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Domingo, 07 de Noviembre de 2010 00:57

Senogul: "Concierto de Evocación Sonora para conjunto instrumental" (CESCI) (2009)

por  Senogul
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Para hablar de este disco voy a tener que introducir a mi amigo invisible, Schroeder, todo lo que él diga irá precedido por su caricatura y será fundamental para entender los misterios de este peculiar disco. Él me irá susurrando al oído todas aquellas cosas jugosas que contiene este peculiar trabajo. Qué decir que sus textos no serán cambiados sobre lo que él me susurre y por supuesto la autoría entrecomillada es suya.

He aquí a Schroeder:

Schroeder, cuéntanos quien compone cada tema.

"No, hay directores musicales en cada caso, y también compositores... aunque todos tenemos algo de arreglista en el resultado final.

"Itamaracá" y "Siete lunas" son de Pablo; "En permanente estado de vigilia" es mía; En "Mae Floresta" y en "Terra Terreiro", según el pasaje, hay más peso de Pablo o más peso mío; en "Lughnassad" y "De Nooijer" el trabajo es de Pedro y mío; el "Mantra" tiene trabajo de Pablo, de Israel y mío.

La versión para acordeón de "Itamaracá" la arregló Alejandro Martínez Ares."

Este es un disco que no se adapta para nada al formato progresivo, es decir, puede considerarse al borde del rock progresivo o incluso fuera del mismo. Con su trabajo anterior de nombre homónimo, el grupo se mantuvo en un quinteto prog instrumental que recordaba sonidos afines a Camel, Iceberg, King Crimson, Triana, Música Urbana etc. con un sonido bastante cercano a la fusión. Ahora todo cambia. Uno ha de intentar escuchar este disco del tirón y concentrado, puesto que de hacerse de otra manera no se podrá apreciar la cantidad de matices que tiene en su miga. También puede elegirse como escucha pasiva y ver que evocaciones nos general el trabajo en nuestro interior, pero siempre del tirón. Este disco suena mucho más folk que prog y en todo caso suena a vanguardia.

El disco tiene un formato simétrico, con un tema introductorio que se repite al final pero adaptado a acordeón. Luego tema medio, suite, tema medio y eje del disco. Luego se invierte para completar la simetría. La temática es muy natural, es decir, una simbiosis del hombre con su entorno natural. El disco es muy percusivo y en él se dan todo tipo de instrumentos étnicos o locales de diversas zonas del planeta además de unas cuantas percusiones creadas por sus autores. Desde luego, a pocos grupos se les puede reconocer un cambio de registro tan radical y pretencioso como el que podemos apreciar en Senogul del primero al segundo disco.

Itamaraca: Con Itamaraca es con el tema que más cómodo me siento porque es un tema amable con el oyente, de bonita melodía, cantable y reproducible en la mente. La parte dos es una delicia, con el acordeón en un sólo bastante virtuoso para mi entender. Un placer. En el tema uno es muy importante la percusión, aunque me gustaría saber cual de todo esos cachivaches es el que suena a partir de segundo 6 y que me recuerda a las pelis del oeste, con ese instrumento de metal que se mete en la boca que hace toing, toiiiiing....

Luego viene En Permanente Estado de Vigilia con su ambiente opresivo, sus atmósferas y sus chirridos, sus pasajes oníricos más dulces para volver a la pesadilla. Más nervioso que el despertador, me pone a mí el sonido ese que parece de palomitas en el microondas. No se si serán los huesos o las caracolas frotadas. Edu está genial creando atmósferas. Pablo liberado totalmente para hacer de las suyas con sus cacharritos a dúo con Foks. Desde luego no es un tema cómodo ni lo pretende. Nada que yo pueda poner en mi casa sin volver loco al personal. Hay momentos del teclado en los efectos del principio que me han recordado a The Passion Play de Jethro Tull por similitudes mentales mías. Este tema o lo escuchas activamente o es imposible de soportar porque desde luego no es nada amable con el oyente. El protagonista del sueño parece que sueña que está en la selva en sus partes más dulces que he mencionado antes. Algo así como integrado en la naturaleza, a lo mejor es algo que está muy ligado con la esencia de este disco. La pesadilla está muy lograda, Edu, lo habéis hecho muy bien. Me impresionan los silencios, los tiempos para cada sonido, la consonancia de fragmentos y a la vez su disconsonancia (ahora que me voy acostumbrando al término) y la naturalidad de los lamentos o mejor dicho su realismo.

Por cierto, se me olvidó decir que La Isla de Itamaracá es uno de los municipios brasileños más bonitos del Estado de Pernambuco, separado del continente por el Canal de Santa Cruz y situado a aproximadamente 40 kilómetros de Recife. Sus hermosas playas llenas de cocoteros y con aguas tranquilas, piscinas naturales y arrecifes, son el mayor reclamo para los miles de turistas que la visitan durante todo el año, que encuentran en su litoral un zona ideal para descansar y practicar todo tipo de deportes náuticos. Una de las más frecuentadas es la Praia de Forte Orange donde se localiza uno de los monumentos más visitados por los turistas, el Forte Orange. Además, esta isla cuenta una de las sedes del Centro de Preservação do Peixe-Boi.


"- "Itamaracá", efectivamente, tiene una melodía amable y es alegre. Además, suena dos veces en la obra. Como se te queda fácilmente en la memoria, al llegar al final y volver a escucharla en otra versión, puede conectar muy fácilmente con el inicio del disco y dar esa idea de cohesión, a la par que incitar a una nueva escucha (si se está por la labor). Hay quien dice que la entrada en acordeón le recuerda a una especie de órgano pink floydiano, de la época A saucerful of secrets. Curioso cómo se filtran diferentes impresiones.

El instrumento al que te refieres es, José, la guimbarda o arpa de boca, un instrumento que aparece en muchas culturas y tradiciones musicales, y cuyo nombre varía según la región.






Os adelanto que "Itamaracá" está quedando muy bien en directo (esperamos tocarla el 8 de Mayo en Villanueva), con partes nuevas, más larga y un espíritu muy jazz-rockero... no digo más  Inocente

En "Permanente..." te puedes encontrar diversos materiales golpeados y crujidos. En la segunda sección, en la que hay una progresión melódica elaborada con texturas de sintetizadores entra un sonido de fondo que va in crescendo y que hemos hecho nosotros a partir de ligeros golpes en el torso ¿Localizas esa parte? ¿Te sugiere algo en concreto? Luego, cuando entra el pasaje final, el que empieza con un piano muy suave, se escucha (mucho más alto) un aparato que nosotros llamamos "crujidera", como una especie de sonaja (pero no de sacudimiento) con una cuerda enroscada de la que vas tirando más o menos rápido, y que por rozamiento va produciendo el sonido. Lo toca mucho Airto, aunque ahora no recuerdo el nombre exacto. Lo de A passion play me lo hizo notar Carlos Plaza hace unos días, y sé exactamente qué pasaje es (02:09). Fue totalmente inconsciente, pero es cierto que esa secuencia se asemeja al inicio ¿No?

Por otro lado, dos momentos muy impactantes de esa pieza, si lo escuchas atentamente (se aprecia muy bien con auriculares, aunque sé que a ti no te gusta mucho  Giñar), son la entrada de los graves sobre 01:57, medio tono por debajo de la voz aguda del sintetizador. Le da un tono muy tétrico. Por otro lado, fíjate también en la importancia del silencio en la parte final donde se crea una especie de atmósfera más o menos periódica, aunque sin idea de ritmo. Pero de alguna forma, uno se acaba acostumbrando al tipo de eventos que van ocurriendo. Eso se rompe entre 06:33 y 06:45, con ese largo silencio y con la frase que no concluye (fíjate en la cola del piano) hasta que se hace de forma violenta y sorprendente (de hecho, ese fragmento -el del "susto"- lo cortamos y pegamos de una parte de "Terra-Terreiro" en la que se nos cayo un instrumento y rebotó con otras estructuras... aquí todo se aprovecha  Sonrisa)."

Mae Floresta, término portugués, dividida en cuatro movimientos, el primero de ellos es La Senda Verde, es una especie de intro a la natutraleza, a la selva, con una ambiente que recuerda al inicio del Close To the Edge, sonidos selváticos, al cabo de un rato hay un cántico tribal común invocando a la floresta con percusión vocal tribal de fondo. Luego empieza El espíritu que nos inunda con un sonido continuo de rio y de fauna próxima, sonidos acuáticos, pisadas en el agua, clarinete, muchos cachivaches selváticos, etc... Todo ello desemboca en un "Om". Me recuerda a Siddhartha de Herman Hesse, el capítulo del rio, que ya fuera utilizado anteriormente por Yes en el Close To The Edge. El rio trae a Siddhartha el sonido espiritual del "Om" como elemento inmutable y eterno, como elemento de tranquilidad, como la espiritualidad del rio con sus fases, sus etapas, sus momentos. Después viene una de las partes más de rock progresivo del disco, la parte Las Almas Inmóviles. con una guitarra muy tranquila y muy sentida que recuerda a Andy Latimer, un saxo estupendo, clarinete, una voz que acompaña la melodía, un pasaje muy bello. Después una parte predominantemente percusiva con elementos tribales en la percusión y la voz, casi como si estuviéramos en un pueblo selvático africano, en el pasaje La Naturaleza de la Vida. Aquí Pablo Canalis se sale con sus cachivaches y sus gritos selváticos, también con la percusión bucal. Acaban todos lanzando un grito final que sirve de colofón al tema. Para mí uno de los mejores temas del disco aunque ya se verá cual lo acaba siendo.

Swaranjali [Sangama Mantra], cuyo primer término creo que hace referencia a la música tradicional indú. Sangama es la confluencia entre los dos ríos Sangama Arkavathi y Cauvery en la India y será un mantra u oración al río o a la zona con instrumentación clásica indú. El tema tiene mucha fuerza, tras el mantra inicial. Y antes del mantra está el sonido plácido del sitar. Luego todo se vuelve muy violento. El tema es espectacular. En directo debe de ser la leche!.

Arranca guitarra contra piano, sitar de nuevo y entrando al fondo guitarra eléctrica de forma alocada, compulsiva, se mantiene el sitar, entra el saxo. Un tema de mucha intensidad. Aquí se vuelve a la idea del rio si interpreto bien el concepto Sangama. Temazo. Acaba el sitar a solas. Otro de los principales.

"Efectivamente, Itamaracá hace referencia a esa localidad brasileña ¿Has estado allí?

Con respecto a "Mae Floresta" ¿Te has fijado en que en la primera parte, hay una flauta que mimetiza y hace propios todos los sonidos selváticos que van sonando? Es como si alguien estuviese fascinado por la cantidad de colores que aparecen y los fuera reproduciendo desde su registro. Yo también veo mucho de Siddhartha en "El espíritu que nos inunda", con el espíritu del barquero y del "Om"   ¿Recuerdas "Las almas inmóviles" en el MAMFest? La abrimos junto a una parte del "Mantra". Por cierto, en "Las almas inmóviles" no hay clarinete.

"Swaranjali" viene a simbolizar una especie de ofrenda musical. Además de lo que mencionas, "Sangama" también hace alusión a la reunión con fines
religiosos. Ese tipo de conceptos, unido a la dimensión mística y simbólica se refleja bastante aquí. La comunión de tradiciones orientales y occidentales, en caos y en equilibrio, se plasma sobre todo en la segunda mitad, la cual conllevó mucho trabajo de estudio como te puedes imaginar. Me alegra que te guste."

Siete Lunas (La canción del nómada) empieza con grillos y búhos. Es otro tema predominantemente percusivo. Cual es ese instrumento de percusión afinada que suena haciendo la melodía?. El significado del título lo desconozco. Este es el tema eje del disco, de un disco simétrico.

""7 lunas (canción del nómada)" hace relación a las frías y solitarias noches de los nómadas del desierto africano. Muchos de ellos se acompañan de kalimbas o sanzas (el instrumento que hace la melodía) y es su único acompañamiento durante la noche. La de esta pieza es eléctrica, mientras que las utilizadas (por ejemplo) en "El espíritu que nos inunda", son acústicas. Me encanta el final con cuencos tibetanos... y lo bien que empasta con el inicio de "De Nooijer", con ese acorde en Re Mayor (que se recapitula en "Lughnassad")."

De Nooijer, no se si se refiere a la familia de fotógrafos holandeses que hacen exposiciones con unas fotos espectaculares. Empieza con flauta travesera con teclados de fondo y a la que se suma la guitarra eléctrica. La melodía es suave. Luego sustituye lo anterior un piano y un golpe de latido de corazón al que se suman los platillos. Sobre esa base toca la guitarra solista. La batería empieza a cobrar más fuerza. Este tema si que puede englobarse completamente en el concepto de lo que entendemos como rock progresivo. Todo esto termina en fundido con percusión afinada y teclados envolventes. Quien la toca?. Es Eva?.

El tema también es muy de naturaleza, como el concepto de todo el disco.

"Exactamente, "De Nooijer" hace referencia a esta familia. Son artistas multi-disciplinares. Pedro y yo trabajamos con ellos en un espectáculo de vídeo-arte sobre el que pusimos música. Hubo varias ideas que retomamos y formalizamos en este "De Nooijer". La parte final somos Pedro (los acordes son de guitarra, con su pedalera de efectos) y yo (con el sonido de marimbas)."

Terra - terreiro: El título es "tierra" en latín y en portugués. Una suite de 10 minutos, la segunda del disco simétrico y que empieza con unas voces
mántricas (El mar nuestro de cada día) para pasar a un movimiento percusivo africano con cánticos de trabajo y luego para entrar el piano y un sonido como de acordeón que no identifico en los instrumentos del movimiento (Un canto a los antepasados, la conmemoración). El tema está muy ligado a la naturaleza, casi el que más del disco junto con la otra suite simétrica. Luego el corto pasaje de Reflexiones del día de mañana sobre una roca gris que es percusivo con acompañamiento de piccolo para ambientar. Entonces aparece Invocación, que es un tanto incómodo por los gritos que dicen "Lughnassad" con desesperación, de ahí pasamos a El poder de la madre tierra, para mí el mejor de la suite, con un inicio de, puede ser el Didgeridoo?, a mi me suena a un instrumento soplado de esos australianos que tiene forma de un largo tubo. Aquí se desarrolla una bonita melodía con teclados, saxo, harmonium y voces y aquí se termina la suite.

""Terra-terreiro" es uno de los movimientos más complejos del disco, efectivamente. En sus inicios nació a partir de ideas que iban a estar presente en la pieza "Lughnassad", pero pronto cobraron su independencia. "El mar nuestro de cada día" tiene muchos guiños a los cantos aborígenes australianos y a las voces de los mongoles, con esos bordones constantes y los contrastes entre graves/agudos; en la parte de los cánticos de trabajo (pregunta-respuesta) jugamos con las polirritmias (es todo muy africano): las congas van a ritmo ternario mientras que las palmas van a binario. Luego, cuando entro con el piano voy deambulando entre figuraciones diferentes (binarias, ternarias o incluso cuaternarias). El solo es de un instrumento vietnamita llamado "Khen" (como no tengo el disco delante no recuerdo si el que utilizamos era el vietnamita o uno chino, cuyo nombre variaría entonces a "Sheng").

"Reflexiones del día de mañana..." es un pasaje muy nocturno y oscuro. Me recuerda mucho al ambiente de "Siete lunas". Como curiosidad, mientras se grababa esa sección, uno de los tubos armónicos que usábamos agitándolo se rompió y chocó con diversos elementos de la batería, provocando un gran estruendo. El resultado podéis escucharlo en "El permanente estado de vigilia"... es el famoso pasaje en el que el piano tarda en cambiar de acorde y te sorprende bruscamente una especie de caos muy breve ¿Lo situáis?

"Invocanción" tiene mucha tela. Es una pieza fonética que hice en su día a partir de la sonoridad de la palabra "Lughnassad". En aquel momento me interesaban mucho propuestas como esta: http://www.bferrando.net/os_flatusvocistrio.html. Con mucho es el pasaje más tenso de toda la obra. También hubo quien me dijo que se acordaba de las voces del Minorisa de Fusioon. De aquí se desecharon partes, como un pasaje de inspiración gregoriana y otro polifónica.

Efectivamente se escucha el didgeridoo de base en "El poder de la madre tierra", para mi gusto uno de los momentos más inspirados de esta obra. Esto conecta con las voces iniciales con guiños a los aborígenes. Las percusiones, en su concepción original, no iban a ser vocales. Pero como no éramos capaces de cuadrarlas bien de ritmo, finalmente decidimos (en contraste con "Un canto a los antepasados") sustituirlas por voces. Fue una decisión espontánea del estudio. Igualmente, mi entrada de piano en "La conmemoración" fue improvisada en el momento, pues la idea original era meter un solo de gaita asturiana.

Como no nos convencía, y yo había estado imaginándome el pasaje con piano, probé a esbozar algo. En ese momento estábamos grabando, y así se quedó.

Igualmente, luego Foks grabó su solo de "Khen"."

Lughnassad: Empieza cantando Laura Pire en un idioma incomprensible una especie de invocación de naturaleza de fiesta del verano. Acompaña
Edu al piano. Luego se entienden partes en inglés, deep crying, soft seasson...
"Lughnasadh es una festividad gaélica celebrada el 1 de agosto, durante la época de maduración de la cosecha local de bayas, o durante el plenilunio cerca del punto medio entre el solsticio de verano y el equinoccio de otoño. En la Wicca, Lughnasadh es celebrado y también es conocido con el nombre de Lammas." Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Lughnasadh.

Tiene una bonita voz Laura Pire que me da la impresión de que aún tiene mucho margen de perfeccionamiento y personalización. Pasamos a un fragmento de guitarra acústica adornado con sonidos atmosféricos y guitarra eléctrica. Entra el saxo soprano en diálogo con la guitarra acústica. Después piano y guitarra eléctrica a un ritmo muy lento con atmósfera percusiva y de sonidos acuáticos. Cambia la guitarra por saxo y termina el tema. Hay mucho del dios Lugh en el grupo Senogul, nombre que proviene del pueblo asturiano Lugones donde ensayaban.

""Lughnassad" es, quizás, mi gran debilidad. Me encanta. Veo mucha agua y mucha reflexión en cada nota. De aquí podría contar miles de cosas, como por

ejemplo:

- Laura canta en un lenguaje inventado pero le gusta introducir guiños idiomáticos. Ya lo hacía con Cuac! también. Veo mucho de Debussy por aquí, en la progresión del piano (contrastando el ying y el yang, simbolizado con el negro y el blanco de las teclas). Curiosamente, a la hora de grabar este pasaje, Laura no era capaz de lograr algo que empastase del todo. Al final, nos dijo que apagáramos las luces mientras grababa, de forma que no podíamos verla, ni ella a nosotros. El resultado de esa toma es lo que podéis escuchar. Nos cautivó al instante. Me gustaría, algún día, poder tocar esta sección con una buena coreografía. Y la guitarra de Pedro es genial, muy acuática también.

- La parte acústica conecta con el acorde en Re Mayor del inicio de "De Nooijer", uniéndose después guzmán con el saxo soprano y haciendo una secuencia que me recuerda mucho al aullido del lobo (juega con las quintas). La influencia de Paul Winter había de estar presente ¿No? Luego, se produce una transición del sonido al silencio, con ese lleno de los sintetizadores que acaba siendo asumido por la soledad del piano, que cuenta exclusivamente con el acompañamiento del sonido de los pedales, las teclas y la resonancia de su caja. El tránsito me resulta muy emotivo. Ahí se retoma el motivo final del

"Mantra" y vuelven las referencias acuáticas, pero si os fijáis es una parte totalmente Rubato, con fluctuaciones de tempo y sin un colchón de fondo, salvo el momento en el que aparece el agua. El final se va muriendo de forma natural, con la última nota de piano mantenida con el pedal hasta que, por medios naturales, se apaga. Vamos con nuestro discurso hasta sus últimas consecuencias.

Por otro lado, "Lughnassad" (el concepto) y "Mae Floresta" fueron los gérmenes de la obra. en 2004 (creo recordar) tocamos Senogul en un festival en Tiermes (Soria), bajo el nombre de Lughnassad. Ahí ya empezamos a querer componer algo que llevase ese nombre. Luego se nos empezaron a ocurrir diferentes partes que, al principio, era una introducción a "La Maha Vishnuda". Así lo tocábamos en el local, y puede que alguna vez en directo. Al desarrollarlo en estudio, de ahí salieron dos piezas con carácter propio: "En permanente estado de vigilia" y "Terra-terreiro"."

Itamaracá (acordeón solo): Se reconstruye el primer tema adaptado integramente para acordeón y con variaciones en un sólo magistral y muy virtuoso que me encanta. Alejandro Martínez es un maestro de este instrumento. Al parecer la adaptación ha sido sólo suya e incluye alardes vistuosos de escalas y variaciones que encajan perfectamente con la melodía original. El tema se desarrolla siempre en melodía y acompañamiento con un único instrumento.

"Con respecto a "Itamaracá (acordeón solo)", poco que añadir. Ha sido un regalo de Álex que nos ha llegado tanto, que sirvió para acabar de redondear la idea del Concierto. Me ha encantado su enfoque y su interpretación. Por cierto, que él lleva junto a nuestro bajista Pablo un proyecto interesantísimo llamado Melange, que está grabando su primer trabajo discográfico. En él colaboramos casi todos los músicos de Senogul, entre otros. Se trata de versiones de todo tipo (y cuando digo de todo tipo es que aparece desde Piazzolla hasta Albéniz, The Doors, pasodobles o danzas brasileñas), junto con algunas piezas propias, compuestas para acordeón y banda eléctrica, en su mayoría. Todo un tributo al acordeón que Pablo y Álex están sacando adelante con mucho esfuerzo y muchísima calidad."

En definitiva, un cambio radical de registro para el grupo. Al principio me costó habituarme, acostumbrado mucho más a los sonidos del prog y sobre todo con el dato previo del disco anterior mucho más ajustado a un patrón prog que este (sonidos que recordaban a Iceberg, Camel, fusion, etc), sin embargo los sonidos y las melodías fueron entrando hasta quedarse de una forma natural. No es comparable en absoluto al trabajo anterior porque sería comparar churras con merinas y por eso no lo voy a hacer. Pero escuchando este se escucha de forma distinta el anterior y viceversa. Sí hay elementos de interacción entre ambos y sonidos heredados de uno al otro y del otro al uno, ya que son los mismo músicos los que integran la columna vertebral, salvo el batería.
Qué curioso, me he encontrado algo de "En permanente Estado de Vigilia" en el final de "Dr. Gull II". Es decir, sonidos similares, nada más. Oyendo ahora el primer disco hago una retrospección en el grupo y creo que asimilo incluso más tanto del primero como del segundo.

"Es que el tratamiento del sonido casi a modo de collage ya aparece en pasajes como en "Dr. Gull II" (donde también hay resonancias con el final de "Sangama Mantra", con los saxos duplicados... esa especie de caos controlado) o en la afinación de "Tango Mango" (con referencias como Tuning up de Edgar Varèse)."

Estos amigos han sido bendecidos con el susurro de las musas y parece que todo lo que hacen llega a buen puerto. Para mí ha sido una experiencia nueva, un mundo por descubrir, un tipo de música no escuchada antes y que ha entrado en mí con dificultad al principio y de forma natural a medida que se sucedían las escuchas. Estoy muy contento con el resultado y todo esto, la calidad y el inmenso cambio me hacen estar muy impaciente para el tercer disco cuando llegue.

Desde luego son un referente en la música de nuestro país y vaticino que van a llegar muy lejos en lo musical. No así en lo comercial porque han elegido el camino difícil de ser fieles a ellos mismos y no al gran público. Un aplauso Senogules y muchas gracias Schroeder! Aplausos


Contenido:

CONCIERTO DE EVOCACIÓN SONORA para conjunto instrumental

I - Itamaracá

II - En permanente estado de vigilia

III - Mae Floresta:

a)  La senda verde
b)  El espíritu que nos inunda
c)  Las almas inmóviles
d)  La naturaleza de la vida

IV - Swaranjali (Sangama Mantra)

V - Siete lunas (La canción del nómada)

VI - De Nooijer

VII - Terra-terreiro:

a) El mar nuestro de cada día
b) Un canto a los antepasados, la conmemoración
c) Reflexiones del día de mañana sobre una roca gris
d) Invocanción
e) El poder de la Madre Tierra

VIII - Lughnassad

IX - Itamaracá reprise



Músicos:

Pablo Canalís : percusiones diversas, bajo eléctrico, cítara, gralla, voces.


Eduardo Gª Salueña : piano, teclados, voces.


Pedro A. Menchaca : guitarra eléctrica y acústica, didgeridoo, voces.


Israel Sánchez : guitarra eléctrica, sitar, tampura electrónica, voces.


Eva D. Toca : batería.



Xavier Mª Foks : percusiones diversas, clarinete, khene, harmonium, trompa tibetana, cítara, voces.


Guzmán Argüello : saxos alto y soprano, flauta travesera y piccolo, sanza, voces.


Alejandro Martínez : acordeón.


David Menéndez : percusión.


Dhana Lakshmi : voz mantra (IV).


Laura Pire : voz (VII.d & VIII).


Aníbal A. Menchaca : voz (VII.d).


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