramos son enérgicas versiones de los temas enlazados “Working Man” y “Finding my Way” que incorpora el solo de batería de Neal Peart, presentado por Geddy Lee con su nick como The Professor. Una cima de intensidad hardrockera a través de la interpretación de temas emblemáticos del grupo. El solo de batería es intenso y pueden encontrarse detalles sutiles de percusiones. “Working Man” también se interpretará en el siguiente gira. El álbum se cierra con otra canción del primer álbum, “What You’re Doing” en lo que parece ser el intenso bis del concierto.

Al final del disco podemos escuchar, mientras se disipan los gritos del público, algo que parece un intercambio vocal exaltado por parte de los músicos mientras abandonan el lugar. Y muy poco después el sonido de una puerta que se cierra.
Fin de etapa, ¿no? Ésta es la imagen sonora que se nos transmite. Ellos parecen tenerlo claro antes incluso de grabar su siguiente disco de estudio.

Para terminar esta reseña mencionamos un par de curiosidades:
La versión de este álbum en cartucho de ocho pistas variaba el orden de los temas, intercambiándose “Something for Nothing” por “Lakeside Park”.
En la primera edición en CD tuvo que omitirse por falta de espacio la canción “What You’re Doing” que, en esta versión, sí fue incluida en el recopilatorio de la banda Chronicles. Esta perversidad, no encontramos otro calificativo para calificar un acto tan irrespetuoso, fue reparada en ediciones posteriores.

Y con esto cerramos por ahora la transmisión, hasta el cierre del segundo sector.

Carlos Romeo.
Music shouldn't be easy to understand. You have to come to the music yourself, gradually. Not everything must be received with open arms. (John Coltrane, 1963)
"Nada es verdad, todo está permitido" (El almuerzo desnudo, William S. Burroughs)

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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #6 en: 06 de Mayo de 2016, 21:24:25 pm »
"A FAREWELL TO KINGS"(1977)
Geddy Lee – Vocales, bajo, guitarras, sintetizador de pedales de bajo, teclados.
Alex Lifeson – Guitarra, sintetizador de pedales de bajo.
Neil Peart – Batería, percusión.
Invitados:
Terry Brown – Introducción hablada en Cygnus X-1.

A FAREWELL TO KINGS fue el segundo disco que escuché hará unos diez años de la banda canadiense, el primero fue CARESS OF STEEL, alentado como dije en mi anterior crítica por la influencia que tuvieron en DREAM THEATER, fue un disco de fuerte impacto para mí, estaba descubriendo un nuevo paraíso musical. Esa mezcla entre el hard rock de los setenta con la elegancia del rock progresivo me hechizaba sobremanera.
A FAREWELL TO KINGS, es el quinto álbum de la banda, publicado en el año 1977, el disco fue grabado en Gales pero las mezclas se realizaron en los estudios Advison de Londres, el estudio donde se realizó la grabación del álbum tiene una sala donde se puede grabar sonidos con eco (se puede escuchar en la canción Madrigal) y otra donde se puede grabar al aire libre (las tomas donde se oye el canto de los pájaros al principio de las piezas A Farewell to Kings y Xanadu).
El título del mismo está basado en la obra FAREWELL TO ARMS del escritor estadounidense Ernest Hemingway, del que Neil Peart es un ferviente admirador. Hemingway, fue un enamorado de España, recordemos... La historia de este álbum constituye una crítica camuflada a la tiranía de los sistemas feudales y monárquicos.

Abordando el plano estrictamente musical, la estructura de este disco es algo diferente a su predecesor, aquí tenemos dos canciones largas, complejas, abruptas como son XANADU y CYGNUS-X1, y cuatro más cortas A FAREWELL TO KINGS, CLOSER TO THE HEART, MADRIGAL,  CINDERELLA MAN
La primera de las canciones, A FAREWELL TO KINGS, trata de los rencores y abusos de poder en la sociedad feudal, de ahí el título de "Adiós a los Reyes", los cuales parece ser que deben ser destronados... En cuanto a la música, en el nacimiento del tema  resuena una dulce melodía de guitarra acústica de evocación medieval, hasta que súbitamente irrumpe el estruendo de la guitarra de Lifeson y la voz aguda de Lee,  con algunas de las partes de la estructura musical que me recuerdan a Yes,  algo del Tales of Topographic Oceans pulula en mi memoria, y no sé por qué... todo ello, en perfecta armonía con el feeling hardrockero del que siempre han gozado, pero su inmersión en el rock progresivo es más que evidente.
La segunda de las canciones, XANADU, basada en el poema de Samuel Taylor Coleridge llamado Kubla Khan, habla de la historia de este personaje que incesantemente buscaba Xanadú (curiosamente Xanadú es la residencia de Charles Foster Kane, el protagonista de la mítica película de Orson Welles, CIUDADANO KANE) y de la fuente de la inmortalidad. Ésta comienza con un sonido suntuoso de sintetizadores que me recuerda a la melodía de ENCUENTROS EN LA TERCERA FASE, es como la construcción del embrión de una melodía, como la búsqueda de un cimiento musical... y una vez ya es encontrada, la canción se vuelve sólida y consistente, respondiendo a un patrón claramente definido, erigiéndose esa melodía en esa suerte de animal bicéfalo musical que une el hard rock más aguerrido y el rock sinfónico más pulcro y nítido. La mayor parte de la canción es instrumental, amalgamando pasajes melódicos, con otros más enérgicos, envuelto por el sonido de fondo de los sintetizadores, en esta ocasión la voz de Lee no es tan aguda como en otras ocasiones, y una vez más por mis cavidades cerebrales resuenan los ecos de esos YES más ambientales- La aportación del bajo de Lee es  magnífica también, pues tiene una presencia destacada a lo largo de la canción.

CLOSER TO THE HEART, la génesis de este corte es relajado, intercalando pasajes de diferentes texturas, quizás es una canción algo más comercial, sin esos desarrollos tan progresivos e hilvanados que tenían las anteriores canciones, respondiendo a los patrones de una canción más previsible, pero es igualmente embriagadora, revestida de una prestidigitadora melodía.

CINDERELLA MAN, El hombre ceniciento, tema muy melancólico y emotivo de un hombre sin suerte, pero que cree en sus convicciones profundamente. En lo musical, alterna también momentos más relajados con otros más intensos, la voz de Lee suena potente pero sin realizar agudos tan fuertes como en otras ocasiones. A diferencia, de CLOSER TO THE HEART esta canción sí que responde a características netamente progresivas, con cambios estructurales y melódicos.

MADRIGAL, pasaje bucólico, muy pastoral a mi juicio... La voz de Lee es muy balsámica y tranquila al comienzo, y el ambiente es muy yessiano... La voz de Anderson no desentonaría en absoluto en esta atmósfera sonora... Quizás se trate de la menos hard rockera de las canciones de este álbum.

CYGNUS X-1 habla de un viajero espacial sumido en una travesía galáctica, que sucumbe en un agujero negro, con múltiples similitudes a nuestro, y mi, querido Don Quijote, tanto es así, que su nave se llama “Rocinante”, y cuya continuación temática culminará en el disco “HEMISPHERES”. En el aspecto musical, el tema comienza con el sonido de unos sintetizadores y del bajo de Lee, en la búsqueda nuevamente de una melodía que fije el destino de la canción, al tiempo, se acompaña de Lifeson con su guitarra y con el azote de la batería de Peart. De repente, todos establecen un ritmo al unísono. Finalmente, la melodía ha sido concebida. Es un corte decididamente progresivo en toda su extensión, variando las melodías, y donde se constatan de dónde vienen las raíces de DREAM THEATER en sus temas más longevos. Igualmente, la voz de Lee usa muchos registros en esta canción, de líneas vocales leves y suntuosas, pasa a otras más agudas y graves, a pesar de no ser un cantante solista, es cierto, que aquí no se le puede acusar de voz monótona ni uniforme, sino de un eclecticismo, en mi opinión, encomiable. Del mismo modo, la guitarra de Alex Lifeson es fascinante en un aluvión de riffs y solos totalmente mágicos y fantasmagóricos en consonancia con las baquetas de Neil Peart, quien es un prodigio de destreza y contundencia al mismo tiempo.

En A FAREWELL TO KINGS tenemos a Rush en su época áurea, de pleno apogeo, y donde su música ha quedado plenamente definida. En mi opinión, creo que es el disco más “elegante” de todos, el más inmaculado, donde a pesar de que todos los guiños del hard rock  están bien presentes, se atisba con mayor nitidez, los efluvios del rock progresivo en su vertiente más engalanada, más cuidada, más majestuosa, por decirlo de alguna manera... Lo bien cierto, es que se trata de un disco fabuloso y con todos los ingredientes que hicieron de RUSH un sonido completamente único, en el que esa simbiosis musical entre el virtuosismo y la visceralidad sigue interactuando de forma plena.
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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #7 en: 17 de Mayo de 2016, 16:41:24 pm »
HEMISPHERES (1978)
Geddy Lee: Voz, Bajo, Guitarra Acústica, Minimoog, Oberheim OB-X Polifónico y Pedales Taurus
Alex Lifeson: Guitarra Eléctrica, Acústica y Clásica, Sintetizador Roland de Guitarra y Pedales Taurus
Neil Peart: Batería, Percusión, Campanas tubulares, Timbales, Gong, Cencerros, Temple blocks, Crótalos

“HEMISPHERES” es un disco especial para éste que os habla, mi nick nace de este disco al que estaba continuamente enganchado cuando descubrí Sinfomusic, y por otro lado, en cierta forma esa imagen de la portada,  del cerebro por el que discurre el hombre de traje y sombrero, unido a esa especie de versión del “David” de Miguel Ángel de espaldas, no deja de ser un onírico estado de febril inconsciencia en el que muchas veces me he encontrado... pero bueno, anécdotas aparte, de cuyo nombre sí quiero acordarme, de “HEMISPHERES” podemos decir que es el sexto álbum de la banda canadiense, que en este caso su temática no es conceptual, y que viene a constituir una trilogía de ciencia ficción que empezó en 2112, continuó en A FAREWELL TO KINGS y culmina, brillantemente en HEMISPHERES. El álbum fue publicado el 28 de octubre de 1978 y grabado de junio a agosto de 1978 en Estudios Rockfield, Gales y Estudios Advision, Londres,Reino Unido .
En este caso, la estructura musical del disco está compuesta de 4 temas, dos  longevos y otros dos  efímeros, esto es, "Cygnus X-1 Book II: Hemispheres" y “La villa strangiato (An Exercise in Self-Indulgence)”, y por otro lado, “Circumstances” y “The trees”. Llama poderosamente la atención, a diferencia de los anteriores discos, la inclusión de dos temas extensos, y dos cortos, resultando francamente curioso.
Musicalmente hablando, estamos en lo más alto de su cumbre, de su cénit, han tocado techo. Quizás en mi opinión HEMISPHERES sea el disco más sinfónico, más soft y en el que menos aprecie sus raíces hardrockeras, no quiero decir que no estén presente estos signos, sino que es el disco en el que menos percibo esa visceralidad y crudeza que tan bien define el hard rock de los años 70.
En lo que es la disección musical propia del álbum, éste comienza con CYGNUS X-1, BOOK II HEMISPHERES, tema abrupto, complejo, laberíntico... tanto temática como musicalmente hablando, cuya extensa duración de 18 minutos así lo permite. Se trata de una suite de seis secciones, y la letra de dicho tema aborda la dicotomía del conflicto y complementariedad entre la razón y el corazón en el espíritu humano, una suerte de ying y yang, de elementos que a priori parecen antagónicos pero que al mismo tiempo se retroalimentan, siendo representadas ambas esferas por Apolo y por Dioniso respectivamente. Neal Peart, letrista de la canción, intenta explicar de este modo, un concepto de la psicología moderna consistente entre las diferencias de los dos hemisferios cerebrales, inspirándose en cierta manera por NIETZSCHE  y AYN RAND, abogando, a modo de corolario,  por el equilibrio entre emoción y razón que debe existir en el ser humano para que el mismo se encuentre en plenitud existencial. En el plano musical, esta suite tiene todos los ingredientes del rock sinfónico y progresivo en toda su más álgida expresión, el tema comienza con un sonido muy atmosférico y un tanto psicodélico engalanado con el uso de los sintetizadores y el mini-moog, originándose posteriormente diferentes melodías y ritmos secuenciales, sumergiéndonos en ese viaje homérico del protagonista... Todo ello, en una geométrica sincronización entre los tres músicos... la voz de Geddy Lee es bastante más relajada que en otras ocasiones, está comedida... Posiblemente, sea de los temas más complejos de Rush en el que se intercalen pasajes mucho más ambientales con la ayuda de los sintetizadores y los efectos electrónicos, a buen seguro, para dotar a la letra de la canción de la textura más apropiada. Los contrastes musicales son fascinantes porque a partes iguales encontramos momentos calmados, otros más vigorosos, ambientes introspectivos, silencios acechantes... todo envuelto en esta metafísica futurista... cerrando el corte con una preciosa melodía acústica acompañada por la voz de Lee, en este caso, muy suave y aterciopelada.

“CIRCUMSTANCES” sea posiblemente el tema que más me recuerde a los Rush más hardrockeros, tema breve y contundente, pero adornado con el apoyo fino y delicado de los teclados, riff marcadamente “lifesoniano”, con una voz de Lee un tanto más desgarrada y aguda.

“THE TREES” es un tema con un comienzo hermosísimo, para posteriormente convertirse en un poderoso riff de energía descomunal, propio de los Rush más rockeros, y entre mezclarse con secuencias más tenues y sosegadas, inteligentemente adornadas con la utilización de los teclados y sintetizadores que conforman perfectamente el clima que la letra pretende recrear, pues ésta nos habla de una especie de fábula entre la eterna confrontación entre las clases más poderosas y las más humildes.
El último tema es LA VILA STRANGIATO, he de decir que es uno de mis temas preferidos de los canadienses. Éste  es completamente instrumental, comienza con un solo de guitarra de aroma flamenco para fundirse en nuevas estructuras que fluctúan en forma de espiral desembocando en incesantes riffs, solos de guitarra fastuosos, cabalgadas trepidantes de bajo, ritmos extravagantes y esotéricos, melodías llenas de alquimia...  todas ellas fluyen a lo largo del corte, constituyendo auténticos aluviones de sonoridades embriagadoras para los pabellones auditivos de cualquier amante de este tipo de música y que hechizan y cautivan de forma sobrecogedora cual canto de sirenas.
HEMISPHERES es un disco de madurez compositiva de RUSH en el que aflora la vertiente más sinfónica y sútil del grupo, tal vez me resulte el menos enérgico de sus discos en cuanto a decibelios rockeros, sin por eso ser circunstancia peyorativa alguna, más bien todo lo contrario. RUSH en este disco se encuentran en plena eclosión de su sonido más puro y definitorio, en plena creatividad compositiva, siendo HEMISPHERES la verdadera confirmación de todo ello.
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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #8 en: 29 de Mayo de 2016, 18:14:38 pm »
PERMANENT WAVES (1980)
Geddy Lee: Bajo, Voz, Minimoog, Sintetizador polifónico Oberheim OB-X y Sintetizador de Pedales Taurus
Alex Lifeson: Guitarras acústicas y eléctricas de seis y doce cuerdas, Pedales Taurus y Coros
Neil Peart: Batería, Timbales, Campanas tubulares, Triángulo, Marimba, Crótalos, Cencerros y Concepto de la carátula
Erwig Chuapchuaduah: Steelpan
Hugh Syme: Piano en "Different Strings", Dirección artística, Diseño y Concepto de la carátula.

PERMANENT WAVES fue concebido en el año 1980, es un álbum de corta duración, en ese sentido se parece a los álbumes anteriores del grupo, y supone una cierta evolución en el grupo musicalmente hablando, sin lugar a dudas, los años ochenta van a hacer mella en el grupo canadiense, empezando a atisbarse cambios que se verán plenamente reflejados en los discos posteriores. La portada del álbum es la famosa edición del diario Chicago Tribune de 1948 que divulgó incorrectamente el resultado de la elección presidencial de los Estados Unidos titulando “Dewey derrota a Truman”. El Tribune negó el permiso para utilizar esta imagen en los Estados Unidos así que, en la caratula de la edición estadounidense, dicho titular aparece borrado, aunque puede leerse en la edición de la discográfica canadiense Anthem Records. Igualmente, en la caratula se incluyeron unos anuncios publicitarios con los apellidos de los miembros de Rush "Peart", "Lee" y "Lifeson" como si fueran marcas.
En cuanto a los temas que conforman el cuerpo del disco, podemos decir lo siguiente:
"SPIRIT OF THE RADIO" es una de las canciones de Rush que se convirtió en una radio fórmula, que sonaron incesantemente en las emisoras radiofónicas de por aquel entonces. Empieza con un riff de Lifeson muy pegadizo, el tema es bastante directo, no reviste enormes complejidades técnicas en comparación con otros temas en un principio, pero a partir de la mitad de su canción, introduce  variantes llamativas como sonidos reggaes, pequeños cambios rítmicos muy curiosos, que hacen que reconozcamos a Rush en toda su esencia. La temática aborda una crítica a la industria musical. Se trata de un tema genuinamente rockero por antonomasia

"FREEWILL", tema más relajado rítmicamente hablando con un uso moderado de los sintetizadores, responde a tintes más progresivos que el anterior, y Lee varía su registro vocal notablemente a lo largo de toda la canción, es de carácter muy alegre y colorido. La letra nos cuenta el problema de las creencias personales y todo lo que éstas conllevan.

"JACOB'S LADDER" Tema complejo, no llega a ser una suite, pero se le asemeja... muy desarrollado, aunque quizás, perciba una menor creatividad en comparación con los temas largos de álbumes predecesores, no obstante, no deja de ser una gran canción, y quizás sea una de las creaciones musicales más oscuras y opresivas de Rush, su ritmo es denso e hipnótico. El uso del sintetizador es muy sugerente en todo ese esoterismo que respira el corte, sobre todo a mitad del tema, alternándose con la voz trucada de Lee en una especie de “psicofonía” tenebrosa, tornándose posteriormente en una melodía más dinámica pero con un ritmo diabólicamente perverso, como de ultratumba. El nombre del fenómeno ha sido tomado de la visión que tuvo el patriarca Jacob, narrado en la Biblia.
La letra nos relata el conocido efecto “divino” (producido cuando los rayos del sol atraviesan las nubes) que el protagonista de la canción ve tras una visión de una tormenta en la que se libra una batalla. En cierta forma, recuerda también a la película del mismo nombre, interpretada brillantemente por el gran Tim Robbins, y dirigida por, a mi juicio, un director menor, Adrian Lyne.

“ENTRE NOUS” es un tema más simple, como más desinhibido, muy agradable de escuchar. Curiosamente, fue interpretada en concierto por primera vez en 2007, durante la gira promocional del álbum Snakes & Arrows. Rítmicamente, es relajado, suave, adornado con el sonido del sintetizador al comienzo del tema, con cierto aroma a la new wave, fruto de esos cambios de los que hemos hablado anteriormente.


“DIFFERENT STRINGS” es una balada que comienza con el delicado sonido de una guitarra acústica, pero varía su melodía, fluctúa, haciendo gala de ser una balada progresiva, nunca mejor dicho. Si bien el final es un tanto abrupto, y podía haber sido algo más desarrollado.

“NATURAL SCIENCE” es el otro de los temas largos y extensos, dividido en tres partes, a modo de suite, Tide Pools, Hyperspace y Permanent Waves. En mi opinión, éste es el tema de Rush que más recuerda a los discos anteriores, tiene un regusto más setentero, más próximo a 2112, HEMISPHERES o A FAREWELL TO KINGS. Musicalmente, está muy bien armado, tiene esa fragancia hardrockera tan propia de los Rush de siempre y al mismo tiempo esa elegancia progresiva de la que hacen gala a partir de 2112, los cambios melódicos y rítmicos son maravillosos, y los apuntes de sintetizadores dotan al tema de una mayor amplitud, relevancia, por decirlo de alguna manera. Únicamente, añadiría que el final con el sonido de las olas es bellísimo, de esas olas permanentes que el mar en plena vorágine desplega...
A modo de conclusión, o valoración final de este disco, se puede decir que con “PERMANENT WAVES” se inicia una nueva etapa en Rush, los ochenta han llegado, la estructura musical del álbum ha variado, los temas son más breves, de carácter un tanto más comercial, siguen permaneciendo los temas largos, pero ya no responden a los mismos patrones que antaño, también se aprecian nuevas referencias musicales, ciertos guiños al reggae o la new wave, con un sonido diferente de los teclados y sintetizadores respecto a la década anterior que era netamente sinfónico-progresivo, pues se empieza a percibir ahora como más pomposo, glamouroso... y que entronca directamente con los años ochenta. A mi juicio, dentro de  la época dorada de Rush es el disco que menos me gusta en relación a los  anteriores citados, y a sus posteriores MOVING PICTURES, SIGNALS o GRACE UNDER PRESSURE.
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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #9 en: 31 de Mayo de 2016, 14:45:14 pm »

RUSH. “MOVING PICTURES”



Musica: Geddy Lee y Alex Lifeson
Letras: Neil Peart y Pye Dubois
Grabado y mezclado entre Octubre y Noviembre de 1980 en Le Studio (Quebec).
Producido por Rush y Terry Brown.
Arreglos:  Rush y Terry Brown.
Ingeniero:  Paul Northfield.
Diseño de portada: Hugh Syme.
Fotografía:  Deborah Samuel.
Masterizado por Bob Ludwig y Brian Lee en los estudios Gateway de Portland, Maine, USA.
Producción Ejecutiva: Moon Records.
Invitado Especial: Hugh Syme, sintetizadores en “Witch Hunt”.

INTRODUCCION

¿Se puede ser fan de una banda cuando lo que verdaderamente te gusta es la cuarta parte de su discografía? La respuesta es sí. Los tres primeros discos de Rush me gustan, pero no llegan a entusiasmarme, la siguiente etapa que engloba  sus discos desde “2112” hasta el que hoy nos ocupa, “Moving Pictures” octavo disco de estudio, me gusta tanto y la considero tan importante en mi vida musical, o lo que es lo mismo en mi propia vida, que solo por esas obras ya soy fan a muerte de los canadienses. Después de "Moving Pictures” todo cambió, en mi opinión para mal, hay algunos temas aquí y allá que todavía tienen un pase pero en general son artefactos ajenos a la belleza y brillantez de sus antecesores y siempre lo he dicho, el asunto de los teclados se les fue de las manos, mucho teclado con sonidito de grupo tecno pop que a mí me chirría bastante. Lo mismo que ocurrió en España con otro poderoso power trio como fueron Leño, un primer disco contundente y genial y un segundo “Más Madera” con canciones estupendas pero arruinadas por un Teddy Bautista que se cargó el disco con tanto tecladito de pop azucarado. A lo que íbamos, esa tercera etapa de Rush no me convence, no hay ningún disco que pueda destacar y digamos que de la última etapa del grupo lo poco que he escuchado me ha dicho bien poco. Con lo que tenemos a una banda a la que amo con toda mi alma, gustándome solo una pequeña parte de su discografía.

“Moving Pictures”
fue mi primera toma de contacto con Rush, eran los 80, yo estaba volcado en cuerpo y alma en el rock progresivo, no existía nada más para mí y un amigo sabedor de mis gustos me prestó este disco. Yo estaba acostumbrado a los sones más sinfónicos de Genesis, Yes, Pink Floyd o Marillion y esa primera escucha me descolocó un poco, no estaba acostumbrado a sonidos tan contundentes y la agudísima voz de Geddy Lee simplemente me pareció espantosa. Anécdota con respecto a la voz de Lee, tengo un amigo muy muy pero que muy heavy, con muchos años metaleros a sus espaldas y con miles de discos escuchados que dice que la única banda que le ha engañado en el mundo de los agudos imposibles es Rush, dice que él siempre ha adivinado si la persona que se desgañitaba en el disco era un hombre o una mujer y con Rush estaba convencido de que era una mujer, ni idea de que disco hablaba.  El caso es que yo muchos años y muchos discos después, llegué a acostumbrarme a su timbre y sin ser de mis cantantes preferidos lo que tengo claro es que no concibo esa grandiosa música sin su peculiar voz. Y por supuesto me enamoré perdidamente de este disco, que por cierto mi amigo finalmente me regaló, gracias Manu.

LAS CANCIONES

“Moving Pictures” se abre con un clásico del grupo, la estupenda “Tom Sawyer”, decir que a mí “Moving Pictures” siempre me ha parecido un disco que tiene algunos temas con un aire amenazador, desde luego no es un disco alegre y los primero segundos de “Tom Sawyer” me reafirman en esa opinión. Aquí tenemos a la banda en el zenit de su creatividad, descargando toda la artillería y, aquí sí, con unos teclados que suenan estupendos. La sección rítmica súper engrasada y un Alex Lifeson, por siempre mi preferido de la banda, dándole a las cuerdas con una maestría que pocos poseen. Suena contundente sin estridencias y es la unión perfecta de teclados, bajo, guitarra y batería. Una joya.


“Red Barchetta” le sigue, unos preciosos teclados dan paso a un espléndido Geddy Lee al bajo, precioso tema y otro de los clásicos de la banda. Otra vez Lifeson destacando, aunque destacar a alguien en una de las mejores bandas que ha pisado la faz de la tierra es harto difícil. Una mezcla estupenda de poderío con una cierta comercialidad bien entendida.

“YYZ”, que podríamos decir de esta preciosidad, si bien los canadienses no son un grupo instrumental en algunas ocasiones se descuelgan con una pequeña joyita instrumental en la que sueltan toda su alma y toda su maestría y demuestran lo quirúrgicamente precisos que son, este es un claro ejemplo de ello, pura destreza musical al alcance de muy pocos virtuosos. Endiablados cambios de ritmo que hacen que lo difícil parezca fácil. Una genialidad.

“Limelight” tiene algunos momentos verdaderamente espectaculares pero siempre me ha parecido un tema un pelín sosito, pero claro, estamos hablando de Rush y lo de sositos lo vamos a dejar para otras bandas. Geddy Lee canta muy bonito en este tema, ya ha dejado atrás las estridencias de otras épocas y ha conseguido domar su voz estupendamente.

“The Camera Eye” es el tema más largo del disco, casi 11 minutos, ¿y que pueden hacer Rush con un tema de más de diez minutos? pues dejarnos atontados de puro placer y soltarnos unas ráfagas de intenso buen rock y que sigamos dando gracias a todos los dioses y diosas por su existencia. Un tema rotundo.

Con “Witch Hunt” vuelve ese aire amenazador del que hablaba, una horda de gente grita enfurecida y se prepara una caza de brujas, una muy interesante historia para quizás el tema más “sinfónico” del disco. Una verdadera delicia para los sentidos, pura contención y ningún alardeo de más, un verdadero temazo y una verdadera joya de canción que tiene un aire peligroso que me entusiasma.

“Vital Signs” quizás el tema que nos iba preparando para lo que vendría después en la carrera musical de Lee, Lifeson y Peart, modernilla, fresca y con unos teclados  que serían la norma a partir de ahora. No es un mal tema, pero sí que creo que es el peor del disco.

PARA TERMINAR

La maestria con la que nos epataban en los anteriores trabajos aquí sigue muy presente, aunque sí que es verdad que se diluye un poco en aras de un mayor efectismo sonoro, suenan menos grandilocuentes y más directos. En mi opinión el último gran disco de Rush, no sé si mi preferido, ese honor a veces es para “2112”, otras para “A Farewell to Kings” o “Hemispheres” y otras muchas para esta maravilla que sin duda es el álbum que más cariño tengo de la banda. Conocer y amar este disco es entrar por la puerta grande en el fascinante y asombroso mundo de una banda sin igual. Por siempre jamás una de las mejores, sino la mejor, bandas de la historia de la música.


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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #10 en: 01 de Junio de 2016, 19:16:46 pm »
Rush – Exit… Stage Left (Anthem / Mercury, 1981)


Éste álbum fue editado como un doble elepé de vinilo el veintinueve de octubre de 1981 con estas canciones:

Cara uno:
1. "The Spirit of Radio" 5:11
2. "Red Barchetta" 6:46
3. "YYZ" (Lee, Peart [incluye un solo de batería de Neil Peart]) 7:43

Cara dos:
1. "A Passage to Bangkok" 3:45
2. "Closer to the Heart" (Lifeson, Lee, Peart, Peter Talbot) 3:08
3. "Beneath, Between & Behind" (Lifeson, Peart) 2:34
4. "Jacob’s Ladder" 8:46

Cara tres:
1. "Broon’s Bane" (Lifeson) 1:37
2. "The Trees" 4:50
3. "Xanadu" 12:09

Cara cuatro:
1. "Freewill" 5:31
2. "Tom Sawyer" (Lifeson, Lee, Peart, Pye Dubois) 4:59
3. "La Villa Strangiato" 9:37

Todas las canciones compuestas por Alex Lifeson y Geddy Lee (con letra de Neil Peart) salvo que se haya indicado otra cosa.

Como en futuros discos en directo encargados de cerrar sectores de la obra del grupo, y a diferencia de All the World’s a Stage, este doble álbum de vinilo recogía material de más de una gira. La cara segunda se registró en el mes de junio de 1980 (Glasgow, gira de Permanent Waves) y el resto del álbum en The Forum, Montreal, el veintisiete de marzo de 1981 (gira de Moving Pictures).

La formación y la instrumentación del trío fue la siguiente, por orden alfabético:
Geddy Lee - voz solista, bajo, sintetizadores, pedales de bajo y guitarra rítmica (“A Passage to Bangkok” y “Xanadu”).
Alex Lifeson - guitarras, pedales de bajo y segundas voces.
Neil Peart - batería y percusión.

El disco fue producido por Terry Brown.

Éste fue el primer disco de Rush que compramos. Igual que el segundo que conseguimos, lo adquirimos en una famosa y subterránea tienda de discos de segunda mano de Madrid. En este caso y como es sabido, Exit… Stage Left es la reflexión sobre lo hecho antes de dar el siguiente paso, el tercer sector, como todos sabemos.
Debemos decir que nos gustó instantáneamente y que su escucha fue el comienzo de nuestro interés por Rush. No ha de extrañar nuestra conducta, nos encantan los directos y los recopilatorios; y en nosotros es natural empezar el conocimiento de una artista o un grupo con este tipo de grabaciones.
Cuatro álbumes después de All the World’s a Stage y desde el punto de vista de los intereses de la industria el grupo ya juega en la liga de los grandes. A la hora de cerrar el segundo “sector” se sigue un procedimiento que a mí me recuerda el caso del disco en directo Seconds Out de Genesis. Sobre la base del material de una gira concreta se añade material de otra. Un largo tema en el caso de los británicos y toda la segunda cara del nuevo álbum en directo para los canadienses.
Nuevamente, y como en el caso del primer directo de Rush, aunque lo que hemos tenido en las manos y hemos escuchado ha sido un disco compacto hemos ofrecido el listado de los temas tal y como aparecía en el doble álbum, cara a cara. Si en los años setenta solía minimizarse el contenido del álbum en estudio previo al directo, para que las ventas del segundo no afectasen a las del primero no será éste el caso, con este directo ya que aquí nos vamos a encontrar una amplia representación de los dos discos de estudio precedentes, Permanent Waves y Moving Pictures, con tres piezas de cada obra. De este mismo “sector” tanto A Farewell to Kings como Hemispheres están incluidos a través de dos de sus piezas; y como recuerdo de la época anterior aparece un tema tanto de Fly by Night como de 2112. La organización del material es clara. Cada una de las caras del vinilo concluye con la pieza más larga que alberga.
Meditando sobre ello, encontramos que la organización por sectores puede ser algo engañosa. Se podría considerar en serio un “sector” alternativo que nace con Caress of Steel y termina con Hemispheres; otro entre Moving Pictures y Grace Under Pressure; y aún otro más entre Power Windows y Roll the Bones. Habrá tiempo para discutirlo.

La primera cara del doble álbum empieza como lo hacía el espléndido disco Permanent Waves con “The Spirit of Radio”, una vibrante canción con un riff irresistible y que es una de nuestras favoritas de la banda. Los breves interludios reggae nunca los comprendimos bien pero, no obstante, la canción funciona perfectamente para ir abriendo boca.
La segunda canción nos traslada al siguiente álbum, Moving Pictures, para desarrollar otra de nuestras canciones favoritas del trío. En este caso hablamos de “Red Barchetta”, una narración de ciencia ficción que se desarrolla en un mundo donde la mayor parte de los vehículos son ilegales.
No nos alejamos de Moving Pictures para escuchar el instrumental “YYZ” el cual contiene como interludio un solo de batería a cargo de Neil Peart. La introducción, con su ritmo 5/4 está basada en la versión en código Morse de las letras YYZ, código identificativo de la IATA para el aeropuerto internacional de Toronto.

Tal y como lo hacía en el álbum 2112, “A Passage to Bangkok” abre la cara segunda de la obra. En esta canción, que es un referencia al consumo “turístico” de drogas en los años setenta, Lee toca la guitarra rítmica durante el solo de Lifeson con su guitarra de doble cuello mientras hace la línea de bajo con los pedales Taurus. ¡Y canta! Desde luego, hace falta mucho control y aprender a ejercitar la división de atención para hacer esto.
Le sigue otra canción que abría segunda cara de vinilo, en este caso hablamos de la excelsa “Closer to the Heart”, que ocupaba ese lugar en A Farewell to Kings. Primer disco sencillo de aquel álbum, ha sido siempre una de las canciones favoritas del público de Rush y ha debido interpretarse cientos de veces. No nos extraña, es una muestra del aspecto más “Andersoniano” del grupo, para entendernos y como referencia. La canción desemboca en “Beneath, Between & Behind”, del álbum Fly by Night que se interpreta en una versión abreviada (se omite la segunda estrofa).
Finaliza la segunda cara del directo con la pieza que cerraba la primera cara de Permanent Waves, una larga pieza, compleja e intrincada, y con un comienzo ominoso. Una de las joyas de aquel disco y de este doble álbum.

La cara tercera comienza con un solo de guitarra exclusivo de este directo. “Broon’s Bane” está dedicado a Terry Brown, el productor del grupo y conocido como Broon por los amigos. Sirve como introducción a “The Trees”, canción proveniente del álbum Hemispheres. Narra un conflicto entre dos árboles.
La cara tercera termina como lo hacía la primera del disco A Farewell to Kings, con la interpretación del extenso tema “Xanadu”. Una canción compleja que requiere que todos los miembros del trío sean multinstrumentistas. Tanto  Lifeson y Lee usan guitarras de doble cuello (de seis y doce cuerdas el primero, rítimca y bajo el segundo), mientras que Lee debe ocuparse, además, de cantar y tocar sintetizadores y pedales. Peart va a utilizar percusiones adicionales a su batería.

La cuarta y última cara puede definirse sin exagerar como apoteósica ya que reúne algunas de las mejores canciones de este “sector”.
Da comienzo con la segunda canción de la primera cara de Permanent Waves, la incombustible “Freewill”, donde Lee se somete a algunos de sus registros más agudos para su voz. Obviamente, se refiera a la libertad de elección y es una de nuestras favoritas.
Sigue una de las canciones más populares de Rush, que ha interpretado siempre desde que se publicó en Moving Pictures. Se trata de “Tom Sawyer” definida por Peart como una canción sobre un rebelde individualista de nuestros días. Abría el álbum de donde procede. Si nosotros hubiéramos sido los productores de este directo habríamos intercambiado posiciones entre esta canción y la anterior.
Cierra la cara y el doble disco en directo un largo y complejo tema del álbum Hemispheres. Se trata de “La Villa Strangiato”. Es posible discernir algunas pequeñas diferencias entre la versión de estudio y la de Exit… Stage Left. Es un gran cierre para un gran directo.


En 1982 se publicó un vídeo (y Laser Disc) grabado el veintisiete de marzo de 1981 en Montreal Forum, Montreal, durante la gira del Moving Pictures. Doble disco en directo y vídeo no son equivalentes, por lo tanto. No lo conocemos pero sí podemos señalar algunas piezas que se interpretaban en la gira y que no aparecen en los vinilos.
Hablamos de “Limelight” (Moving Pictures), y un potpourri formado por “By-Tor and the Snow Dog” (Fly by Night), “In the End” (Fly by Night), “In the Mood” (Rush) y “2112: Grand Finale” (2112).

Para terminar esta reseña mencionamos un par de curiosidades:
La versión de este álbum en cartucho de ocho pistas es idéntica en el orden de las piezas a la del doble álbum de vinilo a diferencia del primer directo del trío.
En la primera edición en CD tuvo que omitirse por falta de espacio la canción “A Passage to Bangkok” que, en esta versión, sí fue incluida en el recopilatorio de la banda Chronicles. Esta perversidad, como ya sucedió con la cometida en la primera edición en CD de All the World’s a Stage, no encontramos otro calificativo para calificar un acto tan irrespetuoso,  fue reparada en ediciones posteriores.

Y con esto cerramos por ahora la transmisión, hasta el cierre del tercer sector.

Carlos Romeo.
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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #11 en: 09 de Junio de 2016, 18:00:08 pm »
SIGNALS



INTRO

Retomo el noble arte de intentar juntar letras y palabras, de construir frases con un mínimo sentido, con la idea de transmitir las sensaciones y placeres que produce la audición de un buen disco. Para muchas personas, que están tocadas por la magia de la escritura la empresa es un juego de niños, pero para mí no resulta tarea fácil traspasar a una hoja en blanco las emociones que me produce la música, como por ejemplo la que ahora suena: Signals de la banda canadiense Rush, pero una vez más voy a intentarlo, porqué sé que cuento con el favor de vuestra indulgencia.

De ese trabajo os voy a dar mi opinión e impresiones, las cuales como bien podríais imaginar son totalmente positivas, no en vano, como ya he repetido en más de una ocasión fue mi primer contacto en serio con el universo de esta gran formación, y realmente fue una entrada por la puerta grande.

Unas composiciones en las que los teclados tienen un papel importante, sin dejar de lado lo determinantes que han sido siempre las guitarras en el grupo y, por supuesto, con una base rítmica de percusiones y bajo realmente magníficas. De todo ello se hablará cuando se desgranen las canciones una a una en los siguientes parágrafos.


EL DISCO EN SU CONTEXTO

Corría el año 1982, nos metíamos en una de las etapas más negras del rock sinfónico (que era con el nombre en que yo lo conocí en mi juventud) o del rock progresivo, que es como más comúnmente se le conoce ahora.

La movida punk había calado entre una parte importante de la juventud, la estética de los ochenta se empezaba a imponer en la sociedad occidental, fue una época de grandes cambios de los que las diversas corrientes musicales no quedaron al margen, sino que al contrario quedaron profundamente influidas.

Las grandes bandas del rock sinfónico, que se habían hecho con una parte importante de las preferencias musicales del público en la década anterior, que habían llegado al momento cumbre de su historia, tanto a nivel de ventas de discos, como en el de las exitosas giras en las que llenaban estadios enteros. Pues bien, ni estas épicas formaciones fueron ajenas a estos cambios y poco a poco fueron perdiendo fuelle, parecía como si la inspiración de antaño les hubiese abandonado o como si la fórmula del éxito se agotase.


Por esos mismos años, poco más o menos, nacieron nuevas bandas de enorme calidad que intentaron tomar el testigo de las anteriores y en gran medida lo consiguieron, editándose trabajos de gran calidad, pero ya nada fue lo mismo, pocas formaciones dentro del ámbito del rock sinfónico llegarían a conectar con la amplitud de seguidores de las bandas de los 70, ni a llenar aforos tan impresionantes como los conseguidos en la década anterior. 

A grandes rasgos esta es la lectura del momento que yo hice en aquellos años y que después con el paso del tiempo y desde la perspectiva actual, creo que se puede decir que ha sido plenamente confirmada.

Ante esta situación hubo bandas que se adaptaron mejor, otras desaparecerían para siempre, algunas entraron en largos períodos de letargo y otras ni sabían qué camino tomar. El caso que nos ocupa, creo que estamos ante una de las que mejor se adaptó al nuevo orden de cosas.

Rush entró en los 80 en plena forma a todos los niveles, con un pasado repleto de grandes discos y con unas ganas enormes de evolucionar en la sonoridad clásica de la banda. Este hecho queda patente en el protagonismo que habían tomado los teclados en sus composiciones, dando un giro hacia una base más sinfónica, en detrimento de su lado más hard. Buena muestra de esta evolución, que ya empezó a notarse en sus trabajos de finales de los 70, queda totalmente demostrada en el disco que hoy tenemos entre manos: Signals.

 

SIGNALS

El disco fue publicado en septiembre del año 1982 por la compañía discográfica Mercury Records, bajo la producción de Terry Brown y la propia banda. La grabación se llevó a cabo el verano del mismo año, en los estudios Morin Heigths de Quebec (Canadá).

Como he comentado anteriormente este trabajo supone el paso definitivo de la consolidación de los teclados en los esquemas compositivos de la banda, lo cual le confiere un aire más sinfónico que por momentos recuerda o evoca a las grandes bandas del género de los años dorados.

A la vez con esta obra se nota una apertura a nuevos ritmos, como el reggae o la música electrónica, en gran medida, supongo que marcados por la influencia de la década que se iniciaba.

Este giro, que a mí personalmente me gusta, creó una cierta división entre sus seguidores, sobre todo fue muy criticado por los amantes del sonido más duro de sus primeros trabajos.


Los temas

1.Subdivisions    (5:32)
2.The Analog Kid (4:46)
3. Chemistry (4:56)
4. Digital Man (6:20)
5. The Weapon (Part II of Fear) (6:22)
6. New World Man (3:41)
7. Losing It (4:51)
8. Countdown (5:49)

Música: Lee y Lifeson

Letras: Peart

La banda y sus instrumentos:

Geddy Lee: Bajos Rickenbacker y Fender, Voz. Teclados: Minimoog, Oberheim OB-X y OB-Xa, Roland JP-8, pedales Moog Taurus, Oberheim DSX y caja rítmica Roland TR 808.

Alex Lifeson: Guitarra eléctrica Fender Stratocaster y pedales Moog Taurus.

Neil Peart: Batería y percusión.

Ben Mink: Violín eléctrico en el tema 7 (Losing It).

Subdivivions
Primer tema del álbum, y toda una declaración de intensiones de lo que pretenden transmitirnos con el disco. Introducción potente a base de sintetizador sobre un sostén rítmico creado con el bajo, la batería y la guitarra. No tarda mucho en aparecer la potente voz de Geddy, auténtica alma matter del tema, dominador absoluto de gran parte del protagonismo, tanto por su aportación con los teclados como por las impresionantes lineas de bajo.  El trabajo de Peart a la batería también está totalmente a la altura de la exigencia de la canción. La guitarra de Lifeson queda un poco relegada al soporte rítmico de la melodía, sólo hacia la parte final del tema se marca un mini solo, corto pero brillante.
En definitiva, uno de los temas marca de la casa que suelen tocar bastante en directo, con gran aceptación por parte del público.



The Analog Kid
Canción más en la línea habitual de la banda, con los teclados más dedicados a dotarla de atmósfera y soporte. Más presencia de guitarra, que en esta ocasión lleva más el tempo del tema, junto con una percusión brillante. Lee, está una vez más a un gran nivel con el bajo y su inconfundible voz suena tan bien como siempre.

Chemestry
Se inicia con una potente entrada de toda la banda en pleno, para al poco dar paso a unos finos punteos de guitarra, que pasan a guitarra rítmica con la entrada del cantante. Depués, una vez más el sintetizador cobra protagonismo junto con la voz de Geddy y de nuevo suena de fondo el punteo de Lifeson, todo esto con el acompasado ritmo de la batería de Peart.
La guitarra sobresale de nuevo con un gran solo de Alex con el que ya prácticamente muere la canción. Gran tema!!!

Digital Man
Una de mis favoritas del álbum, comienzo arrollador de Nil a la batería a la que se unen de inmediato la guitarra y unas lineas de bajo espectaculares. Si os gusta el sonido del bajo quedaros con este tema, en el podemos valorar la maestría y el gran dominio del mismo de Geddy.
Tras esta introducción el protagonismo lo desarrollan la voz y la guitarra. Aquí queda patente la intención de la banda de explorar nuevos sonidos, adaptando un cierto aire con sabor reggae, sobre todo en los ritmos de la guitarra.

The Weapon (Part II of Fear)
Este tema se inicia con una clara influencia de los años 80, con un sonido muy electrónico, hasta las percusiones parecen sonar electrificadas. Las influencias del rock espacial son notables y los juegos con los teclados están muy presentes. Por lo demás, tanto la voz como la guitarra y el bajo, siguen la pauta esencial de Rush, eso si, adaptada a los nuevos tiempos.

New World Man
Otra canción de marcado carácter electrónico, las ganas de experimentar nuevos caminos de la banda son evidentes. Esta vez el guiño al rock electrónico es muy evidente en su comienzo, para marcarse después unos compases cercanos al reggae.
Pero a pesar de esos guiños evidentes a emprender nuevas aventuras en su sonoridad, la esencia de Rush sigue muy presente, con sus conocidos rifs guitarra y las magistrales lineas de bajo.


Losing It
Introduce el tema el sintetizador pausado, seguido de la voz de Lee que acaba fundiéndose todo en uno. La entrada de la batería de Nil y la guitarra de Lifeson van dándole forma a la melodía. La canción avanza en un in crescendo, de connotaciones muy sinfónicas, hasta que la batería va aumentando el ritmo sobre una base de teclados, para acabar en un extraordinario solo de violín a cargo de Ben Mink, el tema alcanza el clímax y Rush nos vuelve a obsequiar con otra composición de gran calidad.


Countdown
Llegamos al final del disco con otro de los grandes temas, Rush se despide en plena forma y dejándonos un buen sabor de boca.
La canción está dedicada a la NASA y empieza con una voz enlatada que simula la comunicación de los astronautas con el control de Tierra. Cuenta con efectos sonoros diversos, en una de las fases más experimentales del disco.
Los teclados vuelven a ganar mucho protagonismo, con un par de solos de sintetizador en la mejor tradición sinfónica setentera, lo cual a mí me encanta. La batería de Nil extraordinaria, la guitarra, como siempre, a un nivel altísimo, el ritmo constante y la grabación de la voz en off acompañando en casi todo momento.
Si el disco se inició con la fuerza de Subdivisons, el final no es menos potente con este Countdown. Rush en estado puro.



Reflexión final: es ¿Geddy Lee el músico más explotado del rock progresivo? Porqué es como un hombre orquesta.





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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #12 en: 17 de Junio de 2016, 13:03:14 pm »
                                                        RUSH - "Grace under pressure"
                                     
                                       


Corre el año 1984 y la banda se encuentra en la necesidad de hacer algunos cambios . En su anterior álbum “Signals” , ya se intuía un cambio en el sonido de la banda con un mayor protagonismo de los  teclados, quedando un tanto diluída la guitarra de Lifeson. Para la grabación de “Grace... decidieron prescindir de su productor habitual Terry Brown, fijando su vista en uno de los productores de moda en aquella época como era Steve Lilywhite, el cual estaba ocupado con  gente como Peter Gabriel o U2. Aunque en un principio pareció aceptar, finalmente rechazó la oferta y la banda reclutó  a Peter Henderson, productor de Supertramp y   reputado ingeniero de sonido además, con lo que el cambio estaba garantizado.
Ese cambio se nota en el sonido de la banda desde el primer momento.  Hay más equilibrio en este disco entre los teclados y las guitarras. Los fondos de teclados están más contenidos y las guitarras adquieren más protagonismo que en “Signals” , pero siempre en forma de texturas o capas, con poca concesión a los solos. Creo que esa es la principal característica de este álbum. Esas guitarras rasgadas de Lifeson , que en muchas ocasiones me recuerda a la guitarra de Andy Summers, de The Police.

                               

La otra característica sin duda  de este disco es la voz de Lee, que aquí se muestra , ¡por fin! con un tono menos agudo de lo habitual. La voz de Lee siempre me ha supuesto una barrera a la hora de disfrutar de esta banda, especialmente en sus primera época más rockera. Con el tiempo su registro se ha ido suavizando y creo que es en  este disco donde ha dejado de molestarme, sinceramente. En  fin, es una cuestión de gustos. Jon Anderson tiene un registro muy agudo, pero no concibo la música de Yes sin él y realmente me gusta. Supongo que a mucha gente le pasará lo mismo con la de Geddy Lee.

Para la portada del disco eligieron una pintura de Hugh Syme. Bonita portada sin duda, que al parecer según rumores su original se encuentra colgada de alguna pared de la vivienda de Neil Peart.

                               

En cuanto al disco, la parte positiva, aparte de la voz de Lee, son  esas texturas guitarreras sabiamente compaginadas con suaves capas de teclados que esta vez sí, se superponen a la perfección, sin llegar al casi empalago de “Signals o qué decir de  discos posteriores y ese sonido compacto y sin fisuras marca de la casa. Realmente son una máquina perfecta de hacer música.
 En la parte negativa está quizás ese sonido plano que hace que todos los temas vayan pasando sin apenas cambios entre ellos y que  hace difícil recordar qué o cual tema estamos escuchando pues realmente todos suenan muy parecidos. Suenan muy bien si,  pero para mi gusto bastante planos. Es el defecto que le veo siempre a esta banda. Y dicho esto, tengo que reconocer que junto a Hemispheres, es el disco que más me gusta, a pesar de que sé que no es un disco considerado de los clásicos de la banda. Es el único disco de la banda que me compré hace tiempo en uno de los muchos intentos de intentar profundizar en su música.

En cuanto a las letras y la temática,  éste es un disco oscuro, algo pesimista en sus letras, con referencias continuas a la guerra fría, las tensiones entre los dos grandes bloques y la siempre temida amenaza nuclear, algo que siempre preocupó mucho a Neil Peart.

                                           

Neil Peart: Batería acústica y electrónica, percusión
Geddy Lee: Bajo, sintetizadores, voz.
Alez Lifeson: Guitarras, sintetizadores.

1.- “Distant early warning”.  Un tema que habla de guerra nuclear, lluvia ácida, etc ¿Es Andy Summers de The Police quien rasga esa guitarra en la intro?. Bien podría serlo. Como he comentado antes, encuentro muchas similitudes en este disco entre ambos guitarristas. La voz de Lee suena más grave (si eso es posible) que de costumbre. Una buena base de teclados sobre la que se superponen las guitarras y la siempre precisa batería de Peart. Potente tema para abrir el álbum.

2.- “Afterimage”. Un tema algo más reposado cuya letra hace referencia a un amigo de Lee que murió durante la grabación del álbum y que es recordado aquí . Lee canta muy bien con un estribillo a ritmo casi de ska.  Lifeson destaca especialmente en este tema.

3.- “Red sector A”. Un tema que evoca el horror de los campos de concentración durante la 2ª Guerra Mundial. Inspirado en recuerdos de la madre de Lee, quien estuvo prisionera durante la guerra en Bergen-Belsen.  Como vemos , la temática del disco es una auténtica alegría, al menos en cuanto a las letras. Musicalmente es un gran tema en el que Peart se desquita en la parte central del tema con la batería electrónica.

4.- “The enemy within ( Part I of fear). A ritmo de ska ( otra vez me viene a la cabeza Andy Summers), un tema mucho más alegre que  rompe con el pesimismo de los temas anteriores. Buen equilibrio entre guitarras y los teclados de fondo .

5.- “The body electric”. Tema futurista marca de la casa que habla de un androide que escapa de los humanos e intenta reprogramarse a si mismo y pide ayuda en código binario.  Lee repite  el 1001001 ( parte de la palabra S.O.S. en código binario) sin descanso. Excelente el ritmo que lleva Peart con las baquetas.

6.- “Kid gloves”. Nervioso y acelerado tema. Nada que ver la voz de Lee con su primera época. Seguramente el tema más comercial del disco, pero suena francamente bien, con un intermedio instrumental absolutamente furioso.

7.- “Red lenses”.  Vuelven a la carga con el tema de la guerra fría. ¡Que vienen los rusos! vienen a decir en este tema que habla de los miedos sobre la horda roja que acecha en cualquier esquina. Un poco preocupante  comprobar las fobias o las paranoias del amigo Peart con respecto al tema. De todos modos es un tema más complejo que los anteriores en el que me gusta mucho el bajo de Lee.

8.- “Between the wheels”.  Sin duda para mi, el mejor tema del álbum. Guitarrero otra vez y con más presencia de teclados que en otros temas y en el que vuelve a hablar de que si la humanidad sigue por esta senda, estamos abocados a  una guerra que acabará  con ella. Vamos, la alegría de la huerta. Nunca pensé que diría esto, pero me gusta mucho cómo canta Lee en este tema.

¿Me estaré reconvirtiendo y terminaré abrazando la verdadera fe de Rush? Sinceramente no lo creo.
Como comentaba antes, Rush no son precisamente de mis bandas favoritas. Me resultan demasiado planos para mi gusto, aunque tengo que reconocer que son una auténtica máquina de hacer música. Sus discos suenan perfectos, muy bien producidos (salvo excepciones como "Vapor Trails), pero que a mi entender les falta algo de alma. Sé que a muchos de vosotros esto les parecerá un sacrilegio pero así es como lo siento.


¡Dios mio, está lleno de estrellas!

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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #13 en: 24 de Junio de 2016, 11:40:03 am »
RUSH-GRACE UNDER PRESSURE TOUR (1985)


-“The Spirit Of Radio”

-“The Enemy Within”

-“The Weapon”

-“Witch Hunt”

-“New World Man”

-“Distant Early Warning”

-“Red Sector A”

-“Closer To The Heart”

-“YYZ/ The Temples Of Syrinx/Tom Sawyer”

-“Vital Signs”

-“Finding My Way/In The Mood”



Geedy Lee: voz, bajo y sintetizadores.

Alex Lifeson: guitarras y sintetizadores

Neil Peart: batería y percusión.




Grabado en directo el 21 de septiembre de 1984 en Maple Leaf Gardens, Toronto, Ontario,Canadá. Publicado por Anthem y Mercury Records en 1985 en VHS y Laserdisc. Reeditado en DVD en 2006 como parte de la caja “Rush Replay X 3”, que además incluía los DVD’s de “Exit…Stage Left”, “A Show Of Hands” y un Cd con la banda sonora de “Grace Under Pressure Tour”.  Este Cd se publicó también por separado en 2009.

La gira de “Grace Under Pressure” comenzó el 7 de mayo de 1984 y terminó el 25 de noviembre del mismo año, tras unos 80 conciertos por Canada, Estados Unidos y Japón, contando con músicos muy importantes como teloneros, Gary Moore, Pat Travers, Fastway, Y&T, Red Rider,etc…Antes, en septiembre de 1983, realizaron cinco conciertos en Nueva York probando alguno de los nuevos temas, que aun no se habían grabado, junto a otros de sus anteriores discos, con Marillion como teloneros.


Cuando se publicó este VHS, yo aún no conocía a Rush, así que cuando por fin lo vi ya habían pasado varios años desde su salida. Con los 3 miembros de la banda vestidos al más puro estilo de los‘80, con Alex Lifeson que parece sacado de una banda de Nuevos Románticos, el trio se mostró durante esta gira como lo que era, un reloj de precisión, con unos engranajes perfectos. Tras muchos años girando, Rush aparece como una formación madura, de una fuerza impresionante.

El vídeo comienza con una melodía muy conocida como introducción, la sintonía de la comedia televisiva norteamericana, “The Three Stooges”, que enseguida da paso a “The Spirit Of Radio”, del álbum “Permanent Waves” (1979). Una versión alucinante, en la que resulta curioso ver a un power trio tan potente vestidos al más puro estilo '80's. Además, podemos comprobar la calidad del sonido de la versión en DVD, remasterizado por el propio Alex Lifeson. Una versión realmente intensa. Continuamos con tres piezas de diferentes discos, pero que forman parte de la que en aquel momento era una trilogía de Neil Peart llamada “Fear”. La primera es “The Enemy Within”, una de las joyas de “Grace Under Pressure” (1984), donde destaca la maravillosa línea de bajo de Geedy Lee. La segunda, presentada por un vampiro haciendo de hombre lobo en las pantallas de detrás del escenario, es “The Weapon”, de “Signals” (1982). Los sintetizadores toman el protagonismo, y el recinto  se llena de luces y laseres, como si de una discoteca se tratase. Aún así, es una canción por la que siento debilidad. La tercera es la impresionante “Witch Hunt”, del álbum “Moving Pictures” (1981). Una de las mejores canciones de Rush, oscura, grandiosa, precedida por imágenes de una horda furiosa preparándose para un linchamiento. ¡Genial!. Tras esta “Trilogia del Miedo”, le toca el turno a una pieza que nunca me ha gustado mucho, “New World Man”, del álbum “Signals”, bien interpretada, con ese aire reggae propio de algunos de los temas de Rush de la época, con ciertas influencias de The Police, como ellos mismos han reconocido en alguna entrevista. De pronto, aparece la portada de “Grace Under Pressure” en movimiento en la pantalla, seguido del comienzo del video de “Distant Early Warning”, la primera canción que escuché del trio canadiense, y que me parece una maravilla. Curiosamente, no la escuché en ningún disco de Rush, sino en una cinta recopilatoria que compré en 1988 en un mercadillo, titulada “Hear’n’Aid”. Para los que no os acordéis, este fue el nombre de un proyecto de un montón de músicos de Heavy Metal, liderados por Dio, que en 1985, para ayudar a recaudar fondos para Africa, grabaron la mítica canción “Stars”, que luego abrió este recopilatorio con piezas en directo de Kiss, Y&T o Judas Priest entre otros.Una de estas canciones fue “Distant Early Warning” de Rush, que me dejó alucinado. La interpretación en este DVD es magistral, con los tres músicos en estado de gracia.


Sin abandonar “Grace Under Pressure”, continuan con otro temazo, “Red Sector A”, con Geedy Lee centrado en los teclados. Por la época, es un tema algo “sintético”, pero me encanta. Los sintetizadores dejan paso a la guitarra acústica para la llegada del clásico “Closer To The Heart”, de “A Farewell To Kings” (1977), interpretada con mucha fuerza y pasión, y que incluye una sección instrumental final que el trío comenzó a incluir en los conciertos una semana antes de esta actuación. Otro de los grandes momentos de la noche llegó con las primeras notas de la brutal “YYZ”, imprescindible pieza instrumental de “Moving Pictures”, que aquí se mezcla con la segunda parte de la suite “2112”, “The Temple Of Syrinx”, que ya estaba cantado un tono más bajo y con otro clásico de “Moving Pictures”, “Tom Sawyer”. Sin abandonar el mítico álbum de 1981, Rush interpreta “Vital Signs”, que nunca me ha vuelto loco, con ese ritmo reggae propio de la época. Para terminar, el trio viaja a atrás en el tiempo y nos ofrece la mezcla de “Finding My Way” e “In The Mood”, ambas de su álbum debut.

La única pega que puedo ponerle tanto al DVD como al Cd es que no esté el concierto completo, ya que sería genial poder escuchar el resto de las canciones que la banda tocaba en esta gira, como por ejemplo “Subdivisions”, “The Body Electric”, “Between The Wheels”, “Red Barchetta”,etc…


En definitiva, un conciertazo de una banda en plena forma, que hasta el momento abordaba la década de los ’80 con mucha dignidad y buenos discos. En mi opinión, a partir de aquí, su nuevo material dejó de estar a la altura.

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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #14 en: 29 de Junio de 2016, 08:44:52 am »
POWER WINDOWS - 1985, el poder de un nuevo sonido.


Power Windows se enclava dentro del sector 3 del grupo, sector que empieza con el disco Signals de 1982. En este sector predomina una creciente aparición de los sintetizadores ochenteros en detrimento de la guitarra. Rush decide modernizarse por ese camino, cambiando el formato de los temas a canciones de estructura más convencional, todas entre 5 y 6 minutos de duración. Dado lo cual, si no te gustan las canciones comerciales ni los sintes ochenteros, es mejor que no lo intentes e incluso que te saltes esta reseña y la siguiente, porque esta música no va a ser lo tuyo. Por otra parte, si esto no es determinante, te vas a encontrar un disco donde todos los temas son buenos y que no tiene altibajos.

Lista de canciones:
1.- The Big Money (5:36)
2.- Grand Designs (5:05)
3.- Manhattan Project (5:05)
4 - Marathon (6:09)
5.- Territories (6:19)
6.- Middletown Dreams (5:15)
7.- Emotion Detector (5:10)
8.- Mystic Rhythms (5:54)
Tiempo total: 44:28


Músicos:
Geddy Lee: Voz, Bajo, Sintetizadores y Pedales.
Alex Lifeson: Guitarras Eléctricas y Acústicas.
Neil Peart: Batería, Percusión Acústica y Electrónica.



Andy Richards: Sintetizadores y Programación.
Anne Dudley: Arreglos y dirección de orquesta de cuerdas, grabada en los Estudios Abbey Road de Londres, Reino Unido.
Andrew Jackman: Arreglos y dirección de Coro, grabado en los Estudios Angel Studios de Londres, Reino Unido.

"Jimbo" Barton: Ingeniero de sonido.
Peter Collins: Productor.

Grabado de Abril a Junio y Agosto de 1985, en los estudios The Manor, Oxfordshire;
Sarm East Studios, Angel Studios, Abbey Road Studios, Londres y AIR Studios, Montserrat.

El disco trata del “Poder” y de sus manifestaciones, tanto en presencia como en la ausencia del mismo y su manifestación a través de la cotidianidad en la vida colectiva. Con respecto al título también podemos decir que en el mundo anglosajón se llama “power windows” a los elevalunas eléctricos.

La portada es un dibujo del portadista Hugh Syme que recrea a un modelo real de un muchacho de Toronto. En la portada el muchacho se asoma a la ventana con un mando a distancia, como si el muchacho pudiera controlar y tener el poder sobre el exterior. En ese exterior se está desatando una tormenta. Aparte salen otras ventanas de poder representadas por los distintos televisores que aparecen. Este portadista es también músico y toca teclados incluso en discos de Rush. Hugh Syme es el portadista de Rush desde el Caress of Steel en 1975 y es el creador del icono del Starman de 2112.

Este disco en el primero que Rush graba íntegramente en formato digital, y el primero que sale simultáneamente en los soportes de casete, LP y CD.

En lo que se refiere a su popularidad, el disco alcanzó la categoría de disco de oro en ventas el 18 de diciembre de 1985 y la de platino el 27 de enero de 1986. Power Windows llegó a la posición 10 en la lista de popularidad "Billboard 200". En el Reino Unido, el disco llegó al noveno puesto en la lista UK Album Chart.

Hay que resaltar que este disco es el primero que producen con Peter Collins, productor inglés de rock comercial. En la carrera de este hombre hay grupos como Gary Moore, Bon Jovi, Billy Squier, Air Supply, Alice Cooper, Nik Kershaw, Suicidal Tendencies, Indigo Girls, Jermaine Stewart, Jane Wiedlin, October Project, The Cardigans, Rosetta Stone, Josh Joplin, Tracey Ullman, y Drake Bell. Peter Collins está con Rush en este y el siguiente disco (Hold Your Fire 1987). Y también trabajará con ellos posteriormente en los discos Counterparts 1993 y Test For Echo 1996.

En esta primera época, este productor apuesta por ese sonido claro y pulcro, con mayor presencia de las teclas, donde los largos solos de guitarra que aparecen en el disco 2112 ocupan poco sitio. Esta pérdida del papel solista por parte de Alex Lifeson va creando en él cierto desasosiego. Las teclas se van imponiendo y es Geddy Lee el encargado de las parte de las melodías y de la mitad de los solos. Geddy va aprendiendo y ya toca una gran variedad de teclados, con las manos e incluso con los pies. Pasa a ser encargado de la base rítmica a tener papel solista y también de rellenar espacios con texturas. Se van creando ciertas tensiones entre los dos amigos del instituto en lo musical. Nunca llegan a ir más allá porque Geedy y Alex siempre han sido amigos de verdad. Con respecto a la batería, este productor saca mucho más partido que el anterior, donde la caja de Neil Peart sonaba apagada, ahora suena todo potente y brillante. Es curioso que a la vuelta del productor al grupo, este les llevaría hacia un sonido más duro. El grupo se va adaptando a la década que les toca vivir. Casi todos los seguidores de Rock Progresivo solemos apreciar más los discos de los 70, con sus suites y sus estructuras. Pero si un grupo no se renueva de alguna forma, se pierde el interés, tanto de los músicos como de la afición. Por lo menos este grupo lo hace de forma digna, sin dejar de trabajarse los discos e intentando dar un producto honesto y unos conciertos repletos de espectáculo.

El disco sale editado el 15 de octubre de 1985. Hay un mini Tour previo al lanzamiento en marzo de 1985 donde se incluyen los temas “The Big Money (Early version.)” y “Middletown Dreams (Early version.)”. Son 5 conciertos en Florida. El primer concierto de la gira se produce el día 4 de diciembre de 1985 y se extiende hasta el 26 de mayo de 1986, girando por Estados Unidos y Canadá. Los temas elegidos de este disco para la gira son en este orden: “The Big Money”, “Manhattan Project”, “Middletown Dreams”, “Marathon”, “Mystic Rhythms”, “Territories” y como bis “Grand Designs”. Es decir, sólo se dejan “Emotion Detector” fuera, con lo que se trata de un disco bien defendido en directo. El disco es remasterizado el 3 de junio de 1997.

Yo adquirí este disco en vinilo junto con el resto de discos ochenteros del grupo hacia los años 88-90 y los escuché todos seguidos una y otra vez. En Rush me introdujo un amigo del barrio que vivía en un chalecito cercano al piso de mis padres. Y el primer disco que pude escuchar fue A Farewell to Kings, que me gustó bastante pues tenía todos los ingredientes del rock sinfónico con el que tanto disfrutaba. La voz de Geddy Lee me chocó al principio, pero no fue obstáculo. Mis temas favoritos, no sabría escoger porque todos son buenos, pero podría resalta “Marathon”, por ser un tema hecho un poco más a la antigua, con sus partes y su largo solo de guitarra. Y “Middletown Dreams” por su preciosa melodía, pero casi que elegiría cualquier otro según el momento.

Con respecto a la gestación del disco, el grupo estuvo encerrado en febrero de 1985 durante 3 meses en el austero estudio Elora Sound, en una granja de Ontario que tenía una grabadora de 24 pistas. Los tres llegaban con los deberes hechos. Neil traía letras ya preparadas de los temas “The Big Money”, “Mystic Rhythms” y “Marathon”. Geddy traía grabaciones con melodías compuestas en su casa y Alex unas cintas con riffs. Fuera de la granja había una tormenta terrible y los relámpagos brillaban por doquier. Esto es reflejado posteriormente en la portada del disco. “Middletown Dreams” y “Grand Designs” se van gestando.

Tras este periodo y ya en marzo, la banda se desplaza a Miami donde se realiza la mini gira. El nuevo productor les recomienda al ingeniero de sonido australiano "Jimbo" Barton con el que Neil está muy contento.

Después de la mini gira, vuelven a Elora Sound y empiezan a juntar las partes de la balada que se convierte en “Emotion Detector”. Neil se distrae con salidas de bici y ski mientras compone las letras de “Territories” y “Manhattan Project”. Junto al resto de temas,  “Territories” va tomando forma y es “Manhattan Project” el niño problemático que no quiere salir. Este tema les lleva un tiempo, tanto a Neil para investigar todos los datos para poder escribir unas buenas letras, como a los demás para elaborar la melodía. Por fin es terminado con ayuda de Peter Collins. El grupo está contento con el productor, pues nunca intenta cambiar los temas creados, limitándose a portar ideas que van sumando.

De aquí y ya en abril, la banda se desplaza, a requerimiento del productor, a The Manor, en Oxfordshire Inglaterra para grabar el disco, cosa que se hace rápidamente. Andy Richards les ayuda con la programación de teclados y creación de texturas. Neil adquiere samplers de tambores indios y africanos que van a servir en “Mystic Rhythms”. Alex, un poco aburrido por su pérdida de papel solista se dedica a pintar al óleo. Neil Peart siempre ha apreciado mucho ir a Inglaterra a grabar por ser la cuna del rock progresivo.

Y en mayo a la isla caribeña de Monserrat, donde Alex se dedica a poner capas de guitarras mientras los demás se pegan la vida padre.

Vuelven a Inglaterra para junio a los Sarm East Studios donde Alex trabaja en los solos de guitarra y Geddy pone las voces. En julio van a una casa de campo en Chelsea para las mezclas. Se decide el orden de los temas, la portada, los créditos y las fotografías. Se aportan los arreglos de orquesta de cuerdas que aparecen en “Manhattan Project” con un set de 30 piezas en el Estudio 1 de los Abbey Road Studios, donde Neil Peart se queda admirado por la historia de los discos que se han realizado aquí. Un coro de 25 voces se utiliza en el final de “Marathon” y se graba en los Angel Studios en septiembre. Las últimas decisiones se toman en New York y ya se concluyen todos los procesos de elaboración.

En los créditos del disco figura la frase “Brought to you by the letter "M". Esto es un juego, es simplemente que casi todos los temas del disco empiezan por esa letra o la contienen como inicio de alguna palabra.

En 1985 se publican distintos singles de 7” y 12” que tienen como nexo el tema “The Big Money”, más otros temas de acompañamiento, ya sean de este disco o de los anteriores. Hay 14 versiones publicadas: https://www.discogs.com/es/Rush-The-Big-Money/master/62950


En 1988 también se publica un cd audio/vídeo en forma de single con el siguiente repertorio:
Audio
1. The Big Money (5:36)
2. Red Sector A - LlVE (5:25)
3. Marathon (6:09)
Video
1. The Big Money (4:52)


Con respecto al radiado de los singles, este fue el resultado obtenido:
"The Big Money" Chart positions: No. 45 US Hot 100; No. 4 US Mainstream Rock; No. 46 UK
"Territories" Chart positions: No. 30 US Mainstream Rock
"Mystic Rhythms" Chart positions: No. 21 US Mainstream Rock
"Manhattan Project" Chart positions: No. 10 US Mainstream Rock
"Marathon" Chart positions: No. 6 US Mainstream Rock

La estructura de todos los temas es similar, con un formato de canción con arreglos progresivos, donde se inicia con efectos de teclados mientras arranca el bajo con un ritmo funky. Los temas se van desarrollando intercalando un  par de veces el estribillo, luego hay un solo con guitarra y a veces alternado con teclados, una preparación al final con un momento álgido en lo emocional y el final.

La batería es un set mixto electrónico y acústico con sampleados para sacar sonidos de tambores indios y africanos (en “Mystic Rhythms”) y la caja, que es acústica, está afinada bastante aguda. Hay que decir que Neil Peart es un batería que no abusa de la batería electrónica, la mezcla con la acústica de forma que no cansa. En la guitarra hay muchos overdubs con guitarra acústica y sobre ella una eléctrica o bien una guitarra electroacústica de base. Los teclados tienen muchas capas y hay un tremendo trabajo de estudio, como prueba el que fuera grabado en distintos estudios musicales. En el sonido se busca la llamada de atención a través del trallazo, ya sea de teclados o de guitarra. Aquí hay una pérdida de la identidad y pureza del rock más tradicional por una forma mucho más elaborada donde todo está milimetrado a modo de anuncio publicitario. Se busca la máxima atención en cada momento. Y que nadie piense que detrás de esto no hay un trabajo inmenso cuyo resultado puede gustar o no.

1.- The Big Money (5:36) El título y la temática del tema trata sobre una novela del mismo nombre del escritor norteamericano John Dos Passos, conocido por su trilogía The 42nd Parallel (1930), 1919 (1932) and The Big Money (1936). Neil Peart le reconoce como uno de los literatos que más le ha influido. En el tema se relatan los devenires de las grandes fortunas y el comercio moderno.

2.- Grand Designs (5:05) En este tema Neil Peart critica el formato de música comercial imperante en la época. Resulta curioso, pues ellos mismos salen de discos anteriores mucho más progresivos para internarse por una senda más comercial, eso sí, la que ellos querían. Pues a partir del disco de 2112 el grupo logra la independencia sobre las compañías discográficas en términos compositivos. Ellos ponen de manifiesto que todo es pose y que es muy difícil encontrar algo que valga la pena.

3.- Manhattan Project (5:05) Se relatan los acontecimientos del Proyecto Manhattan que es el proyecto secreto de Estados Unidos para crear el arma definitiva, la bomba atómica. Neil Peart nos hace imaginarnos la situación de búsqueda de un final para la Segunda Guerra Mundial, al científico que desarrolla la tecnología, los ensayos en el desierto y finalmente al piloto del Enola Gay tirando el arma.

4 - Marathon (6:09) Este tema trata de la carrera de marathon, de cómo la siente el corredor y cómo hay que afrontarla. Con la moraleja de aplicar este esfuerzo de carrera de fondo a la vida misma.

5.- Territories (6:19) La manifestación del poder aquí trata de los nacionalismos y sus efectos negativos. Ellos disparan sin vergüenza, en el nombre de un pedazo de tierra, por un cambio de acento o por el color de tu camiseta. También se lanza un mensaje de internacionalismo, mejor el orgullo que reside en un ciudadano del mundo, que el orgullo que divide cuando un trapo de colores se despliega.

6.- Middletown Dreams (5:15) La monotonía y cotidianidad en una ciudad y sus habitantes soñando con vidas mejores.

7.- Emotion Detector (5:10) Anima a expresar las emociones aún a costa de volvernos vulnerables frente a la actitud de ser “cool” o popular. Una temática muy norteamericana. Hay que recordar que ninguno de ellos era “cool” en el high school.

8.- Mystic Rhythms (5:54) El poder del conocimiento, de ir adentrándonos en terreno desconocido. Son ritmos místicos que nos llevan por lo desconocido y lo invisible. Y siempre habrá conocimientos ocultos.

Es un disco disfrutable que yo recomiendo a toda persona sin prejuicios hacia los sintes ochenteros y hacia formas más comerciales de un rock progresivo muy trabajado, donde hay mucho más de lo que se aparenta. Es un disco que continúa una trayectoria lanzada dos discos atrás y que la proyecta hacia el disco siguiente. Espero que os guste.

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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #15 en: 08 de Julio de 2016, 15:06:05 pm »
HOLD YOUR FIRE - 1987, repitiendo la fórmula.


Con este disco se cierra el sector 3 del grupo, es su duodécimo disco en estudio. Y eso en Rush significa que después hay directo oficial editado. Ya en el anterior disco se describe a lo que tiende la música de Rush en este sector. Y aquí se acentúa aún más el formato de los temas a canciones de estructura más convencional e incluso se acorta su duración. Los temas pasan de durar entre 5 a 6 minutos a durar entre 4 y 5 minutos. Otra vez se da el aviso a navegantes en cuanto a prejuicios. Si no te gustan ni los sintes ochenteros ni la música comercial, sáltate este disco. Pero al igual que el anterior, es un disco donde todos los temas son coherentes con una idea, están trabajados y tienen bonitas melodías y buenos solos. Yo creo que merece la pena intentarlo.

Lista de canciones:
1. Force Ten (4:31)
2. Time Stand Still (5:08)
3. Open Secrets (5:37)
4. Second Nature (4:36)
5. Prime Mover (5:18)
6. Lock And Key (5:09)
7. Mission (5:15)
8. Turn The Page (4:55)
9. Tai Shan (4:15)
10. High Water (5:33)

Tiempo Total: 50:17


Músicos:
Geddy Lee: Voz, Bajo, Sintetizadores y Pedales.
Alex Lifeson: Guitarras Eléctricas y Acústicas.
Neil Peart: Batería, Percusión Acústica y Electrónica.


Aimee Mann: Voz en Time Stand Still y sampler de risa en Force Ten.
Andy Richards: Sintetizadores y Programación.
Steven Margoshes: Arreglos y dirección de orquesta de cuerdas, grabada en los Estudios. McClear Place de Toronto, Canadá.
"Jimbo" Barton: Ingeniero de sonido
Peter Collins: Productor

Grabado entre enero y abril de 1987 en los estudios Air Studios, Montserrat, The Manor, Oxfordshire, Reino Unido y McClear Place, Toronto, Canadá.

Este disco también tiene un nexo común en la temática de todos los temas y es el “Tiempo”. El término “hold your fire” significa alto el fuego, pero puede significar también no me dispares.

La portada es un dibujo del portadista Hugh Syme. La banda nunca ha querido dar la explicación de esta portada. Es de imaginar que las tres bolas rojas que aparecen les representan. Pero la simbología está por dentro, en una imagen donde sale un hombre que hace malabares con tres bolas colocadas en la misma posición. Pero esta vez la bolas son de fuego, el hombre está deteniendo el fuego, como el nombre del disco. Entre otras curiosidades y numeradas de izquierda a derecha, empezamos con una caja con el logo de Rush del primer disco. El perro y el hidrante de la portada del Signals en el medio. Sobre ellos las teles de la portada del Power Windows. En el muro, el número 15 que es el orden que ocupa este disco entre estudios y directos. El reloj del Restaurante llamado Tai Shan en caracteres chinos marca las 21:12, como el álbum de 1976. Hay un Mercury aparcado, como el sello discográfico. Y arriba en una ventana se ve la estatua de la libertad que todos sabemos que porta una antorcha con su fuego.


El disco es editado simultáneamente en formatos LP, CD y casete, como el anterior. Y también es grabado con tecnología digital. Peart dice que este es el primer disco donde ellos pensaron que no tenían por qué someterse a las limitaciones de duración de los vinilos, ya que la mayoría de la gente ya compraba principalmente CDs y casetes. Es por eso por lo que decidieron componer "Force Ten", como luego veremos.

Hold Your Fire fue recibido con decepción en cuanto a las ventas comerciales en comparación con otros discos de Rush anteriores. Alcanzó el puesto #13 en el Billboard 200 album chart, el primer disco de estudio de Rush que falla en alcanzar el Top 10 desde el Hemispheres de 1978. También fue el primer disco de estudio en no alcanzó el disco de platino RIAA en USA, desde el Caress of Steel de 1975. Las ventas del disco abarcan un disco de oro en USA (RIAA 500.000), un disco de platino en Canadá (CRIA 100.000) un disco de plata en UK (BPIO 60.000). Como se ve, sin mucho éxito comercial.

El disco vuelve a realizarse bajo la producción de Peter Collins, que hace un trabajo similar al realizado con Power Windows. Lo dicho en el disco anterior vale también para este.

El disco sale editado en día 8 de Septiembre de 1987. En 29 de octubre empieza la gira por USA. Después se suceden Canadá, Inglaterra, Escocia, Holanda y Alemania, finalizando el 8 de mayo de 1988. Los temas defendidos en directo en su gira fueron “Turn The Page”, “Prime Mover”, “Force Ten”, “Time Stand Still”, “Lock And Key” y “Mission”, es decir, 6 de 10. También puede considerarse que es bien defendido en directo. Se hace una remasterización el 3 de junio de 1997. Se hizo posteriormente otra remasterización en 2011 a cargo de Andy VanDette para las cajas "Sector" que sacaron toda la era Mercury de Rush. Fue incluido en el Sector 3. Para este remaster, se usaron inadvertidamente cintas master que contenían distintas mezclas del disco a las del disco original, con el resultado de que esta edición es sensiblemente distinta de sus anteriores en muchas partes, especialmente en el tema "Mission", donde las partes de cuerda no están presentes en la edición original, y la introducción de “Tai Shan", donde las campanillas de viento (wind chimes) han sido añadidas.

Al igual que el disco anterior, yo adquirí este disco en vinilo junto con el resto de discos ochenteros del grupo hacia los años 88-90. Y recuerdo que me entró muy fácil. Actualmente lo considero un poco más flojo que el anterior disco, pero sí que puedo decir que me gusta bastante. Mis temas favoritos serían “Force Ten”, por su fuerza y garra, “Lock And Key” por su bonita melodía. En este disco no hay ningún tema como el “Marathon” del disco anterior donde se busque un sonido más propio a los tiempos pasados de la época del Signals.


El grupo empieza a escribir las canciones en otoño de 1986. recordamos que la grabación empieza en enero de 1987. El ingeniero de sonido vuelve a ser el australiano "Jimbo" Barton que Neil apreció tanto en el anterior álbum. Y con él y con Peter Collins fue todo el proceso bastante fluido.

Neil Peart empieza a escribir las letras un mes antes, en septiembre, en una cabaña a la orilla de un lago. Es ahí donde decide que el disco va a tratar sobre el tema del “tiempo”. Empieza con la letra de “Time Stand Still”. Neil divaga en ideas como que la riqueza de un periodo de tiempo se comprende cuando luego vuelves a mirar atrás. Al mismo tiempo, cuántas veces hemos querido prolongar una experiencia que nos esté enriqueciendo. De ahí el tema de la canción, pausar el tiempo. Mientras tanto se van perfilando las letras de “Second Nature” y “ High Water”. Y en ese mismo mes, una tarde Neil Peart va a casa Geedy Lee y este le enseña como tiene conectado el teclado al ordenador Macintosh y cómo puede ir componiendo y programando fragmentos de los temas. También le muestra lo que va consiguiendo. Neil Peart alucina con todo esto y piensa que después de todo, la banda ha conseguido tener un teclista que ha salido de sus propios miembros. también dice que no está mal para una persona que se considera así mismo como bajista en primer lugar, vocalista en el segundo y teclista en el tercero. Neil también aprovecha para intercambiar ideas sobre las letras de "Mission", "Open Secrets" y "Turn the Page", contento porque Geedy participe en la elaboración de las mismas. Él desea que los otros dos participen y den ideas que puedan impulsar la elaboración de sus letras, que ya sabemos que las escribe todas él sólo.

Es ya octubre y los tres se meten en el estudio Elora Sound al sur de Ontario. Tanto Alex como Geedy traen sus composiciones y jams. El proceso es el de siempre, ellos ponen la música y Neil las letras. Alex ayuda al Neil en la programación de sonidos de batería para la composición de los temas. Parece que la letra de “High Water” le da a Neil mucha tarea y la tiene que reescribir 8 veces. Todas las tardes se reúnen y ponen en conjunto las partes que traen cada uno de casa. A veces es fructífero y lo graban y otras no. Es el proceso de creación de una obra.

En este proceso creativo deciden que, para cambiar de aires, van a dar algún concierto que les lleve un corto espacio de tiempo, pero que no sea mucho para no detener la composición del disco, pero sí suficiente para que sirva de estímulo.

Es noviembre y ya hay 8 temas compuestos, las primeras nevadas caen. Este es el momento en el que deciden ir a por 10 temas debido a que la mayor parte de la gente ya no compra casetes ni vinilos, si no cds, como ya adelantamos. Así que decidieron ir a por un disco con 50 minutos de música. A primeros de diciembre, Peter Collins (Mr. Big) se reúne con ellos en el estudio Elora y contribuye con lo que se podría calificar como pequeños cambios a la formación de cada uno de los temas, salvo en los temas “Mission” donde añade unos versos y “Open Secrets” donde altera los coros. El grupo está muy contento con la aportación de Peter Collins y celebra cada cambio, por pequeño que sea.

El tema “Force Ten” es el último en ser compuesto y por eso se le da ese nombre. Es uno de esos temas que surgen a última hora, a falta de dos días para cerrar el proceso de elaboración. Les ha pasado más veces con temas como "New World Man", "Vital Signs" y "Natural Science".

Compuesto el disco, toca grabarlo en The Manor, Oxfordshire England, como en el disco anterior. Una de las características de este estudio es que los muros son gruesos y de piedra y hacen que la batería suene de lujo. Eso sí, es una faena en una Inglaterra en enero que además resultó heladora. Tras tres semanas se graban las baterías, el bajo, los teclados más básicos, la guitarra de guía y las voces de guía. "Jimbo" Barton hace un excelente trabajo.

De ahí se mueven a Ridge Farm Studio, una granja isabelina reconvertida en un moderno estudio de grabación en Surrey. Andy Richards hace un excelente trabajo aquí añadiendo teclados y otros efectos. Alex añade overdubs de guitarra.

De nuevo a la isla caribeña de Monserrat a los Air Studios, como en el disco previo. Y de ahí a Toronto, donde no grababan hacía diez años. En Toronto añaden las últimas voces y guitarras en el McClear Place Studios. También añaden arreglos orquestales gracias a Steve Margoshes para los temas "High Water", "Mission" and "Second Nature". Y por último añaden la voz de Aimee Mann. Y de ahí a París al Studio Guillaume Tell para hacer la mezcla. Ellos están acostumbrados a trabajar jornadas de 12 ó 13 horas en este proceso final, pero el productor decide que se para a las 21:00 horas cada día para no agotarse y tener las ideas más claras. Geedy Lee masteriza el disco con Bob Ludwig en el masterdisk en New York City a mediados de julio.

A pesar de este pobre éxito comercial, sus canciones han sido frecuentemente interpretadas en directo por la banda sobre todo "Force Ten", "Time Stand Still" y "Mission". Hasta la fecha, sólo dos tours desde la fecha de lanzamiento del disco no han incluido temas de este disco y han sido 2002 Vapor Trails Tour y 2015 R40 Live Tour.

En cuanto a los singles, para este disco se lanzan los siguientes:
"Force Ten (promo) 1987
"Time Stand Still" 19 octubre, 1987
"Lock and Key (promo) 1987
"Prime Mover" 11 abril, 1988
"Mission (promo) 1989


La estructura de todos los temas vuelve a ser parecida al disco anterior, con un formato de canción con arreglos progresivos, donde se inicia con más efectos de teclados mientras arranca el bajo con un ritmo funky. Los temas se van desarrollando intercalando un par de veces el estribillo, luego hay un solo con guitarra y a veces alternado con teclados, una preparación al final con un momento álgido en lo emocional y el final.

En cuanto a los instrumentos tocados en el disco, por los distintos miembros del grupo, Geedy Lee toca un bajo Wal sintetizadores y otros instrumentos electrónicos programados con la ayuda de Andy Richards y Jim Burgess, como son los siguientes: samplers Akai S900, dos sintetizadores Prophet, un PPG 2.3, un Roland Super Jupiter y un D-550, dos controladores MIDI Yamaha KX-76, dos secuenciadores QX-I y un DX-7, dos mapeadores MIDI, pedales MIDI Korg y pedales Moog Taurus. Todo un despliegue tecnológico. Por otro lado Alex Lifeson toca distintas guitarras acústicas y eléctricas sin especificar en el disco. Ya sabemos que en esta época la guitarra no es el punto fuerte de los discos, a pesar de ser imprescindible y de tener unos solos magníficos en cada tema.

Con respecto a la batería, Neil toca tambores de la marca Ludwig hechos para este disco. Neil quería un sonido más melódico. El resto de elementos de la batería son una combinación de piezas cromadas de las marcas Premier, Tama y Pearl. Los platos son Avedis Zildjian, con la excepción de los Chinos que vienen de Wuhan provincia de China. Las baquetas Promark 747. Con respecto a las partes electrónicas, los pads Simmons lanzan samplers digitales Akai a través de un controlador midi de Yamaha. Se añade una unidad de teclado percusivo KAT. Y en lo que concierne a la percusión analógica, hay bloques templados, timbales, crotales, un gong Tama grave, cencerros y una campanilla de viento (wind chimes).

1. Force Ten (4:31) Tema de bajo pesado, batería poderosa y guitarra veloz, que describe formas posibles de comportamiento. Lo que no se sabe si si de ellos como grupo y del ser humano. Los tiempos duros demandan poderosas palabras, corazones irrompibles y canciones potentes, como esta.
2. Time Stand Still (5:08) Este tema, de carácter más delicado, presenta como el tiempo pasa inexorablemente y como somos incapaces de detenerlo ni pasarlo. Por primera vez en la historia del grupo hay partes vocales que no son suyas. La frase “Time Stand Still” la canta la estadounidense Aimee Mann, vocalista y compositora de rock del grupo Til Tuesday. Es un tema muy radio friendly e ideal para sacarlo en sigle, cosa que ya se hizo por primera vez con el “The Spirit of Radio” del Permanent Waves.
3. Open Secrets (5:37) Un título paradójico, si los secretos son abiertos, dejan de serlo. Se trata de los secretos de dos amantes, el uno para el otro. Es uno de los temas que mejores melodías tiene y a mí me gustó desde el principio y lo tengo como uno de los mejores temas del disco. La música va avanzando vertiginosamente apoyada en el ritmo de bajo y batería.
4. Second Nature (4:36) Una balada rock. Una carta a todos los dirigentes del mundo para que adoptemos una segunda naturaleza en la forma de actuar. La gente se suele mover con criterios de decencia, pero sin embargo leemos excepciones todos los días en los periódicos. Esa decencia es la que se reclama como una segunda naturaleza del ser humano mejor que la actual.
5. Prime Mover (5:18) El primer motor. Desde el inicio de cualquier proceso hasta su culminación, lo importante no es llegar, lo importante es el camino que se recorre. Un tema con un ritmo muy funky. Lástima que este tema termine con un fade out.
6. Lock And Key (5:09) Este sería el punto fuerte, el tema más sentimental del disco. El tema es oscuro, trata del instinto criminal que todos tenemos, pero que la mayoría guarda bajo cerrojo y llave. Comienzo poderoso con atmósferas de sintes. Atmósferas que se mantendrán a lo largo del mismo. Aunque hay sitio para solos frenéticos de guitarra.
7. Mission (5:15) La temática toca los deseos y sentimientos obsesivos que tiene la gente cuando va en busca de sus sueños. En los versos iniciales del tema se encuentra el título del disco.
8. Turn The Page (4:55) Una canción frenética donde en los primeros versos se sientan las bases de su temática. Nadie puede vivir en el vacío, nadie puede vivir solo, pretendemos que las cosas sólo les pasen a los extraños, todos tenemos nuestros propios problemas. En fin, que en lugar de enfrentarnos a los problemas, giramos la página y echamos culpas a otros.
9. Tai Shan (4:15) Esta canción fue un experimento compositivo que comienza con bellos sonidos de instrumentos de viento madera. Está influenciada por la música clásica tradicional china, y el título hace referencia a el monte Tai Shan en China, en la provincia de Shandong, cima la cual alcanzó Peart durante su viaje en bicicleta por ese país. Un sampler de voces de coro de Aimee Mann perteneciente a otra canción es utilizada al final del tema. Es una canción espiritual que relata los 40 siglos de historia de la civilización china.
10. High Water (5:33) Es un reflejo del tema “Natural Science” del disco Permanent Waves. Esta canción habla de la conexión que todos tenemos con los océanos y sus aguas que trajeron y siguen trayendo la vida a la tierra.

En definitiva, otro disco disfrutable y muy elaborado, que yo vuelvo a recomendar a toda persona sin prejuicios hacia los sintes ochenteros y hacia formas más comerciales de un rock progresivo. Para escucharlo adecuadamente hay que poner mucha atención a los detalles y a la producción, que tiene mucha riqueza. Se vuelve a repetir la fórmula del disco anterior y aquí termina esta dupla, porque en el disco siguiente las cosas cambian. Espero de nuevo que os guste.


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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #16 en: 13 de Julio de 2016, 19:06:52 pm »
Rush – A Show of Hands (Anthem / Mercury, 1989)


Éste álbum fue editado como un doble elepé de vinilo el nueve de enero de 1989 con estas canciones:

Cara uno:
1. "Intro" 0:53
2. "The Big Money" 5:52
3. "Subdivisions" 5:19
4. "Marathon" 6:32

Cara dos:
1. "Turn the Page" 4:40
2. "Manhattan Project" 5:00
3. "Mission" 5:44

Cara tres:
1. "Distant Early Warning" 5:18
2. "Mystic Rhythms" 5:32
3. "Wtich Hunt (Part III of Fear)" 3:55
4. "The Rhythm Method (Drum Solo)" (Peart) 4:34

Cara cuatro:
1. "Force Ten" (Lifeson, Lee, Peart, Pye Dubois) 4:50
2. "Time Stand Still" 5:10
3. "Red Sector A" 5:12
4. "Closer to the Heart" (Lifeson, Lee, Peart, Peter Talbot) 4:53

Todas las canciones fueron compuestas por Alex Lifeson y Geddy Lee (con letra de Neil Peart) salvo que se haya indicado otra cosa, excepto la “Intro”.

Como en varios discos en directo (como Exit… Stage Left) encargados de cerrar sectores de la obra del grupo, y a diferencia de All the World’s a Stage, este doble álbum de vinilo recogía material de más de una gira. Las dos canciones centrales de la tercera cara del vinilo se registraron en 1986 (Meadowlands, New Jersey, gira de Power Windows) y el resto del álbum en 1988 (durante la gira de Hold Your Fire). Ocho canciones lo fueron en Birmingham (23 y 24 de abril) y el resto en Nueva Orleans, Phoenix y San Diego.

La formación y la instrumentación del trío fue la siguiente, por orden alfabético:
Geddy Lee - bajo, sintetizadores y voz.
Alex Lifeson - guitarras acústicas y eléctricas, y sintetizadores.
Neil Peart - batería y percusión.

El disco fue producido por el propio grupo.

Durante bastante tiempo no tuvimos este disco en una copia original, anomalía que ya resolvimos. En este caso y como es sabido, A Show of Hands es la reflexión sobre lo hecho en los cuatro álbumes previos de estudio del grupo antes de dar el siguiente paso, el cuarto sector, como todos sabemos.
Debemos decir que A Show of Hands nos sorprendió de forma superlativa por el sonido del grupo ya que salvo por la voz de Geddy Lee nada podría hacernos sospechar o afirmar que este trío era el mismo de All the World’s a Stage; y que, salvo por “Closer to the Heart” y Witch Hunt”, ésta fuera la misma banda que la que registró los discos de rock progresivo previos a Exit… Stage Left. Tan cambiado estaba el sonido, no tanto el tipo de composición (depende de cada tema) pero sí el repertorio del grupo, al menos el reflejado en la obra.
Cuatro álbumes después del último directo citado notamos la pervivencia de ciertas maneras, como la de incluir material de más de una gira y de que se utilicen varios recitales para confeccionar la obra. Otra cuestión importante es que de las catorce piezas (excluimos la “intro”) nos encontramos con las seis canciones que como disco sencillo habían logrado llegar al top ten de las listas norteamericanas: “Subdivisions”, “Distant Early Warning”, “Marathon”, “Manhattan Project”, “Force Ten” y “Time Stand Still”. La comparación de nuevo es con Genesis y su Three Sides Live, directo que recoge canciones con un impacto claro en las listas de éxitos revestidas con una presentación en la que prima el color blanco. Sería curioso analizar lo que nos parece una tendencia de los años ochenta y primeros noventa, en la que la presentación de los discos tiende a usar el color blanco en artistas de cierto pasado progresivo (Genesis, Peter Gabriel y So, Yes y Talk, etc.).
Nuevamente, y como en el caso de los dos primeros directos de Rush, aunque lo que hemos tenido en las manos y hemos escuchado ha sido un disco compacto hemos ofrecido el listado de los temas tal y como aparecía en el doble álbum, cara a cara. Repetimos una reflexión que proviene de una reseña previa. Si en los años setenta solía minimizarse el contenido del álbum en estudio previo al directo, para que las ventas del segundo no afectasen a las del primero no fue éste el caso con este directo ya que aquí nos vamos a encontrar una amplia representación de los dos discos de estudio precedentes, Power Windows y Hold Your Fire, con cuatro piezas de cada obra. De este mismo “sector” tanto Signals como Grace Under Pressure están incluidos a través de una y dos de sus piezas, respectivamente; y como recuerdo de la época anterior aparece un tema tanto de A Farewell to Kings como de Moving Pictures. Esto no es representativo de los conciertos del grupo, como ya se podrá comprobar a la hora de la reseña del vídeo que acompañó a esta edición, que incluían más canciones del segundo sector y algo del primero.
Con relación a todo esto señalemos que la portada del álbum da una buena pista sobre el momento del grupo al registrarlo con un dibujo donde se observa de izquierda a derecha a un guitarrista, un batería y un teclista. No un cantante o un bajista, no, un teclista. Sacamos a colación esto al entender que es una declaración de principios con relación a lo que ha sido el grupo en este sector. Además, para referirnos al papel instrumental de Geddy Lee. ¿Es posible que suene todo lo que toca? ¿No estará artefactado el directo? ¿No lo estará el disco? Nosotros no estamos en condiciones de dar respuestas más allá de las impresiones pero… ¿qué disco en directo no está retocado en estudio? En verdad parece ser que rara es la excepción.
 
Tras una intro procedente de un grupo de vodevil llamado The Three Stooges, la primera cara del doble álbum empieza como lo hacía Power Windows con “The Big Money”, una canción up tempo como para poner en situación. Los teclados iniciales me recuerdan aspectos de Genesis en los años ochenta, pero la canción es bastante más guitarrera que la música de los británicos, solo de guitarra incluido y final elaborado como power trio.
La segunda canción nos retrotrae al álbum inicial del sector, Signals, para desarrollar otra de las canciones con tinte genesiano del trío. En este caso hablamos de “Subdivisions”, la que abría aquel disco. Las melodías vocales, de haber sido cantadas por Phil Collins no abrían desentonado en un disco de los ingleses, así como ciertos ritmos entrecortados que nos recuerdan o predicen aspectos de discos tan diferentes y separados en el tiempo como The Lamb Lies Down on Broadway o Calling All Stations (sólo ciertos temas). Las partes vocales de Geddy Lee suenan mucho más serenas o relajadas, más naturales y menos forzadas que en los dos directos previos del grupo.
Para finalizar la primera cara del vinilo volvemos a Power Windows para escuchar la pieza más larga de todo el álbum y una de nuestras canciones favoritas del grupo en cualquier sector. Hablamos de “Marathon”, tema de entrada elaborada donde Rush suena a Rush, ya que aquí sólo encuentro referencias internas y no externas. Con otros arreglos de teclados no hubiera desentonado en Permanent Waves, pero el sonido delata claramente la década en la que se gestó y grabó esta música. Esos coros sintetizados desde los teclados apoyando la voz de Geddy Lee son extraordinariamente emotivos y envuelven una de las interpretaciones más emocionales del cantante. ¿Cómo no nos vamos a sentir conmovidos?

Rescatada de Hold Your Fire, “Turn the Page” abre la cara segunda de la obra. Otra canción elaborada, up tempo, con cambios rítmicos entre las estrofas y los estribillos  y que de nuevo refleja la personalidad del grupo. Lifeson parece liberarse con un retorcido y breve solo de guitarra, no muy lejano del uso cuasi ruidista que podíamos encontrar en el Adrian Belew más feroz. ¿Pop? No, de ninguna manera, esto es rock, con el arrebato que consiguen las mejores canciones del género.
Le sigue otra canción excelsa, “Manhattan Project”, volviendo al álbum Power Windows. Excepcional, brillante y compleja; es un ejemplo de lo que se puede hacer manejando maneras de rock progresivo con arreglos ochenteros en cinco minutos. Geddy Lee canta con convicción. También hay un ejemplo de sonido pregrabado, al intervenir una orquesta, pero es obvio que no es un engaño, sino una necesidad.
Finaliza la segunda cara del directo con un pieza de Hold Your Fire, quizá la canción más evocativa de las líneas vocales de Phil Collins. Haced la prueba, imaginad que no es Geddy Lee y lo descubriréis por vosotros mismos. Es muy evidente en la entrada y algunos ambientes sonoros nos recuerdan aspectos de Invisible Touch. Hablamos de “Mission”, otra canción de impacto emocional, en la que el vehículo para el grupo y el foco hacia el público es Geddy Lee. Como en otras canciones, hay espacio para Lifeson cerca del final, para que éste pueda “expresarse”.

La cara tercera comienza como lo hacía Grace Under Pressure, con la conocida canción “Distant Early Warning”. Tras una entrada con cierto misterio se llega a un pasaje más animado para dar paso a Lee en su registro vocal más grave. Ya en el estribillo la canción se desenvuelve como el típico tema up tempo de este sector, con momentos que se acercan a propuestas como las de The Police. Como en otras ocasiones nos preguntamos que aspecto visual del espectáculo jalea el público de vez en cuando.
Se retrocede dos años en la gira, de 1988 a 1986, y se avanzan dos en el álbum al escuchar “Mystic Rhythms” de Power Windows. Una entrada que revela misterio y tensión, con aspectos que adelantan detalles de rock industrial y grupos como Nine Inch Nails, quizá la canción más próxima a ciertos aspectos obsesivos del King Crimson de los ochenta. ¡Esos dibujos de la guitarra de Lifeson! ¡Esos toques de batería sintetizada! Pero el foco de la música sigue siendo la voz de Lee, todo lo que se construye instrumentalmente la envuelve.
En la misma gira se retrocede a los tiempos progresivos de Moving Pictures con “Witch Hunt (Part III of Fear)”, algo que suponemos siempre es celebrado por los seguidores del grupo. Se nota que esta tercera cara del vinilo es la del misterio y la amenaza. Lo que fija esta canción en la era de este álbum es el uso de la batería sintetizada.
La cara tercera termina con un extraordinario solo de batería, “The Rhythm Method”, en el que Neal Peart aprovecha a fondo las nuevas tecnologías a su disposición logrando una pieza muy “musical” con esos sonidos de marimba y esos “arranques” de Big Band, aspectos que también iba a desarrollar con las mismas herramientas Bill Bruford dentro y fuera de King Crimson en esta misma década. Muy efectista pero muy musical.

La cuarta y última cara del doble vinilo da comienzo con la primera canción de la primera cara de Hold Your Fire, “Force Ten”, una pieza up tempo que, tras una entrada “misteriosa”, se construye sobre un riff ochentero, con cambios súbitos en textura y ritmo, que la alejan de cualquier tentativa de llamar a esta canción música comercial.
Sigue el disco con “Time Stand Still”, también de Hold Your Fire, con unas guitarras iniciales que nos recuerdan a Trevor Rabin. Es una pieza más relajada, menos urgente que la anterior. También hace su aparición la voz enlatada de Aimee Mann en una secuencia en la que todo nos dice “años 80”. Se resuelve con solvencia una canción más intrincada de lo que parece.
Después, se retrocede en el tiempo hacia Grace Under Pressure para recuperar “Red Sector A”. Comienza con una introducción frenética y desasosegante que es pura música épica de los ochenta, que nos recuerda de alguna manera a los mejores Simple Minds, reflejo que se diluye al escuchar la voz de Geddy Lee. Peart ofrece toques de batería sintética y las partes de guitarra están muy alejadas de las formas de los años setenta. Es que en esta cara se alternan temas más agresivos con otros más melódicos.
Como en una catarsis Rush cierra la cara y el doble disco en directo con un clásico, con una de las canciones que consiguen concierto a concierto la comunión entre artistas y público. En este caso es “Closer to the Heart”, hermosa joya del álbum A Farewell to Kings, que avanza en una transición de lo acústico a lo eléctrico, de la delicadeza hacia la fuerza, del detalle sutil a la excitación del rock en directo con su jam final.
Thank You Very Much! Goodnight! –Y nada más, así termina el disco.


En 1989 también se publicó un vídeo y Laser Disc grabado entre el veintiuno y el veinticuatro de abril de 1988 en The National Exhibition Centre, Birmingham, durante la gira del álbum Hold Your Fire. De nuevo, como ya sucedió con anterioridad, el doble disco de vinilo en directo y el vídeo no son equivalentes.
Damos el listado de los temas del vídeo:
01. Intro
02. "The Big Money"
03. "Marathon"
04. "Turn The Page"
05. "Prime Mover"
06. "Manhattan Project"
07. "Closer To The Heart"
08. "Red Sector A"
09. "Force Ten"
10. "Lock And Key" (Aparece sólo en el Laser Disc)
11. "Mission"
12. "Territories"
13. "YYZ"
14. "The Rhythm Method" (Drum Solo)
15. "The Spirit Of Radio"
16. "Tom Sawyer"
17. "2112 Overture"/"The Temples Of Syrinx"/"La Villa Strangiato"/"In The Mood"
18. (Creditos)

Como bien puede observarse había un representación significativa de los dos primeros sectores en esta época, sobre todo del segundo. En la edición como DVD, idéntica a la versión VHS, no aparece listado “YYZ” y no encontramos “Lock and Key” (tema exclusivo del Laser Disc).
Las canciones interpretadas en la gira y que no están aquí son: “Subdivisions”, “Limelight”, “Time Stand Still”, “Distant Early Warning” y “Red Lenses”.

Uno de los aspectos importantes de lo sucedido en el rock con el cambio de década, de finales de los años setenta a mediados de los ochenta fue la necesidad de un aggiornamento de los solitas y grupos que venían de los sesenta y setenta. Esto hubiera sido así en cualquier caso independientemente de la irrupción del punk y del post punk dado que hubo un recambio generacional tanto en público como en artistas. Además, la industria discográfica se había desarrollado plenamente en los setenta y en la nueva década (ya había empezado antes) iba a hacer sentir su presencia presionando a los artistas enfocándolos a la producción de éxitos de temporada, que es la situación actual. La preocupación ya no era publicar obras sino generar “pelotazos” cada tres meses. Todo ello coincidió con la implantación de la tecnología digital que dejó una impronta indeleble en los discos producidos entonces, ya que provoca que su sonido se haya vuelto caduco en muchas ocasiones, demasiado anclado en un momento muy concreto.
Algunos sucumbieron al cambio inevitable, como Gentle Giant, otros se transmutaron en otra cosa, con éxito (comercial y artístico) como Yes o sólo de forma parcial (Genesis sólo consiguió éxito comercial). King Crimson fue otra historia reconvirtiéndose en un grupo genuinamente moderno sin venderse a la comercialidad.
¿Y Rush? El grupo logró un aggiornamiento con éxito comercial y artístico, de ello no nos cabe ninguna duda, consiguiendo ser modernos y actuales, plenamente asentados sin renunciar a ser ellos mismos en la era de MTV.

Y con esto cerramos por ahora la transmisión, hasta el cierre del cuarto sector.

Carlos Romeo.
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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #17 en: 17 de Julio de 2016, 10:13:20 am »
                                                Decimotercer álbum en estudio de la genial banda canadiense

                               

banda compuesta por :
                                  Geddy Lee al bajo, teclados y voz
                                  Alex Lifeson a las guitarras acústica y eléctrica
                                  Neil Peart a la batería

El álbum fue grabado entre Junio y Agosto de 1989 entre Quebec y Toronto, Canada. Fue mezclado en Londres en septiembre y el lanzamiento se produjo el 21 de Noviembre de 1989.

                           Once temas componen este disco

1. Show Don't Tell (5:01)
2. Chain Lightning (4:33)
3. The Pass (4:50)
4. War Paint (5:24)
5. Scars (4:07)
6. Presto (5:46)
7. Superconductor (4:47)
8. Anagram (for Mongo) (3:59)
9. Red Tide (4:30)
10. Hand Over Fist (4:10)
11. Available Light (5:04)


para los que aparte de los tres miembros habituales figuran como invitados

                    Rupert Hine teclados adicionales y produccion
                    Jason Sniderman mas teclados

El diseño de la portada es obra de Hugh Syme

                                     


Tras “A Show Of Hands”  seguimos en 1989, el final de la década de los 80, una década cruel (dicho sin maldad) en lo que a música se refiere, una década en la que la estética pasa por encima de la esencia en muchos sentidos de la vida. Una década en la que algunos vivimos nuestra convulsa adolescencia y juventud ajenos al mundo que estábamos creando poco a poco.

Rush también vivieron esa época y supieron adaptarse al medio cual camaleón superviviente en  un entorno hostil.  Su música fue evolucionando desde el rock de principios de los 70 hacia el pop de los 80 y en este 1989 se produce un punto de inflexión , Un trío de bajo guitarra y batería donde los teclados habían pasado de ser un añadido a ser el elemento principal..... algo había que cambiar.
Cambio de discográfica , dejan Mercury Records y fichan por Atlantic, y búsqueda de nuevo productor tras la renuncia de Peter Collins ,productor de sus dos últimos discos ayudan a plasmar esa intención de cambiar. Después de la saturación de teclados se busco una producción mas sencilla de la mano de Rupert Hine , que ya había producido con anterioridad a Camel o Saga entre otros.

Y así nació Presto, como un intento de retorno a los orígenes mas rockeros, un trabajo en el que las composiciones vuelven a ser para bajo, guitarra y bateria y los teclados pasan a ser un hermoso adorno secundario. La ruptura no fue drástica y la estética ochentera sigue muy presente en el disco, quizás hasta demasiado y acaba dejando un ligero regusto a álbum incompleto.
Las canciones de Rush se estabilizan en cuanto a duración, temas cortos y desarrollos sencillos, , eso si , su personalidad sigue viva y sigue siendo única. No hay nada que suene igual que los canadienses.

En este trabajo no hay ningún tema imprescindible en la extensa trayectoria de Rush, de hecho es de los menos valorados por los fans y  por la crítica. Para pasar a la historia tan solo quedaría Scars, por incluir algunos de esos fantásticos ritmos de Neil Peart y que pasaron a formar parte de su solo en los conciertos. Ritmos estos que conocio en un viaje en bicicleta por Africa.
Personalmente si hay temas que me gustan, y mucho, el que da título álbum por ejemplo me parece sensacional, alternancia de acústico y eléctrico , diferentes texturas en un tema asequible y a la vez elaborado. En la misma onda se mueve el tema que cierra el disco Availabe Light, temas estos que por composición y estructura podrían ir en álbumes bastante mas antiguos pero que por producción encajarían perfectamente en los dos precedentes. The Pass y War Paint se quedarían a medio camino entre Grace Under  Pressure  y  Power Windows.
AnagramHand Over Fist y RedTtie se acercarian aun mas a Hold Your Fire mientras Show Don't Tell , Chain Lighting y Superconductor empiezan a anunciar  su futuro mas inmediato .


Rush intentaron hacer un disco mas ligero que los precedentes en  todos los sentidos, melodías y producción mas sencillas y letras también a tono. Neil Peart habla de este disco como un trabajo sin un mensaje temático en concreto pero que trata de la vida actual,
asi nos podemos encontrar temas como Superconductor que giran sobre la banalidad de la musica comercial, Red Tie sobre el calentamiento global y The Pass y War Paint sobre problemas de la juventud,  el suicidio en el primero y el ser popular y atractivo al resto en el segundo.


Durante toda esta década el éxito de Rush siguió creciendo, cada vez eran mas populares , de ahí que sus temas se hayan estabilizado y sean asequibles a muchos públicos, pero Alex Lifeson no se encontraba cómodo en esta  tesitura ,está claro que no  debían renunciar al mercado (de eso se vive) pero si era necesario retornar a la esencia de trío de rock. Volver a los inicios de los 70 era demasiado salto, el progresivo de finales de los 70 les resulto satisfactorio pero duro, así que decidieron buscar estabilizarse en lo que se habían convertido, un power trio de A.O.R con guiños progresivos.


En cuanto a ventas el disco llego al número 16 en EEUU y al 27 en Gran Bretaña, se editaron 4 singles: Show Don’t  Tell , Presto, The PassSuperconductor con éxito decreciente. Obviamente en Canada el álbum fue numero 1 y disco de platino

Así pues Presto puede ser considerado como un salto atrás , un intento de buscar un punto en su carrera al que retornar para relanzarse por los caminos del rock, un punto que quería estar entre Moving Pictures y Signals y de alli seguir progresando, el futuro nos dirá si lo lograron.

Como cierre quisiera destacar dos cosas ,según se a leido en entrevistas, The Pass es uno de los temas favoritos de Rush y lo que dijo Geddy Lee, "si pudiéramos rehacer un disco de nuestra carrera el elegido seria Presto"




                                                               




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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #18 en: 28 de Julio de 2016, 13:08:35 pm »
Rush: “Roll The Bones” (1991)



-“Dreamline” (4’37)
-“Bravado” (4’35)
-“Roll The Bones” (5’30)
-“Face Up” (3’54)
-“Where’s My Thing? (Part IV-“Gangsters Of Boats” Trilogy)” (3’49)
-“The Big Wheel” (5’13)
-“Heresy” (5’27)
-“Ghost Of A Chance” (5’18)
-“Neurotica” (4’19)
-“You Bet Your Life” (5’01)

Toda la música compuesta por Geedy Lee y Alex Lifeson. Letras de Neil Peart.

-Alex Lifeson: Guitarras eléctricas y acústicas, coros.
-Geedy Lee: voz, bajo y sintetizadores.
-Neil Peart: “ batería y percusión.


-Rupert Hine: teclados adicionales y coros.

Grabado entre febrero y mayo de 1991 en Le Studio, Morin Heights, Quebec, y en McClear Place, Toronto, bajo la produción de Rupert Hine y la propia banda. Publicado el 3 de septiembre de 1991 por Anthem y Atlantic Records.


Yo no escuché “Roll The Bones” en su momento. A toda esta “cuarta etapa” le presté atención casi 10 años después de que los discos se publicaran. Los Rush “modernos” no me interesaban y yo estaba metido en otras historias. En mi cabeza “Presto”, “Roll The Bones” y “Counterparts” siempre han existido como una trilogía, en la que cada disco es mejor que el anterior y en la que la banda recupera poco a poco su esencia más rockera. 

El álbum se abre con “Dreamline”, que sin duda es un buen comienzo. Pop rock de calidad, potente, perfecta para convertirse en todo un clásico en directo, como así ha sido. Le sigue “Bravado”, un tema lento que a la banda siempre le ha encantado, pero que a mí me aburre muchísimo. El solo de guitarra fue extraído directamente de la maqueta que el trío había registrado en un ocho pistas. Continuamos con “Roll The Bones”, una de las canciones  de la banda de los últimos 30 años que más me gustan. Las primeras estrofas son realmente “ochenteras”, con una buena línea de bajo cortada, pero lo mejor es el excelente estribillo, con una bonita base de guitarra acústica y teclados. Tras un buen solo de guitarra, nos encontramos con el famoso “rap” que tanta polémica suscita entre los fans de Rush. Personalmente, a mí no me vuelve loco, pero no me molesta en absoluto, resultándome interesante los detalles de guitarra y teclados que aparecen de fondo. Destacar también de esta pieza su letra. No suelo fijarme demasiado en ellas, pero frases como “We draw our own designs, but fortune has to make that frame” (“Nosotros creamos nuestros propios designios, pero la suerte tiene que proporcionarnos el marco”, más o menos), o el propio estribillo, en el que Peart nos invita a no darle demasiadas vueltas a las cosas y disfrutar sencillamente de lo que la vida nos ofrece, me parecen fantásticos.

El cuarto corte es “Face Up”, que me resulta agradable. Un tema rockero, muy pegadizo, aunque algunos detalles de teclado no me llegan a convencer. Le sigue la instrumental “Where’s My Thing?”, que aunque tiene algunos momentos muy anclados en los ’80, me parece un buen tema, algo funky, con un gran trabajo de la sección rítmica y potentes pasajes de guitarra. Curiosamente, fue nominada para el Grammy a la mejor canción de rock instrumental, pero perdió ante “Cliffs Of Dover” de Eric Johnson, que justamente fue uno de los artistas que abrió varios de sus conciertos en la gira de “Roll The Bones”.


A partir de aquí, el disco comienza a decaer. Me gustaría poder decir algo bueno de “Big Wheel”, pero no la soporto, en gran parte por culpa del estribillo. Algo parecido me pasa con “Heresy”. Aunque Peart utiliza algunos ritmos interesantes de origen africano, esta canción también me aburre soberanamente.  Por suerte, en este desierto que es la segunda cara del disco encontramos un pequeño oasis, “Ghost Of A Chance”. Buen riff de guitarra, maravillosamente cantada, con una buena letra y bonitas melodías. Al igual que ocurre en “Bravado”, el solo de guitarra está tomado de las maquetas previas a la grabación del álbum. Le sigue “Neurotica”, realmente insulsa, y para terminar, “You Bet Your Life”. Me gusta la línea de bajo, y su melodía resulta pegadiza y agradable, pero por desgracia tampoco me vuelve loco. Geddy Lee comentaba que fue una de las canciones más difíciles de mezclar del álbum, debido en parte a los coros.


La recepción del disco por parte del público fue realmente buena. En Estados Unidos, la banda no conseguía entrar en los primeros cinco puestos de las listas de venta  desde 1981 con “Moving Pictures”, y con “Roll The Bones” lo lograron de nuevo, llegando al número 3, y vendiendo más de un millón de copias, por lo que recibieron un nuevo disco de platino, el último hasta el momento en lo que a discos se refiere (sí han conseguido muchos más por las ventas de sus DVD’s en directo, ya que “sólo” se necesitan 100.000 copias vendidas para llegar al disco de platino).

La larga gira de “Roll The Bones” comenzó el 25 de octubre de 1991 en Ontario, y finalizó el 28 de junio de 1992 en Illinois. Más de 100 conciertos en 8 meses, en los que Rush viajaron por Canadá, Estados Unidos y Europa (una pequeña escapada con 14 fechas en el Reino Unido, Alemania, Francia y Holanda). Como teloneros, gente tan importante como Eric Johnson, Vinnie Moore, Primus o Mr. Big, además de Andy Curran y The Tragically Hip. Unos meses después, comenzaría la grabación de "Counterparts", pero esa ya es otra historia...


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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #19 en: 04 de Agosto de 2016, 12:51:17 pm »
Rush: “Counterparts” (1993)


-“Animate” (6’03)
-“Stick It Out” (4’30)
-“Cut To The Chase” (4’48)
-“Nobody’s Hero” (4’54)
-“Between Sun And Moon” (4’37)
-“Alien Shore” (5’45)
-“Speed Of Love” (5’02)
-“Double Agent” (4’51)
-“Leave That Thing Alone” (4’05)
-“Cold Fire” (4’26)
-“Everyday Glory” (5’11)

Toda la música compuesta por Alex Lifeson y Geedy Lee. Letras de Neil Peart, excepto “Between Sun And Moon”, escrita por Neil Peart y Pye Dubois.

-Geedy Lee: voz, bajo y sintetizadores
-Alex Lifeson: guitarras eléctricas y acústicas
-Neil Peart: batería, percusión y percusión electrónica

-John Webster: teclados adicionales


El álbum fue grabado entre abril y junio de 1993 en Le Estudio, Morin Heights, Quebec,  y McClear Pathé, Toronto, bajo la produción de Peter Collins y Rush. Publicado el 19 de octubre de 1993 por Anthem y Atlantic.


“Counterparts” supone el final de una etapa y el comienzo de otra. Algo cansados de la presencia de bastante teclado en sus últimos trabajos, los miembros de Rush deciden grabar un disco mucho más rockero, volviendo a sus raíces como trio de guitarra, bajo y batería, con una producción mucho más orgánica, más propia de los ’90, y un sonido más intenso. Para ello, regresa el productor Peter Collins, que tras su trabajo en “Power Windows” (1985) y “Hold Your Fire” (1987) se encargó de producciones mucho más duras, como por ejemplo el clásico “Operation: Mindcrime” (1988) de Queensryche o “The Art Of Rebellion” (1992) de Suicidal Tendencies, además de trabajar con Alice Cooper. Si a esto le añadimos que la grabación del álbum se realizo exclusivamente en Canadá bajo la supervisión del ingeniero Kevin “Caveman” Shirley (que había trabajado con The Black Crowes, y después lo haría con gente como Iron Maiden, Dream Theater,etc…) es normal encontrarnos ante un sonido muy diferente al de sus anteriores álbumes, con gran protagonismo de la guitarra, una batería con mucho cuerpo y un bajo muy potente.


El disco se abre con “Animate”, una de sus mejores canciones de los últimos 25 años. Todo un himno, pegadizo, poderoso, con una excelente sección rítmica y un bonito y enérgico sonido de guitarra. El ambiente se endurece aún más con “Stick It Out”, uno de los temas más “heavies” de Rush, basado en potentes riffs, destacando el del estribillo, realmente maravilloso,  interpretado con la guitarra y el bajo a la vez. La bonita parte central sirve de contraste, y me encanta el solo de guitarra de Lifeson, que al terminar se une de nuevo al riff central. El ambiente no decae gracias a “Cut To The Chase”, otra pieza rockera, con una gran línea de bajo, potentes guitarras y una gran estribillo. Me gusta mucho el sonido que Lifeson saca de la guitarra en el solo, y los pequeños detalles de órgano y piano. El cuarto corte es otra gran canción, “Nobody’s Hero”. Maravillosamente cantada, con una melodía bellísima, y una combinación de partes acústicas y eléctricas magnífica. Mención aparte merece la elegante y efectiva orquestación de Michael Kamen, conocido compositor de bandas sonoras y arreglista, que trabajó con gente como Pink Floyd, David Bowie,etc… Esta pequeña joya cierra la que para mí es la mejor parte del disco. Naturalmente, después nos seguimos encontrando buenas piezas, pero el nivel ya no es tan homogéneo.
Continuamos con “Between Sun And Moon”,  enérgica, pegadiza, con una buena sección rítmica, aunque el estribillo no me gusta demasiado. “Alien Shore” mantiene la fuerza del disco, con un mejor estribillo, y una una sección rítmica variada, con algún momento algo más funky. Me gusta mucho la línea de bajo en el solo de guitarra. El nivel vuelve a bajar con “Speed Of Love”, un medio tiempo tremendamente aburrido, en mi opinión, pero se recupera con “Double Agent”, donde nos encontramos con una robusta batería, con mucho cuerpo, acompañando a los duros riffs de guitarra, que a su vez contrastan con bonitos pasajes vocales. Otro de los mejores momentos del álbum llega con “Leave That Thing Alone”, una de las mejores piezas instrumentales de la carrera de Rush, que también fue nominada a los Grammy de 1995 como mejor canción instrumental. En este caso, lo volvieron a perder ante “Marooned” de Pink Floyd, del álbum “Division Bell” (1994). El final del disco me parece excesivamente flojo teniendo en cuenta lo que ya hemos escuchado. “Cold Fire” tiene algo, pero es demasiado “ligera” y no termina de gustarme, y “Everyday Glory” tiene un carácter “popero” demasiado marcado, con un puente horrible, detalles de teclados que no me gustan y momento que me recuerdan a U2. Lo curioso es que el estribillo, con una bonita base de guitarra acústica, sí me gusta mucho.


En definitiva, “Counterparts” es un buen trabajo de rock, quizás el mejor disco de Rush desde “Grace Under Pressure” (1984), y he disfrutado bastante el escucharlo de nuevo. Sus ventas fueron buenas. Llegó  al número 2 en la lista de ventas norteamericanas, convirtiéndose en el disco de la carrera del trío canadiense que más lejos ha llegado en este tipo de clasificaciones. Por desgracia, no alcanzaron el disco de platino, como sí ocurrió con “Roll The Bones”.

Por otro lado, a gira del disco fue bastante más corta que la de su anterior trabajo. Comenzó el 22 de enero de 1994 en Florida, y finalizó el 7 de mayo del mismo año, tras 55 conciertos. Sólo hicieron dos actuaciones en Canadá, el resto en Estados Unidos. En este viaje de tres meses y medio, las bandas encargadas de abrir los conciertos fueron Candlebox, Primus y The Melvins. En Canadá los teloneros fueron I Mother Earth y The Doughboys.

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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #20 en: 19 de Agosto de 2016, 18:28:47 pm »
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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #21 en: 19 de Agosto de 2016, 18:52:48 pm »
Rush – Different Sages (Anthem / Atlantic, 1998)


Éste álbum fue editado el diez de noviembre de 1998 con estas canciones:

CD I
01. "Dreamline" 5:34
02. "Limelight" 4:32
03. "Driven" 5:16
04. "Bravado" 6:23
05. "Animate" 6:29
06. "Show Don't Tell" 5:29
07. "The Trees" 5:28
08. "Nobody's Hero" – 5:01
09. "Closer to the Heart" (Lifeson, Lee, Peart, Peter Talbot) 5:13
"2112" 
10. "2112: Overture" 4:35
11. "2112: The Temples of Syrinx" 2:22
12. "2112: Discovery" 4:19
13. "2112: Presentation" 3:42
14. "2112: Oracle: The Dream" 1:51
15. "2112: Soliloquy" 2:10
16. "2112: Grand Finale" 2:37

CD II
01. "Test for Echo" (Lifeson, Lee, Peart, Pye Dubois) 6:15
02. "The Analog Kid" 5:14
03. "Freewill" 5:36
04. "Roll the Bones" 5:58
05. "Stick It Out" 4:42
06. "Resist" 4:27
07. "Leave That Thing Alone" (Lifeson, Lee) 4:46
08. "The Rhythm Method – 1997" (Peart) 8:19
09. "Natural Science" 8:05
10. "Force Ten" (Lifeson, Lee, Peart, Pye Dubois) 4:54 (Sólo aparece en la edición japonesa)
11. "The Spirit of Radio" 4:47
12. "Tom Sawyer" (Lifeson, Lee, Peart, Pye Dubois) 5:18
13. "YYZ" (Lee, Peart) 5:25

CD III
01. "Bastille Day" 5:07
02. "By-Tor & The Snow Dog" 4:59
03. "Xanadu" 12:32
04. "A Farewell to Kings" 5:53
05. "Something for Nothing" (Lee, Peart) 4:01
06. "Cygnus X-1" 10:23
07. "Anthem" 4:47
08. "Working Man" (Lifeson, Lee) 4:00
09. "Fly by Night" (Lee, Peart) 2:04
10. "In the Mood" (Lee) 3:34
11. "Cinderella Man" (Lee, Lifeson) 5:09

Todas las canciones fueron compuestas por Alex Lifeson y Geddy Lee (con letra de Neil Peart) salvo que se indique otra cosa.

La formación y la instrumentación del trío fue la siguiente, por orden alfabético:
Geddy Lee - bajo, sintetizadores y voz.
Alex Lifeson - guitarras acústicas y eléctricas, y voces.
Neil Peart - batería y percusión.

El disco fue producido por Geddy Lee y Paul Northfield.

Este disco lo conocimos de forma contemporánea a A Show of Hands. Enseguida vimos en cuánto se diferenciaba. Dada la naturalezade la música no vamos a describirla. Si se quieren conocer aspectos del estilo lo que creemos adecuado es buscar estos aspectos en sus respectivos discos de estudio.

Different Stages es muy distinto de los discos en directo precedentes del grupo. Cuando se produjo Neil Peart estaba retirado a consecuencia de las graves pérdidas que había sufrido con la muerte de su hija y esposa, a quienes está dedicada esta obra.
Creemos que esto da una pista sobre el cómo y el porqué es así esta colección de temas en directo. Pudo haber sido el último disco de Rush. Así que, aparte de construirse como los dos álbumes en directo previos os cuales se centraban en material de un gira, incluso de un concierto concreto, en el cual se incorporaban en función del flujo del material canciones de una gira anterior, esto lo encontramos aquí, la obra se completa con un tercer disco con la grabación de un recital dado en Londres en 1978. Convirtiéndose así Different Stages en un resumen de la carrera de Rush a través de todos sus sectores, pese a que el tercero sólo está representado por una canción (dos en el caso de la edición jaenesa), y que al haber sido construido como lo fue incluye algunas de esas canciones del primer sector que todo aficionado al grupo espera escuchar.
Dieciséis de las veinticinco canciones de los dos primeros CDs se registraron en Illinois el catorce de junio de 1997 concierto de la gira de Test for Echo. Cuatro más pertenecen a la misma gira: “The Trees” (Dallas, veinticuatro de mayo), “2112” (Massachusetts, 23 de junio), “Resist” (Toronto, dos de julio) y “Leave That Thing Alone” (Massachusetts, 23 de junio). Hay tres canciones más registradas en la gira de Counterparts en 1994: “Bravado” (Philadelphia, treinta de abril), “Show Don’t Tell” (Florida, veintisiete de febrero) y “The Analog Kid” (Michigan, veintidós de marzo).
La totalidad del tercer disco compacto se registró en el Hammersmith Odeon de Londres el veinte de febrero de 1978.

El origen del material es revelador ya que refleja el momento dado de cada época, como la que era actual a finales de los noventa o la que era antigua como el tercer CD.
Así, entre los dos primeros CDs encontramos tres canciones de Test for Echo (“Driven”, “Test for Echo” y “Resist”), cuatro de Counterparts, (“Animate”, “Nobody’s Hero”, “Stick It Out” y “Leave That Thing Alone”), tres de Roll the Bones (“Dreamline”, “Bravado” y “Roll the Bones”), una de Presto (“Show Don’t Tell”), una de Hold Your Fire (“Force Ten”, pero sólo en la edición japonesa), una de Signals (“The Analog Kid”), tres de Moving Pictures (“Limelight”, “Tom Sawyer” e “YYZ”), tres de Permanent Waves (“Free Will”, “Natural Science” y “The Spirit of Radio”), una de Hemispheres (“The Trees”), una de A Farewell to Kings (“Closer to the Heart”), y una de 2112 (la propia “2112” completa por primera vez en un disco en directo de Rush).
Es como si hubiera una idea detrás del “recital” partido en dos y emulado por las grabaciones. Cada disco empieza con una pieza vibrante del más reciente sector para pasar a material del segundo o tercero, para luego encontrarnos un segmento de cuatro canciones del cuarto sector (el sólo de batería no cuenta, es magnífico y atemporal). El segmento final de cada disco es progresivo, con una canción interpolada (del cuarto sector en el primer disco y del tercero en el disco segunda de la edición japonesa de la obra. En el primer caso es “The Trees”, “Nobody’s Hero”, “Closer to the Heart” y “2112” ; una gran secuencia. En el segundo caso hablamos de “Natural Science”, “Force Ten” (en Japón), “The Spirit of Radio”, “Tom Sawyer” e “YYZ”; soberbio también, con ese final arrollador debido a la presencia de estos tres últimos temas.
El tercer disco es un regalo. Para situarnos, es una especie de All the World’s a Stage progresivizado al incluir unas cuantas canciones de A Farewell to Kings. Si consideramos como un todo Different Stages nos encontramos con que aquel álbum está representado casi por completo (a falta de “Madrigal”), lo cual es estupendo.
Así, encontramos cuatro canciones de A Farewell to Kings (“Xanadu”, “A Farewell to Kings”, “Cygnus X-1” y “Cinderella Man”), una de 2112 (“Something for Nothing”), una de Caress of Steel (“Bastille Day”), tres de Flight by Night (“By-Tor & the Snow Dog”, “Anthem” y “Fly by Night”),  y dos de su debut, Rush, (“Working Man” e “In the Mood”). Como puede verse nos encontramos con todo un recital de rock progresivo y duro. El disco tiene una secuencia que es como la de un recital. Abre “Bastille Day” para dar paso a “By-Tor & the Know Dog” que se funde con “Xanadu”. Se alternan los dos sectores con la secuencia formada por “A Farewell to Kings”, “Something for Nothing”, “Cygnus X-1” y “Anthem”. Para dar paso al fin de fiesta hard con un popurrí formado por “Working Man” , “Fly by Night” e “In the Mood”. En este contexto, “Cinderella Man” es como el bis de una actuación.

Creemos que es un triple álbum muy recomendable en el que el trío demuestra todo su poderío a lo largo de dos épocas y cuatro sectores. La portada lo muestra de una manera absolutamente clara.

Y con esto cerramos por ahora la transmisión clausurando el cuarto sector.

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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #22 en: 26 de Agosto de 2016, 09:15:34 am »
Vapor Trails


Geddy Lee – bajo, vocales
Alex Lifeson – Guitarras eléctricas y acústicas, mandolina
Neil Peart – tambores y platillos

Producido por Rush y Paul Northfield
Grabado por Paul Northfield, Geddy Lee y Alex Lifeson, en Reaction Studios, Toronto, Enero – Noviembre, 2001
Mezclado por David Leonard en Metalworks, Mississauga, Diciembre 01 – Febrero 02
Master por Howie Weinberg en Masterdisk, NYC
Dirección artistica, pinturas y retratos por Hugh Syme
© 2002 Atlantic Records © 2002 Anthem Entertainment




La Grabación
Las cosas parecían ir bien para el grupo a mediados de los 90’s, Test for Echo llegó al número 5 de la lista Bilboard top 200, los tres músicos recibieron la Orden de Canadá del gobierno, entre otras cosas por haber donado más de 1 M de dólares a bancos de alimentos a lo largo de los años. Muchas de sus canciones fueron usadas en comerciales y películas con el subsiguiente pago de regalías. Fueron votados como los músicos más importantes de Canadá por la revista JAM ShowBiz. Pero todo terminó de manera abrupta tras la doble tragedia en la familia de Neil Peart entre Agosto de 97 y Junio de 98. Interrumpieron su actividad y no estaba claro que el grupo seguiría después de 4 años de manera que ambos Geddy Lee y Alex Lifeson se dedicaron a grabar sus discos solistas. Un buen día Neil apareció de nuevo. Los músicos al saber que volvía a componer y a ensayar en enero de 2001 contrataron a gente conocida para hacerlo sentir más cómodo, al productor Paul Northfield, al pintor Hugh Symes, reservaron los estudios Reaction de Toronto y fueron componiendo poco a poco cada canción mientras Peart practicaba la batería que no había tocado en cuatro años. Comenzaron de cero como si grabaran por primera vez tomándose su tiempo. De hecho tras tres meses de escribir se tomaron un descanso y al volver decidieron desechar el 80% de lo anterior y comenzar de nuevo. Una vez que la música estaba más o menos completa se agregaron las letras de Peart que después afinaron entre Geddy Lee y él mismo. Todo el proceso les llevó hasta Enero de 2002 y al final Geddy quedó con la tarea de producir la masterización final junto con Howie Weinberg. El álbum se publicó en Mayo y la gira comenzó en Junio.

El Contenido
Los defectos de este disco son los mismos que los libros sobre alpinismo, muy pocas veces el autor que no es un escritor profesional es capaz de explicar sus sentimientos sin echar mano de recursos baratos y cursis. Peart obviamente tenía tablas escribiendo letras y poemas, pero lo personal de su experiencia previa a veces no puede ponerse en palabras tan fácilmente, sobre todo en términos abstractos, así que acertadamente ofrece imágenes que solo pueden tener sentido para alguien que por ejemplo haya hecho parapente en el caso de “Ceiling Unlimited”, o que haya pasado muchas noches a cielo abierto como en “The Stars Look Down” y “Earthshine”. No se escucha ningún teclado, todas las variantes armónicas vienen de una gran cantidad de pistas de guitarras y bajos, en algunas canciones llega a haber media docena de ellas. Asimismo, las voces se doblan de manera muy parecida a las de “My Favorite Headache”, el disco solista de Geddy Lee.

Como era de esperar todas las letras hablan de un modo u otro sobre el proceso de recuperación de Peart haciendo a veces alusiones más o menos claras a su viaje en moto cubriendo las diferentes etapas, cada una representada por una carta del Tarot. Habían grabado trece canciones con la idea de descartar alguna, pero al final no descartaron ninguna por lo cual el disco es un poco más largo que lo habitual.

“One Little Victory” tiene un inicio percusivo casi como de batucada dese el primer segundo. La letra habla de la superación de los pequeños problemas del día a día que se vuelven monstruosos en un contexto de depresión. En la gira usaban esta canción para comenzar la segunda parte disparando los lanzallamas que representaban la bola de fuego de la portada.
“Ceiling Unlimited” habla del cumplimiento de metas que parecen inalcanzables, usando términos usados en aeronáutica como una metáfora del sentimiento de estar limitado cuando en realidad no hay barreras reales.
“Ghost Rider” es un autoretrato del mismo Peart como un viajero que lleva sus problemas a cuestas, es la canción que más claramente describe su viaje en moto, representada por la carta de la Rueda de la Fortuna. Tres canciones fuertes para el inico, todas fueron incluídas en las siguientes dos giras.


“Peaceable Kindom” habla de la imposibilidad de encontrar un sitio agradable donde vivir tranquilo, inspirada en los atentados del 11S que sucedieron mientras grababan, aunque el hecho concreto no se menciona en la letra en ningún momento, lo que la hace tristemente vigente en estos días. Para representarla usan la carta de la Torre.


A este inicio vigoroso siguen tres canciones pesimistas: “The Stars Look Down” vuelve al tema de verse abrumado; “How it is” habla sobre la fatalidad de las cosas que no podemos cambiar; “Vapor Trails” es una observación de las vidas que pasan como los rastros de vapor que dejan los aviones por solo unos segundos desapareciendo después sin dejar huella.


El disco continúa con las dos canciones preferidas por Geddy Lee. “Secret Touch” es una canción introspectiva sobre sentirse aislado, comenzando con un arpegio de guitarra que viene a ser uno de los pocos momentos de calma  del disco y con una de las frases clave: “there is never love without pain”. “Earthshine” es una visión poética sobre el mismo tema de “Ceiling Unlimited” y “The Stars Look Down” a través del fenómeno de observar el reflejo de la Tierra en la Luna. Esta es una de las mejores canciones de la última época del grupo, nunca cayó del repertorio de sus conciertos desde 2002. “Sweet Miracle” es tal vez la canción más pesimista a pesar del título, expresando el sentimiento como de ser barrido por la marea en un arrecife.  “Nocturne” habla sobre la imposibilidad de descansar; “Freeze” sobre el pasmo debido al terror, por lo que fue subtitulada como la IV parte de “Fear” y finalmente “Out of a Cradle”, tomada parcialmente de un poema de Walt Whitman, sobre la sensación de renacer tras el arduo proceso de recuperación, una pequeña nota optimista que cierra el disco.





La regrabación
El proceso de grabación fue largo y traumático, aunque en entrevistas ellos no lo recuerdan como el álbum más difícil de grabar de su carrera. Sin embargo sí que les llevó mucho tiempo, tanto que las últimas fases escaparon al control del grupo ya enfrascado en preparar una larga gira. La primera señal de que algo no estaba bien fue cuando Alex Liefson escuchó la mezcla final en un diskman durante sus vacaciones en Hawaii y llamó por teléfono a Geddy Lee para decirle que le parecía muy bien, pero éste le contestó: “No sé qué pensar, a mi me suena horroroso”. El disco se vendió bien la primera semana solo para después caer en picado. Las críticas apuntaban a que la grabación final estaba completamente saturada, y prueba de ello fue que un fan conocido en la red como Bubba Skarda generó una mezcla limpiando la distorsión y el “clipping” con Audacity que de hecho suena un poco más clara, evidenciando la distorsión en las partes que no quedaron limpias.

http://www.dopezthegreat.ca/Downloads/Storage/Music/Rush/1%20Studio%20albums/2002%20-%20Vapor%20Trails%20Less%20Vapor,%20The%20Bubba%20Skarda%20Remaster%20@320/01%20-%20One%20Little%20Victory.mp3

A la luz de esto para el recopilatorio Retrospective 3 en 2009 el ingeniero Richard Chycki remezcló las dos piezas extraídas de este álbum, “One Little Victory” y “Earthshine”. La mejora en el sonido fue tan clara que no solo le dieron créditos de autoría a Rick Chycki por estas dos versiones, para la publicación de la compilación “The Studio Albums 1989-2007” solo 8 años después de la edición original, encargaron al productor David Bottrill volverlo a mezclar y masterizar completo eliminando parte de la compresión. Bottrill decidió incluso usar pistas de solos de guitarra que no habían sido utilizadas, pero algunas partes también fueron disminuidas en la mezcla final, por ejemplo algunos platillos que antes eran exasperantes ahora se escuchaban muy por debajo. La nueva versión se puso a la venta con la portada cambiada y es ahora la versión oficial. En la gira eligieron las cuatro piezas que parecían funcionar mejor en directo y las tocaron en cada concierto: “One Little Victory”, “Earthshine”, “Secret Touch” y “Ceiling Unlimited” alternada con “Ghost Rider”. En la gira siguiente del R30 solo incluyeron dos de ellas.

La edición antigua se fue agotando poco a poco hasta desaparecer literalmente como un rastro de vapor. Ahora es muy difícil de encontrar y por supuesto da pie a gente en la red a decir que se escucha mejor que la nueva (hay gente para todo). En balance muy probablemente la venta de ambas ediciones en conjunto no haya llegado a cubrir ni la cuarta parte de lo que costó tener reservado un estudio de grabación por casi un año. Sin embargo, si bien el producto en sí supuso una gran pérdida comercial dio pie no solo a las giras más exitosas en la historia del grupo, sino a su vuelta a los estudios de grabación en los siguientes años.

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Christy Doran

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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #23 en: 02 de Septiembre de 2016, 09:01:21 am »
Rush in Rio

Geddy Lee – bajo, teclado, voz
Alex Lifeson – Guitarras eléctricas y acústicas
Neil Peart – Batería.


Tras la puesta en venta del álbum Vapor Trails, Rush se embarca en una gira en la cual se presentarían por vez primera en tierras latinoamericanas. La banda no tenía muy clara cuál era la repercusión de su música por aquellos lares por lo que tocar más abajo del río Grande era algo desconocido y nuevo. Deciden probar en México más que nada por proximidad geográfica, en el Foro Sol de la Ciudad de México y ante 55.000 almas en octubre de  2002, lo cual les da una idea clara de su impronta en esas latitudes.

Posteriormente alargan su gira hasta Brasil durante el mes de noviembre de ese año tocando el día 20 en Porto Alegre para 25.000 espectadores. Fue tal el impacto causado al grupo y su equipo de producción que deciden registrar el siguiente concierto del día 22 en el estadio Morumbí de Sao Paulo con 60.000 localidades vendidas. Durante el concierto la lluvia y la humedad afectaron al equipo de grabación y fue imposible la grabación por lo que deciden dejarlo para la siguiente fecha, día 23, en el estadio Maracaná de Rio de Janeiro con 40.000 entradas vendidas. Esta vez había que grabar sí o sí.

Los problemas no terminaron allí. Durante el traslado del material de Sao Paulo a Río, se produjeron retrasos debido a la lluvia que desembocaron en que no se llevaran a cabo las correspondientes pruebas de sonido, pero todo el equipo estaba determinado en dejar documentado su paso por tierras latinoamericanas por lo que iban a grabar si o si, a pesar del alto riesgo que había de fallos técnicos.


Finalmente, el concierto se llevó a cabo sin más contratiempos y se grabó la actuación dejando para la posteridad una de las mejores grabaciones en directo de la historia del ROCK con mayúsculas. Se trata de un triple CD que contiene los siguientes temas:

CD 1:
1.   "Tom Sawyer" – 5:04
2.   "Distant Early Warning" – 4:50
3.   "New World Man" – 4:04
4.   "Roll the Bones" – 6:15
5.   "Earthshine" – 5:44
6.   "YYZ" – 4:56
7.   "The Pass" – 4:52
8.   "Bravado" – 6:19
9.   "The Big Money" – 6:03
10.   "The Trees" – 5:12
11.   "Freewill" – 5:48
12.   "Closer to the Heart" – 3:04
13.   "Natural Science" – 8:34

CD 2:
1.   "One Little Victory" – 5:32
2.   "Driven" – 5:22
3.   "Ghost Rider" – 5:36
4.   "Secret Touch" – 7:00
5.   "Dreamline" – 5:10
6.   "Red Sector A" – 5:16
7.   "Leave That Thing Alone" (Instrumental) – 4:59
8.   "O Baterista" (instrumental) – 8:54
9.   "Resist" – 4:23
10.   "2112 Overture/The Temples of Syrinx" – 6:52

CD 3:
1.   "Limelight" – 4:29
2.   "La Villa Strangiato" (Instrumental) - 10:05
3.   "The Spirit of Radio" – 5:28
4.   "By-Tor & The Snow Dog" - 4:35
5.   "Cygnus X-1" (Instrumental) - 3:12
6.   "Working Man" - 5:34
7.   "Between Sun & Moon" – 4:51 (Bonus Track)
8.   "Vital Signs" – 4:58 (Bonus Track)

“Between Sun & Moon” fue grabada durante el concierto en el Cricket Pavilion de Phoenix (Arizona), el 27 de septiembre de 2002.
“Vital Signs”  fue grabada durante el concierto en el Coliseé de Quebec (Canadá), el 19 de octubre de 2002.


Este disco posee novedades con respecto a cómo Rush venía haciendo las cosas. En primer lugar se rompe esa especie de regla que tenía la banda de editar un álbum en vivo tras cuatro de estudio. También es el primero de la banda en el que se incluye el setlist completo del concierto sin cambios en el orden de los temas y del tirón, y perteneciente a un solo concierto, el de Rio de Janeiro ante 40.000 personas (exceptuando los dos bonus del tercer CD). Normalmente los discos en directo suelen tener una mezcla de las mejores tomas de diferentes conciertos.

En el CD, y esto ya como admirador de la banda y siendo poco objetivo, se puede notar la fuerza, ya no solo de la banda, sino de un público potente y entregado. Esto se nota en las evoluciones en escena de la banda convirtiéndose en  una especie de bucle que no hace más que incrementarse a medida que pasan los minutos. Esta entrega del público se hace más evidente en el DVD.


Rush edita junto al triple CD un doble DVD con el concierto de Rio de Janeiro el cual presenta el mismo setlist y fuerza del CD. Parte de las imágenes apoyan la entrega del público ya que la realización muestra bastantes planos del aforo del estadio demostrando visualmente esa interacción entre la banda y el espectador y que agrega un ingrediente de emoción al DVD, tanto que hay momentos en los que a Geddy Lee es difícil escucharle.

Tratando directamente algunos puntos del contenido de la grabación en lo que considero los momentos memorables, estos comienzan con “Tom Sawyer”. Al público se le intuye expectante hasta que empiezan a tocar el primer acorde del tema y la audiencia explota en éxtasis. Hay que escucharlo con volumen alto y notar la intensidad del Momento (con mayúscula). Los pelos como escarpias, oiga.

El público vuelve a explotar con los primeros acordes reconocibles de “YYZ”. 40.000 almas cantando un tema instrumental. Espectacular. Para esta gira Rush descartó el tema “Closer to the Heart” pero sabiendo que esas latitudes era considerado una especie de himno decidieron incluirlo en el setlist, a lo cual los presentes en Rio agradecieron cantándola y afirmando su popularidad.

El tema “O Baterista” es un solo de batería de otro planeta. Confirma que Neil Peart es uno de los más grandes baterías del mundo y, en mi humilde opinión, que Rush es una de las bandas más infravaloradas que hay. Esto, por supuesto, bajo mi punto de vista con el que se puede estar de acuerdo o no.

Sólo puedo decir que esta dupla de 3CD y 2DVD son imprescindibles para aquel que le guste y admire a Rush, y/o que sirven como motivo definitivo para sumergirse de una vez en aguas “rushianas”.


No puedo evitar el fijarme en la portada del disco. En ese dragón que tiene en su pata derecha un coco con pajita y sombrilla, un collar playero y, para mi lo mejor, un sombrero con frutas tropicales a lo Carmen Miranda quien bailaba en películas del Hollywood de los años ’40 con una frutera en la cabeza.


Desconectado Pantagruel

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Re:Discografía de Rush
« Respuesta #24 en: 09 de Septiembre de 2016, 00:17:45 am »
FEEDBACK



Grabado y mezclado entre Marzo y Mayo de 2004 en los estudios Phase One de Toronto por David Leonard.
Masterizado por Brian “Big Bass” Gardner
Producción ejecutiva por Anthem Entretainment – Liam Birt y Pegl Cecconi

Dirección artística, diseño e ilustraciones: Hugh Syme

Neil Peart: tambores y platillos
Geddy Lee: guitarra bajo, vocales
Alex Lifeson: guitarras (acústicas y eléctricas) y mandolina

Atlantic, Junio 29, 2004
© 2004 Atlantic Records © 2004 Anthem Entertainment


Aunque el año 2004 no inició muy bien lo cierto es que desde 2002 el grupo estaba una vez más de gira, visitando por primera vez países como Brasil, donde dieron los conciertos con mayor asistencia hasta entonces en Rio de Janeiro y Sao Paulo. La gira de Vapor Trails terminó en Noviembre de 2002, dejando todo el 2003 como sabático. Peart se dedicó a escribir algunas letras y a hacer rutas en coche, de aquí salió su libro “Traveling Music: The Soundtrack to My Life and Times”. En Julio con solo un mes de antelación fueron invitados al festival Toronto Rocks, organizado para ayudar a la ciudad a recuperar su economía tras haber sido puesta en la lista negra por la OMS debido a un brote de SRAG (Síndrome Respiratorio Agudo Grave). Se presentaron con un repertorio reducido frente a más de 400 mil aficionados para abrir el concierto de AC/DC y Rolling Stones que eran las estrellas del festival. El repertorio incluía una versión de “Paint it Black”.


La causa del mal inicio en 2004 fue que Alex Liefson  estuvo envuelto en prácticamente el único escándalo de su carrera al verse involucrado junto con parte de su familia en una trifulca con la policía durante la celebración de noche vieja en un hotel de Florida. Por esta razón la siguiente gira comenzó hasta finales de Mayo, una vez que los jueces resolvieron su libertad condicional sin obligarlo a permanecer en el Estado a la espera de juicio dado que éste se retrasó casi dos años. Al final se dictaminó que la versión según la cual Alex intentó agredir con su nariz la mano del policía que le había dado con una pistola eléctrica hasta seis veces no se sostenía pero todo ese tiempo cabía la posibilidad de que Lifeson fuera a prisión dada la gravedad de las acusaciones.


De cualquier modo es entendible que el grupo no se sintiera motivado para componer música nueva de cara a su 30 aniversario, pero tampoco querían dejarlo pasar sin publicar algo especial antes de comenzar con la gira R30 que ya estaba programada. Ya habían hablado antes de incluir en los conciertos un par de covers de sus canciones preferidas en los tiempos en que iniciaron su carrera en Toronto. Cuando comenzaron a explorar las posibilidades descubrieron un montón de canciones que podían tocar juntos, recordemos que a finales de los 60’s cada uno tocaba en una banda distinta, de algún modo les sorprendió que coincidieran en una veintena de canciones. De manera que aprovechando esos dos meses extras antes de iniciar la gira grabaron varias de estas versiones y produjeron un EP con las mejores.
Las canciones que fueron incluidas en la versión final fueron:

1. Summertime Blues [Eddie Cochran]
2. Heart Full of Soul [The Yardbirds]
3. For What It's Worth [Buffalo Springfield]
4. The Seeker [The Who]
5. Mr. Soul [Buffalo Springfield]
6. Seven And Seven Is [Love]
7. Shapes Of Things [The Yardbirds]
8. Crossroads [Robert Johnson]

La version de Summertime Blues, a pesar de estar basada supuestamente en la de Blue Cheer tiene muchas similitudes con la versión de The Who. Inician con un efecto de Feedback de guitarras que es la constante en las versiones y le da el nombre al disco.

Durante el puente de Mr. Soul se puede escuchar una cita del “Eight Miles High” de The Byrds y en el de ”Seven and Seven Is” se oye como si estuvieran aporreando unas congas. Fuera de esto en general se toman muy pocas licencias a la hora de versionar, se advierte cierto tono reverencial tratando de modificar cada canción lo menos posible, como haciéndonos saber que solo las hubieran grabado por diversión. Al igual que los otros discos de esta época y de sus dos primeros LP’s no se escucha ningún teclado.

Dada su historia de incluir grupos canadienses en muchas de sus giras no es sorpresa tampoco que decidieran incluir canciones relacionadas con Neil Young, que en los sesentas formaba parte de Buffalo Springfield, aunque en realidad “For what it’s Worth” es de Stephen Stills. También era de esperar la inclusión de covers de The Who a quienes siempre han mencionado como influencia. Sorprende si acaso la ausencia de canciones de Jimmy Hendrix y The Beatles, o incluso de “Paint it Black”. En alguna entrevista Geddy Lee menciona que se grabaron pero fueron descartadas: “…al escuchar todas esas canciones con mi voz simplemente no se oían bien”. Cabe aclarar que la versión del Toronto Rocks de "Paint it Black" fue instrumental.

Tal vez la canción más obscura de las que fueron incluídas es “Seven and Seven Is” compuesta por Arthur Lee del grupo Love, publicada como sencillo en 1966 y que había sido versioneada sobre todo por grupos punk en los 80’s.

Y poco más hay qué decir. Las versiones son divertidas de oir pero no aportan mucho, simplemente es de interés escuchar de primera mano el tipo de música que ellos mismos oían de adolescentes, incluso antes de conocerse, y que muchas veces se pueden extrapolar a sus propias composiciones de años más tarde.


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